jueves, 12 de octubre de 2017

DIVINA PERFECCIÓN - Artista raro -Año VIII. Nº 445

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Jan Steen - Autorretrato como músico - c. 1663-65
Jan Steen - Autorretrato como músico - c. 1663-65  (Museo Thyssen, Madrid)

Pintura

Steen se dedicó, a lo largo de su carrera, a plasmar una realidad cotidiana, del día a día, sin quitarle o añadirle nada, y sin intentar realizar un análisis de las costumbres que relata (como haría posteriormente el realismo): simplemente pasa de la realidad al óleo algún episodio del folclore o de la vida cotidiana que merece ser resaltado. Sus personajes y composiciones estaban muy influenciados por la literatura contemporánea, especialmente por la Commedia dell'arte. Empleó a miembros de su propia familia como modelos y también se pintó él mismo en varios autorretratos, en los cuales se puede ver que no demuestra ninguna tendencia a la vanidad.

Música

A Fancy es una de las siete fantasías compuestas por el compositor inglés John Dowland y editadas en 1610 bajo el título The Varietie of Lute Lessons, catalogada como número seis en la Poulton Collection.

Poca suerte tuvo John Dowland con sus convicciones religiosas católicas, que le impidieron desempeñar un cargo en la corte de Isabel I. Tras viajar a París, Alemania y Dinamarca (donde ocupa el puesto de laudista real), vuelve en 1606 a Inglaterra como laudista de Jacobo I. La fama de artista “raro” le acompañó durante su vida.


John Dowland - A Fancy

viernes, 6 de octubre de 2017

DIVINA PERFECCIÓN - ¿Arpa o vihuela? -Año VIII. Nº 444

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Artemisia Gentileschi - Autorretrato tocando el laud - 1615-17
Artemisia Gentileschi - Autorretrato tocando el laud - 1615-17  (Wadsworth Atheneum)

Pintura

Durante el barroco en general, y dentro del naturalismo tenebrista en particular, el tema de la música y su relación con los sentidos corporales fue muy importante. La interpretación musical solía aparecer representada con laúdes, símbolo de los conciertos cortesanos, celebrados en palacios de nobles cultivados, quienes al tiempo que patrocinaban las bellas artes eran grandes aficionados a la música. Lo que resulta destacable en la obra de la artista es el hecho de elegir a una mujer como la intérprete musical. Esto sorprende dado que el pintor de quien aprendió la técnica, Caravaggio, solía emplear a hombres como intérpretes.

Música

Por la publicación en 1546 de sus Tres libros de música en cifra para vihuela, se puede suponer que nació entre 1500 y 1510. Alonso Mudarra es citado como canónigo de la catedral de Sevilla y en 1568 interviene en la construcción del órgano de la catedral. Suya es la Fantasía que contrahace la harpa en la manera de Ludovico.

Es la obra más virtuosística y atrevida del compositor vihuelista más brillante, un homenaje al extraordinario virtuoso Ludovico el del Arpa. Extraordinario no sólo por su rapidez, sino porque, siendo entonces el arpa un instrumento afinado diatónicamente (corresponde a las teclas blancas del piano), Ludovico era capaz de producir sonidos cromáticos (como si tuviera todas las teclas del piano) que maravillaban, justamente, a sus contemporáneos.


Alonso Mudarra - Fantasía que contrahaze la harpa en la manera de Ludovico

viernes, 29 de septiembre de 2017

VOCES - Que suene la trompa guerrera -Año VIII. Nº 443

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Johannes Lingelbach - Pueblo flamenco sitiado por soldados españoles - c. 1674
Johannes Lingelbach - Pueblo flamenco sitiado por soldados españoles - c. 1674  (Hermitage)

Pintura

Lingebach representa una escena de la Guerra de los Treinta años (1618-48). Esta guerra religiosa dejó gran parte de Alemania en ruinas, sin embargo las provincias católicas en los Países Bajos disfrutaron de un cierto período de prosperidad.

Música

Verdi compuso Il Trovatore en un tiempo brevísimo, para su estreno el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma, pero la adaptación del drama del escritor español Antonio García Gutierrez por parte de Salvatore Cammarano comenzó en 1851.

ACTO III – Escena 1: El campamento del Conde de Luna
El campamento del Conde de Luna está asentado cerca de Castellar, con el objetivo de recuperar la ciudad. En escena, observamos un grupo de soldados que se preparan para el combate ("Or co'dadi ma fra poco"... "ahora con los dados"). La aparición breve de Ferrando sirve para espolearles de cara a la esperada victoria ("Squilli, eccheggi la tromba guerriera" - "Que suene, resuene la trompeta guerrera"). Es un coro de los soldados en un tono cercano al marcial que deja huella.


Giuseppe Verdi - Squilli, echeggi la tromba guerriera - Il Trovatore

viernes, 22 de septiembre de 2017

VOCES - Balas mágicas -Año VIII. Nº 442

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Gustave Courbet - La presa - 1856
Gustave Courbet - La presa - 1856  (Museum Fine Arts, Boston)

Pintura

La escena, probablemente situada en las montañas del Jura, a lo largo de la frontera franco-suiza, muestra al propio artista, posando como cazador. El pintor amplió la tela original mientras trabajaba, añadiendo una pieza en la parte superior, por encima de la cabeza del cazador, y otras para incluir al soplador del cuerno y a los perros.

Música

Fervorosamente aclamada en su estreno en Berlín en 1821, Der Freischütz (El cazador furtivo) de Carl Maria von Weber pronto se convirtió en la expresión (operística) esencial del nacionalismo alemán. Friedrich Kind basó el libreto en la obra homónima de Johann Appel, recopilación seudoromántica de sabiduría popular.

El desdichado cazador Max ya no es capaz de dar en el blanco. Su boda con Agathe y el puesto hereditario de guardabosques en jefe dependen de un concurso de tiro. Kaspar, que se ha vendido al Maligno, convence a Max de que dispare siete balas infalibles. La séptima puede dar a quienquiera elija el Diablo. El día de la boda de Max ha demostrado su puntería con tres disparos y Kaspar, maliciosamente, ha utilizado la penúltima de las balas mágicas. El Diablo tiene destinada la séptima para Agathe, pero un ermitaño la protege y en su lugar mata a Kaspar.


Carl Maria von Weber - Jägerchor - Der Freischütz

viernes, 15 de septiembre de 2017

VOCES - Cuestión de suerte -Año VIII. Nº 441

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Francisco de Goya  - Las lavanderas - 1779-80
Francisco de Goya  - Las lavanderas - 1779-80  (El Prado, Madrid)

Pintura

El propio Goya describe la escena como la broma de unas lavanderas a una de sus compañeras que se ha quedado dormida. La broma consistiría en despertarla con el cordero. Tras el grupo principal, aparecen otras dos figuras y al fondo un bello paisaje, en el que destaca su perfecta perspectiva. El maestro está mostrándose como un consumado colorista, al utilizar tonos vivos y alegres - azul, verde, rojo, amarillo o blanco - muy iluminados por una luz fuerte y dorada, como si del atardecer se tratase. La factura suelta por él empleada es también característica de sus escenas, dando la impresión a primera vista de detalle y minuciosidad, pero apreciándose más de cerca la rapidez con que aplica las manchas de color.

Música

El chaleco blanco es un episodio cómico-lírico en un acto con texto original de Miguel Ramos Carrión y música de Federico Chueca. Se estrenó el 26 de Junio de 1890 en el Teatro Felipe.

Cuenta la obra la ajetreada persecución de un décimo de lotería premiado con el gordo y supuestamente extraviado dentro de la colada que las lavanderas llevan al Manzanares (“Al bajar a las bancas del Manzanares… Pa sortijas y gracia las carniceras”) Este calvario da pie para conocer a las clases populares de Madrid y a cómo vivían los que teóricamente eran “señoritos”. Hay final feliz pues aparece el décimo.


Federico Chueca - Seguidillas - El chaleco blanco

viernes, 8 de septiembre de 2017

VOCES - Coro de pastores -Año VIII. Nº 440

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Poussin - Los pastores de Arcadia - 1628-29
Nicolas Poussin - Los pastores de Arcadia - 1628-29  (Chatsworth House, Derbyshire)

Nicolas Poussin - Les Bergers d'Arcadie, dit aussi Et in Arcadia ego - Versión Louvre 1638-40
Nicolas Poussin - Les Bergers d'Arcadie, dit aussi Et in Arcadia ego - 1638-40  (Louvre)

Pintura

Tres pastores, y posiblemente una pastora (aunque su forma de vestir podría denotar otra condición social) aparecen reunidos ante una tumba de piedra con la inscripción Et in Arcadia ego, cuya traducción es «yo también viví en Arcadia». Pintando las figuras de modo que ocupen casi todo el primer plano, el artista se asegura de que nos fijemos en su descubrimiento, esto es, que la muerte es omnipresente. La calavera puesta encima de la tumba mentaliza aún más a los personajes congregados a su alrededor sobre el destino que a todos nos aguarda.

Música

La Música incidental para coro y orquesta Rosamunde Op. 26 (D. 797), es una de las últimas obras del compositor Franz Schubert. Se estrenó en el Theater an der Wien de Viena, el 20 de diciembre de 1823. La obra consta de una obertura y diez números musicales entre los que se encuentra el número 8 Hirtenchor (Coro de pastores), "Hier auf den Fluren" (Aquí en los campos)

La facilidad de Schubert para componer se demuestra por el hecho de que escribiera, en tan sólo cinco días, la música incidental para la obra teatral “Rosamunde, Fürstin von Zypern” ("Rosamunda, Princesa de Chipre"); de la escritora Helmina von Chézy, que tan sólo se representó durante dos días. El fracaso del público llevó a que se suspendieran las demás funciones.


Franz Schubert - Coro de Pastores - Rosamunda

viernes, 1 de septiembre de 2017

VOCES - El grito de los Esclavos -Año VIII. Nº 439

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William Blake - Nebukadnezar - 1795
William Blake - Nebukadnezar - 1795  (The Minneapolis Institute of Art)

Pintura

Esta obra de Blake es una impresión monocolor con adiciones en tinta y acuarela que retratan al rey de Babilonia, del Antiguo Testamento, Nabucodonosor II. Tomado del Libro de Daniel, la leyenda de Nabucodonosor habla de un gobernante que por su arrogancia perdió la cabeza y fue reducido a la locura animal y a comer "hierba como los bueyes". En esta impresión el espectador se enfrenta al "rey loco que se arrastra, como un animal cazado, en una cueva entre las rocas; la dorada barba enmarañada barriendo el suelo, con las uñas como garras de buitre y sus ojos salvajes llenos de sombrío terror. Su poderosa imagen está perdiendo apariencia de humanidad, para ser una bestia, por el crecimiento del pelo, y un reptil, por las marcas de sapo y manchas en la piel, que adquieren tonalidades no naturales de color verde, azul y rojizo.

Música

Nabucco es una tragedia lírica en cuatro partes con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Temistocle Solera, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor de Francis Cornue y Anicète Bourgeois. Fue estrenada el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán.

PARTE 3 - Escena 2: Orillas del río Éufrates
Los judíos añoran su tierra natal (“Va pensiero, sull'ali dorate” – "Vuela, pensamiento en alas doradas; vuela y asientate en las laderas y las colinas"). Zaccaria de nuevo les exhorta a tener fe: Dios destruirá Babilonia.


Giuseppe Verdi - Va pensiero, sull'ali dorate - Nabucco

viernes, 25 de agosto de 2017

MITOLOGÍA - Inmolarse por amor -Año VIII. Nº 438

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Arthur Rackham - Brunhilde se arroja a la pira funeraria de Sigfrido - 1911
Arthur Rackham - Brunhilde se arroja a la pira funeraria de Sigfrido - 1911

Pintura

Tras los tristes funerales del héroe, su cuerpo fue colocado sobre una gran pira, y cuando ya era pasto de las llamas, apareció Brunilda, vestida con gran sencillez, galopando sobre su caballo, al cual dirigió hacia el fuego, en el que se arrojó, mientras clamaba su amor por Sigfrido. Krimilda pudo comprender entonces, que la valquiria solo amaba al héroe... La maldición que pesaba sobre el anillo y el tesoro de nuevo se cumplía inexorablemente. Ya nada podría detener el ocaso de los dioses.

Música

Götterdämmerung (El ocaso de los dioses) es una ópera en tres actos y un prólogo con música y libreto de Richard Wagner. Fue estrenada en el marco del primer Festival de Bayreuth el 17 de agosto de 1876, como parte de la primera producción completa del ciclo y forma parte del Canon de Bayreuth.

Con este brillantísimo Final en el que Brunhilda, cabalgando sobre un caballo, por amor se arroja a las llamas de la pira funeraria del héroe Sigfrido, se cierra el Ciclo de la Tetralogía wagneriana “El Anillo de los Nibelungos”. Para esta Tetralogía el rey Luis II de Baviera construyó un teatro de ópera como el de Bayreuth.


Richard Wagner - Final de El Ocaso de los Dioses

viernes, 18 de agosto de 2017

MITOLOGÍA - Cuando la paloma lamenta su amor -Año VIII. Nº 437

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Claude Lorrain - Acis y Galatea - 1657
Claude Lorrain - Acis y Galatea - 1657  (Staatliche Kunstsammlungen, Dresde)

Pintura

La especialidad indiscutible de Lorrain fue el paisaje, de ambientación frecuentemente religiosa o mitológica. Tenía una visión idealizada del paisaje, que aunaba el culto a la Antigüedad clásica junto a una actitud de profunda reverencia hacia la naturaleza, que muestra en todo momento una serenidad y placidez que reflejan un espíritu evocador, la idealización de un pasado mítico, perdido pero recreado por el artista con un concepto de perfección ideal. Aquí representa a Galatea, ninfa del mar, que despuntaba entre todas por su hermosura y su cuerpo albino como la espuma de las olas. Ella estaba prendada de Acis, el cual era un joven pastor de la isla de Sicilia, que se acercaba todas las tardes a la orilla del mar para ver y hablar con la hermosa Galatea.

Música

Haendel compuso la primera versión de Acis y Galatea mientras vivía en Cannons durante 1717-1718. Fue la primera obra dramática de Haendel en idioma Inglés, basado en un libreto de John Gay, inspirado en la Metamorfosis XIII de Ovidio. Fue estrenada en el verano de 1718.

En 1708, Haendel había compuesto en Nápoles Acis, Galatea y Polifemo, lo que se llamó en principio Serenate a trre, y lo que algunos llaman hoy Oratorio, pero no es más que una pequeña ópera en un solo acto. Pues bien, en 1718, ya en Inglaterra, utilizará de nuevo el mismo tema, pero ahora teniendo como libretista al inglés John Gay y convirtiéndolo en una “mascarada” inglesa, una especie de espectáculo satírico mitológico, con el nombre de Acis y Galatea.


Georg Friedrich Haendel - As when dove laments her love - Acis y Galatea

miércoles, 9 de agosto de 2017

MITOLOGÍA - En la nostalgia y la luz -Año VIII. Nº 436

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Edward Burne-Jones - El jardín de Pan - 1886-87
Edward Burne-Jones - El jardín de Pan - 1886-87  (National Gallery of Victoria, Melbourne)

Pintura

Burne-Jones visitó Italia en 1871 y regresó cargado de nuevas ideas para sus cuadros. Una de ellas consistía en crear un cuadro del comienzo del mundo, con Pan y Eco y dioses nemorosos... y un fondo salvaje de bosques, montañas y ríos. No tardó en percatarse de que era un proyecto ambicioso y se limitó a pintar solo el jardín. Habitualmente se solía representar a Pan con rasgos cabrunos, sin embargo el pintor lo plasmó como a un joven inmaduro, y, de hecho, llamó al cuadro "La juventud de Pan". El entorno es la bucólica Arcadia, especie de jardín del Edén pagano. El artista admitió que su composición resultaba algo absurda, puesto que "debía ser algo tonta y deleitarse en su tontería… una reacción contra el deslumbrante ingenio y sabiduría londinense".

Música

El Preludio a la siesta de un fauno, inspirado en el poema homónimo de Mallarmé, fue compuesto por Claude Debussy entre 1892 y 1894, y estrenado el 22 de diciembre de este último año. Estaba destinado a formar parte de un tríptico que se hubiera llamado Preludio, interludio y paráfrasis final para la siesta de un fauno, una especie de comentario musical a la representación dramática del texto de Mallarmé, pero sólo llegó a componer la primera parte.

Según el propio Debussy, la relación de su música con el poema de Mallarmé no pretende sintetizar el universo de éste, sino mas bien describir los ambientes en los que se mueven los deseos y sueños del fauno durante el calor de la siesta, cómo se entrega al reposo, cansado de perseguir a las huidizas ninfas, y cómo el sueño ve satisfechas sus apetencias en una confusión panteísta. Mallarmé dijo que la música acompañaba su poema “en la nostalgia y en la luz, con finura, con malestar, con riqueza”.


Claude Debussy- Preludio a la siesta de un fauno

viernes, 4 de agosto de 2017

EL MAYOR ESPECTÁCULO DEL MUNDO – La danza de los payasos -Año VIII. Nº 435

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Johann Heinrich Füssli - Titania despierta rodeada por hadas - 1793-94
Johann Heinrich Füssli - Titania despierta rodeada por hadas - 1793-94  (Kunsthaus, Zürich)

Pintura

Titania, la Reina de las hadas, personaje de “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, abraza a su marido Oberón, con su cabeza de asno, acompañada de un séquito de hadas y elfos, mientras les rodean las tinieblas (acto IV, escena 1). Todos los personajes son criaturas oníricas, fantasmagóricas y sutiles, representadas en una de esas pesadillas que centraban buena parte de la obra de Füssli, en las que mezclaba todos los ingredientes del prerromanticismo, movimiento del que fue precursor, sin dejar por ello de acompañar a esos personajes benéficos y fantásticos, los terrores nocturnos de una realidad que contrastaba con los productos de la fantasía del artista, creando por ello una obra en la que se unen lo fantástico y lo grotesco, elementos que conforman toda la obra de este artista, precursor del expresionismo y surrealismo.

Música

Mendelssohn escribió la música incidental Ein Sommernachtstraum, op. 61, para El sueño de una noche de verano en 1842, 16 años después de haber escrito la obertura de concierto op. 21.

El acto V contiene más música que los otros, para acompañar el banquete de bodas. En él hay una breve fanfarria para trompetas y timbales, una parodia de la marcha fúnebre, y una danza Bergomask ("Ein Tanz von Rüpeln"). La danza usa el rebuzno de Bottom de la obertura como principal material temático.


Felix Mendelssohn - Ein Tanz von Rüpeln - El sueño de una noche de verano, op. 61

viernes, 28 de julio de 2017

DOCTORES A ESCENA - Diagnóstico certero -Año VIII. Nº 434

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Rembrandt - La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp - 1632
Rembrandt - La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp - 1632  (Mauritshuis, La Haya)

Pintura

Retrato de grupo encargado por el doctor Nicolaes Tulp, en el que aparece representada una lección pública de anatomía, costumbre habitual en aquellas fechas para demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre. Vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección, destacando el realismo de las figuras a través de sus expresiones: sorpresa, entusiasmo, atención... Las miradas de cada una de las figuras hablan por sí solas y hacen que el espectador se sienta protagonista también de la escena y se integre en la lección, ampliando así el aula de Tulp a la sala donde se expone el cuadro. Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad, ya que en los retratos de grupo anteriores, se pintaba a las personas en fila; al colocarlas así, Rembrandt ofrece una mayor sensación de realismo. El pintor está interesado en los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio, según indicaba la teoría tenebrista que trabajaba por estas fechas. El colorido oscuro también es característico de la técnica tenebrista, pero además hay que destacar la austeridad cromática de los trajes de aquella época, animada por los cuellos y puños blancos. Los detalles de los cuellos y los ropajes o los libros demuestran la altísima calidad del artista, que triunfa en Amsterdam gracias a estos trabajos.

Música

El rey que rabió es una zarzuela en tres actos, divididos en siete cuadros, con letra de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza y música compuesta por Ruperto Chapí, que se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 20 de abril de 1891.

El rey, vestido de pastor, parte con el general, para hacer un viaje de incógnito por el reino y así poder divertirse. Llegan a un pueblo y paran en la posada. Entra gritando Jeremías, sobrino del alcalde, el cual se ha escapado también para seguir a su prima; tiene los pantalones rotos, puesto que un perro lo atacado. Lo ocultan dentro de la casa; al momento llega la tropa buscando al rey, los labriegos lo confunden con Jeremías, comentando que éste ha sido atacado por el perro al intentar esconderse. Temiendo que haya cogido la rabia, se llevan a Jeremías, pensando que es el rey, al labrador y al perro. En el jardín del palacio real, los pajes se preguntan donde está el rey. Los ministros comentan sobre el estado de salud del rey y sobre el ataque del perro, avisando a los más eminentes doctores para que realicen su diagnostico (Coro de Doctores: "Juzgando por los síntomas que tiene el animal")


Ruperto Chapí - Coro de doctores - El rey que rabió

viernes, 21 de julio de 2017

DOCTORES A ESCENA - Escuchad al médico, bellas señoras -Año VIII. Nº 433

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Gustav Klimt - Medicina - 1897-98
Gustav Klimt - Medicina - 1897-98  (Universidad de Viena)

Pintura

La decoración del techo del Aula Magna de la nueva Universidad de Viena fue el encargo oficial más importante que tuvo Klimt. El boceto de Medicina que contemplamos presenta ya las líneas generales de la obra definitiva. Así en primer plano, podemos contemplar a Hygeia, la diosa griega de la salud e hija de Esculapio, vestida ya con una larga túnica pero no con el aspecto majestuoso del lienzo final -existe un estudio preparatorio de esta figura-. Sobre Hygeia se sitúan ya una serie de figuras entre las que se puede destacar a la Muerte y el Dolor, expresivos personajes que llaman poderosamente nuestra atención. La zona izquierda del conjunto se ocupa con una figura femenina desnuda, en una postura forzada al arquearse para mostrar su sexo al espectador, tendiendo su mano a uno de los hombres que forma parte del amasijo de cuerpos.

Música

El drama giocoso Cosi fan tutte (Así hacen todas) de Mozart se representó por primera vez en Viena el 26 de enero de 1790. Según la leyenda, el libreto de Da Ponte, que lleva el subtítulo de “La scuola degli amanti” (La escuela de los amantes) sitúa en Nápoles un hecho que sucedió realmente, si bien fue en Trieste.

La historia versa sobre la apuesta de dos amigos, cada uno de ellos sosteniendo la fidelidad de su propia amada, a consecuencia de la cual se disfrazan de "albaneses" e intercambian las parejas con el fin de probar que no serán capaces de seducirlas. Al final del acto primero, las amadas, que son hermanas, se lamentan. Despina, la criada, pregunta a Don Alfonso si le permite hacerse cargo del plan de seducción. De repente, entran los "albaneses" y amenazan con envenenarse si no se les permite cortejar a las hermanas. Don Alfonso intenta calmarlos, pero entonces beben el veneno y se desmayan. Poco después, llega un médico, que no es otro que Despina disfrazada, quien, usando un gran imán, consigue revivir a los "albaneses". Los hombres, recuperados pero en tono de sufrir una alucinación, exigen un beso de las diosas que están ante ellos. Las hermanas los rechazan, aunque Don Alfonso y el doctor (Despina) les instan a que lo hagan.


Wolfgang Amadeus Mozart - Eccovi il medico, signore belle - Così fan tutte, ópera, K. 588

viernes, 14 de julio de 2017

DOCTORES A ESCENA - ¡Viva la medicina! -Año VIII. Nº 432

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Anónimo - Grabado para una edición de Le Medecin Malgre Lui - 1719
Anónimo - Grabado para una edición de Le Medecin Malgre Lui - 1719

Pintura

Este grabado realizado para una edición de Le Medecin Malgre Lui, una comedia-farsa de Molière, representa el momento en que dos criados siguen las instrucciones de Martina, esposa de Sganarelle, al pie de la letra de tal forma que, cuando el marido niega ser médico, lo tunden a golpes, provocando que él reconozca lo que ellos quieren.

Música

Le Médecin malgré lui (Médico a su pesar) es una ópera cómica en tres actos de Charles Gounod, sobre un libreto de Jules Barbier y Michel Carré, basada en la comedia homónima de Molière de 1666. Se estrenó el 15 de enero de 1858 en el Théâtre-Lyrique de París.

Sganarelle es un leñador, dado en demasía a la botella, que abusa de su esposa Martine. Ésta ve una oportunidad de tomar venganza cuando Valère y Lucas, los sirvientes del Rico Géronte, requieren de un médico para su hija, Lucinda, que permanece en silencio para evitar un matrimonio desagradable. Martine explica a Valère y a Lucas que su marido Sganarelle es un médico erudito, pero que él se negará a ejercer su arte al menos que le propinen una buena paliza. Finalmente, a base de golpes, le obligan a admitir la profesión que se le supone. Después de que Sganarelle se ha presentado a la paciente Lucinda (Air "Vive medicina"), su amante Léandre arregla una entrevista con él y bajo el disfraz de boticario, organiza la fuga con Lucinda, mientras que el falso médico distrae al padre.


Charles Gounod - Vive la medicine - Le medicin malgre lui

viernes, 7 de julio de 2017

DOCTORES A ESCENA - El sueño de Esculapio -Año VIII. Nº 431

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Sebastiano Ricci - El sueño de Esculapio - c. 1710
Sebastiano Ricci - El sueño de Esculapio - c. 1710  (Gallerie dell'Accademia, Venecia)

Pintura

Este cuadro requiere la mención previa del fervor que sentía su autor por la obra de Veronés. Aunque su tratamiento sea distinto, las figuras del primer término conservan un espíritu de monumentalidad imputable al influjo de aquel maestro, de quien también procede el gusto escenográfico –la representación de un suntuoso lecho con baldaquino- y la sensibilidad para captar la vibración lumínica de las telas. El éxito que Ricci obtuvo en su momento se explica por su capacidad para transcribir el color con frescura y viveza, por su ingenio compositivo y teatralidad barroca llevada al paroxismo.

Música

Johann Strauss II dedicó a los estudiantes de medicina de la Universidad de Viena su Aesculapius, Polka op. 130 (Esculapio), compuesta para el baile de Carnaval celebrado en los salones Sperl el 25 de enero de 1853.

La elección del título fue oportuna: Aesculapius era el dios griego de la medicina, que poseía notables, incluso milagrosos, poderes de curación. Su vida en la tierra terminó cuando Zeus, temiendo que el médico pudiera volver a todos los hombres inmortales, ordenó que fuera asesinado por un rayo.


Johann Strauss II - Aesculap-Polka, Op. 130 (RV 130)

viernes, 30 de junio de 2017

EMOCIONES - Placer gastronómico -Año VIII. Nº 430

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Oskar Kokoschka - El poder de la música - 1918
Oskar Kokoschka - El poder de la música - 1918  (Vanabbemuseum, Eindhoven)

Pintura

A la izquierda, Kokoschka representa una mujer que sostiene una flor de lila en la mano, mientras está soplando un instrumento en forma de trompeta; a la derecha, un niño, que está en cuclillas con los brazos sobre la cabeza, se aleja de ella. A lo lejos hay un animal que también se aleja. El niño está pintado con colores cálidos: rojo, naranja y amarillo; mientras que la mujer está representada sobre todo en verde y un amarillo verdoso frío. El entorno se compone principalmente de campos oscuros, en los que predomina el color azul.

Música

La Sinfonía nº 4 de Gustav Mahler fue compuesta entre julio de 1899 y agosto de 1900. El autor compuso esta obra sobre lo que, en principio, iba a ser el séptimo movimiento de la Tercera sinfonía. Finalmente decidió suprimir ese séptimo movimiento que pasó a ser el cuarto y final de la cuarta sinfonía. Mahler concibió los tres primeros movimientos en función del que ya tenía.

La música sigue siendo lírica y clásica, bien lejos de composiciones posteriores más dramáticas. El primer movimiento hace oír campanillas y temas de carácter de danzas campesinas. El segundo introduce un violín desafinado solo, ofreciendo un lado rústico a la división. El adagio es de una gran amplitud y juega sobre todo sobre las cuerdas, contrariamente a las dos primeras partes. Se termina con un tutti, introduciendo el último movimiento vocal. El texto del lied, cantado por una voz de soprano, enuncia los placeres gastronómicos del cielo. La orquesta termina por borrarse después de haber reanudado los temas campesinos del primer movimiento.


Gustav Mahler - III. Ruhevoll (inicio) - Sinfonía núm. 4


Gustav Mahler - III. Ruhevoll (final) - Sinfonía núm. 4

viernes, 23 de junio de 2017

EMOCIONES - Extremadamente romántica -Año VIII. Nº 429

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Friedrich von Amerling - Sumida en sueños - 1830-50
Friedrich von Amerling - Sumida en sueños - 1830-50  (Uffizi, Florencia)

Pintura

Este cuadro de Amerling brinda una imagen tipificada del encanto femenino, encarnado por una joven en estado de aparente languidez. El primer plano limitado subraya el intimismo de la escena. La luminosidad de la piel desnuda de la protagonista armoniza con el blanco del camisón y con la colcha de cuadros. Su postura yacente de abandono contrasta con la inquietud de la niña que intenta distraerla.

Música

Sergei Rachmaninov compuso su Sinfonía nº 2 en Mi menor, op. 27 entre 1906 y 1907. Fue estrenada por el propio compositor en San Petersburgo, el 8 de febrero de 1908.

El tema, en el tercer movimiento, de nuevo relacionado con el motivo de la obra, es conducido por el primer violín en una melodía de estilo extremadamente romántico, haciendo eco un sólo de clarinete y la sección de oboes. La sinfonía alcanza un clímax emocional en este movimiento, tras un interludio de pasajes de corno inglés y violín sólo seguidos por un ensueño de clarinete, que es una reminiscencia del primer movimiento, desarrollando más tarde el tema de la obra. Este desarrollo es considerado el complemento a la introducción del primer movimiento Largo. Al final del Adagio, se escucha el motivo en su forma original, enlazándose de nuevo con el primer movimiento. De hecho se considera un final apropiado a la larga introducción inicial del Largo.


Sergei Rachmaninov - III. Adagio - Sinfonia No. 2 Op. 27

miércoles, 21 de junio de 2017

EMOCIONES - Recompensa póstuma -Año VIII. Nº 428

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Kasimir Malevich - Pintura suprematista - 1916-17
Kasimir Malevich - Pintura suprematista - 1916-17  (Museo de Arte Moderno, Nueva York)

Pintura

Este cuadro de Malevich es un magnífico ejemplo de las obras suprematistas del artista menos radicales. Aquí propone una experiencia plástica y visual de nuevo cuño, basada en una composición formalmente compleja que utiliza una gran variedad de colores. Formas abstractas muy diversas dan la impresión de flotar en un espacio indefinido.

Música

Vasily Kalinnikov compuso su Sinfonía nº 1 en Sol menor entre los años 1894 y 1895. Vivió en Yalta donde escribió la mayor parte de su música, incluyendo sus dos sinfonías. El segundo movimiento es el más atractivo y característico de la obra, por su gran lirismo melódico de un carácter eminentemente ruso.

La Sinfonía n º 1 en Sol menor, que utiliza algunos principios cíclicos, se interpretó en Berlín , Viena y Moscú en vida del autor, pero no se publicó hasta después de su muerte, por lo que Pyotr Jurgensen, el editor de Tchaikovsky, aumentó los honorarios que habría pagado a Kalinnikov, y se los pagó a su viuda. El segundo movimiento corresponde a un andante commodamente. Dos notas repetidas insistentemente por el violín con acompañamiento del arpa durante unos treinta compases, forman la base sobre la que se desarrolla un tema lírico presentado por el corno inglés. Una melancólica melodía interpretada por el oboe es contestada por la cuerda. En la parte central la madera es la protagonista, con una parte de gran lirismo. La melodía dolorosa del oboe aparece nuevamente en la parte final, con las dos notas repetidas del principio del movimiento, terminando serenamente, del mismo modo como ha empezado.


Vasily Kalinnikov - II. Andante commodamente - Sinfonía nº 1 en Sol menor

viernes, 16 de junio de 2017

EMOCIONES - Preludio a la alegría -Año VIII. Nº 427

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Pedro Pablo Rubens -  La felicidad de la Regencia de María de Médicis - 1625
Pedro Pablo Rubens -  La felicidad de la Regencia de María de Médicis - 1625  (Louvre, París)

Pintura

Un comentario del propio Rubens es utilizado como interpretación de la obra: "Se muestra el florecimiento del Reino de Francia, con los recuerdos de las ciencias y las artes a través de la liberalidad y el esplendor de su Majestad, quien se sienta sobre un trono dorado, sosteniendo en su mano una balanza con la que mantiene al mundo en equilibrio gracias a su prudencia y equidad". La figura de María de Medicis preside la alegoría, flanqueada por Cupido y Minerva -identificada por su casco y su escudo-, la diosa de la sabiduría. Minerva es acompañada de la Prudencia, con una serpiente alrededor de su brazo (recordando que la sabiduría se simboliza con la serpiente) y la Abundancia, con una cornucopia. En la izquierda aparece Saturno (con una hoz, su atributo) que personifica el tiempo, presentando a Francia para que reciba las bendiciones del reinado de María.

Música

El estreno de la Novena Sinfonía en Re Menor, Op. 125 de Beethoven, cuyo tercer movimiento, aunque sosegado, conduce firmemente a lo que será el cuarto movimiento coral, tuvo lugar diez años después de la Octava, el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y las tres primeras partes de la Missa Solemnis.

Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de doce años; la sala estuvo llena. Nadie quiso perderse el estreno de la sinfonía y de la que se presumía sería la última aparición pública del genio alemán, y efectivamente así fue: en los tres años siguientes, se recluyó en casa aquejado de diversas enfermedades que lo postraron hasta su muerte.


Ludwig van Beethoven - III. Adagio molto e cantabile - Novena Sinfonía en Re Menor, Op. 125

viernes, 9 de junio de 2017

EMOCIONES - Landler -Año VIII. Nº 426

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Anders Zorn - Festival campestre - c. 1890
Anders Zorn - Festival campestre - c. 1890  (Museo Pushkin, Moscú)

Pintura

Zorn utiliza en este cuadro pintura espesa, blanca y seca para crear el efecto titilante de la luz solar reflejándose en lllas figuras en movimiento. El cuadro está concebido de tal modo que las camisas blancas forman una suave diagonal que dirige la vista al núcleo de la escena y a lo largo de la fila de bailarines.

Música

Las tres últimas sinfonías de Mozart fueron escritas en un tiempo record de seis semanas y jamás se ejecutaron en vida del autor. La Sinfonía nº 39 en mi bemol mayor, K. 543, fue concluida por el autor el 26 de junio de 1788, la Sinfonía nº 40 el 25 de julio, y la nº 41 el 10 de agosto.

El minueto y el trío son muy interesantes. El trío es una danza folclórica austríaca denominada "landler" y presenta un solo de clarinete. El Menuetto es enérgico es incitado por el carácter del trío con el segundo clarinete que toca arpegios en su registro grave, el de chalumeau.


Wolfgang Amadeus Mozart - Menuetto - Sinfonia nº 39, KV 543

viernes, 2 de junio de 2017

EMOCIONES - Un final feliz -Año VIII. Nº 425

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John Constable -El carro de heno - 1821
John Constable -El carro de heno - 1821  (National gallery, Londres)

Pintura

La presencia tangible de una tarde cálida de verano sorprende en esta obra de Constable. Esta infrecuente técnica de producir un esbozo al óleo de sus grandes obras a un tamaño natural, permitía al artista resolver la composición. El cuadro representa la corriente estancada del saetín del molino de Flatford en Suffolk.

Música

Joseph Haydn completó en 1787 su Sinfonía nº 88 en sol mayor, Hoboken 1/88.

El final está escrito en forma rondó sonata, con el tema del rondó presentado en forma binaria. La primera sección destaca por acabar con una cadencia sobre la mediante. El final en ostinato, se considera como uno de los más alegres que Haydn escribió.


Joseph Haydn - IV. Finale Allegro con spirito - Sinfonía nº 88 en sol mayor

viernes, 26 de mayo de 2017

UNA MIRADA AL ORIENTE - El contador de historias y la esclava -Año VIII. Nº 424

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Frank Dicksee - Leila - 1892
Frank Dicksee - Leila - 1892  (Tate gallery, Londres)

Pintura

El harén era el símbolo que definía al Oriente para los europeos occidentales. Lo que Occidente sabía del "Oriente" era que allí, las mujeres se trataban como muebles, presas en espacios segregados, esclavas o juguetes sexuales de sus amos. A partir de esta imagen se deduce uno de los significados clave de lo "Oriental" en los idiomas europeos: el poder masculino sin restricciones. Tratamientos posteriores del tema del harén, por artistas de toda Europa, adoptaron un tono menos violento pero aún erotizado, imaginando el harén como un lugar de refinada sensualidad femenina. En este cuadro de Dicksee, que representa una hermosa joven vestida con ropas orientales suntuosas, reclinada en un sofá cubierto con pieles y tejidos de lujo, se explora la visión británica del harén, una visión fascinante del pensamiento victoriano sobre el "Oriente" y sobre la vida doméstica en el hogar.

Música

The Rose of Persia or The Story-Teller and the Slave (La Rosa de Persia o El contador de historias y la esclava) es una ópera cómica en dos actos, con música de Arthur Sullivan y libreto de Basil Hood. Fue estrenada en el Savoy Theatre, el 29 de noviembre de 1899.

ACTO I
Yussuf, un contador de historias itinerante, aparece seguido por cuatro esclavas de la Sultana, que se han escapado del palacio disfrazadas de bailarinas para explorar el mundo exterior ("Peace be upon this house... I care not if the cup I hold"). Una de las chicas, Heart's Desire, se enamora rápidamente de Yussuf. Otra de ellas es Rose-in-Bloom, la Sultana. Saben que serán ejecutadas si el Sultán se entera de su ausencia. Yussuf les dice que él se asegurará de que vuelven a casa.


Arthur Sullivan - Peace be upon this house - The Rose of Persia

viernes, 19 de mayo de 2017

UNA MIRADA AL ORIENTE - Pasión en Estambul -Año VIII. Nº 423

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Moritz Stifter - En el zoco - 1891
Moritz Stifter - En el zoco - 1891  (Berko Fine Paintings, Knokke-Le-Zoute)

Pintura

Este cuadro de Stifter representa el turismo y la fantasía. La elegante dama occidental toquetea sin quitarse los guantes el mantel que le ofrecen. El gesto del comerciante nos habla de la exquisitez de la pieza.

Música

Die Rose von Stambul (La rosa de Estambul) es una opereta en tres actos con música de Leo Fall y libreto de J. Brammer y A. Grünwald, estrenada el 2 de diciembre de 1916 en el Theater an der Wien de Viena.

ACTO II
Una vez que se han marchado los invitados de la boda, Kondja conviene con Ahmed un periodo de prueba en el que se establecerá si se aman realmente antes de consumar lo que estipula el contrato matrimonial. Kondja se reserva el derecho de decir no al final de un plazo de cuatro semanas. El champán saboreado y el vals jamás bailado hasta ese momento en la alcoba (“Ein Walzer muss es sein” – Debe ser un vals) contribuyen a hacer casi flaquear a la joven, desprovista de su velo. Pero cuando Ahmed exige con demasiado ímpetu sus derechos de esposo, ella se encierra presurosa en su cámara.


Leo Fall - Ein Walzer muss es sein - Die Rose von Stambul

viernes, 12 de mayo de 2017

UNA MIRADA AL ORIENTE - En el Serrallo -Año VIII. Nº 422

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John Frederick Lewis - Recepción en el Serrallo - 1873
John Frederick Lewis - Recepción en el Serrallo - 1873  (Yale Center for British Art, New Haven)

Pintura

El harén ha ejercido fascinación en el imaginario colectivo occidental. A partir del siglo XVIII, el orientalismo ha sido una sugestiva temática para muchos artistas occidentales que han pintado una idílica visión del harén y sus mujeres. Desde el punto de vista occidental, el harén es la proyección de una fantasía, de un deseo, en definitiva, del imaginario. Un espacio en blanco en el que se proyectan los sueños. Sin restricciones ni prohibiciones, la mujer que lo habita se convierte en un objeto de placer sexual, aparece feliz en su confinamiento y parece gozar de él. Ésta es la obra de Lewis, un muy cuidadoso amante de la arquitectura, mobiliario, pantallas y el vestuario islámico, que establece nuevos estándares de realismo, que influyó en otros artistas.

Música

Die Entführung aus dem Serail, KV 384 (El rapto en el serrallo) es un singspiel en tres actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en alemán de Gottlieb Stephanie, quien adaptó otro libreto de Christoph Friedrich Bretzner. Se estrenó en el Burgtheater de Viena el 16 de julio de 1782.

Constanza, una joven y bella española, fue raptada por los piratas y vendida como esclava junto a su criada inglesa Blonde y el enamorado de esta última, Pedrillo. Llega el Pachá “Singt dem grossen Bassa Lieder” (“Canta la canción del gran Pachá”) y reitera sus ofrecimientos amorosos. Constanza lo rechaza, mostrándose dispuesta a aceptar las torturas que se le inflijan, pero no cederá “Martern aller Arten” ("Todo tipo de torturas"). Es un “Aria de tortura”, típica de la ópera seria, una de los más difíciles del repertorio que combina la agilidad en los agudos con solidez en los graves. Tiene una introducción con cuarteto de violín, violonchelo, clarinete y oboe. Es la gran aria de este personaje, muy cuidada, larga y elaborada. Probablemente sea la más famosa de la ópera. Mozart reconoce en una carta a su padre: "He sacrificado un poco el aria de Constanza a la flexible garganta de Mlle. Cavallieri."


Wolfgang Amadeus Mozart - Singt dem grossen Bassa Lieder - Die Entführung aus dem Serail, K. 384


Wolfgang Amadeus Mozart - Martern aller Arten - Die Entführung aus dem Serail, K. 384

viernes, 5 de mayo de 2017

UNA MIRADA AL ORIENTE - La Bayadera -Año VIII. Nº 421

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Manuscrito Rasikapriyâ - Un príncipe ofrece una copa de vino a una dama - c. 1615-20
Manuscrito Rasikapriyâ - Un príncipe ofrece una copa de vino a una dama - c. 1615-20

Pintura

Escena procedente de un manuscrito iluminado del siglo XVII: Rasikapriya (Delicias de un enólogo) (1591), una obra del poeta Keshav Das (1555-1617), de Orchha (India)

Música

Die Bajadere (La Bayadera) es una opereta en tres actos compuesta por el compositor húngaro Emmerich Kalman, sobre un libreto escrito por J. Brammer and A. Grunwald. La obra se estrenó en Viena, el 23 de diciembre de 1921.

ACTO II
El joven príncipe indio Radjami von Lahore experimenta embelesado como la gran artista y cantante Odette Darimonde, que está protagonizando la opereta La Bayadère en el Châtelet de París, se entrega a él más y más en su extática danza y tierno dueto “Komm, folg mir ins Wunderland (“Ven, sígueme al país encantado”). En un susurro se declara dispuesta a una inmediata unión matrimonial. Doble triunfo del príncipe: erótico y político, pues ese mismo día habrá de presentar a una esposa legítima para no perder la sucesión del trono. Sin embargo la ceremonia fracasa. En el último momento Odette retira su envite. Sólo fingió haberse rendido al amor de Radjami para burlarse de su presuntuosa vanidad.


Emmerich Kalman - Komm, folg' mir in's Wunderland - Die Bajadere

martes, 2 de mayo de 2017

UNA MIRADA AL ORIENTE - Alí Baba y los cuarenta ladrones -Año VII. Nº 420

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Hermann Emil Sprengel - Scheherazade - 1881
Hermann Emil Sprengel - Scheherazade - 1881  (Colección Privada)

Pintura

En este cuadro de Sprengel el Sultán escucha atentamente uno de los cuentos de Sherezade. Observese el sable en la mano del Sultan. Indica que la vida de Sherezade pendía de un hilo. Los cuentos tienen como narradora a Scheherezade, hija del Visir de un reino persa, que enlaza diversas historias noche tras noche con el fin de disuadir al sultán Shahriar de continuar con su práctica diaria de asesinar a todas sus amantes tras haber sido traicionado por una de sus mujeres. Las historias son diversas; ciertos temas como la traición, el engaño, los celos, la infidelidad, la venganza, el desamor, y todas sus consecuencias se presentan a través de lecciones morales que viven los príncipes, ladrones, jorobados, mercaderes, alcahuetas y sultanes del universo presentado por la astuta Scheherezade.

Música

Indigo und die vierzig Räuber (Indigo y los cuarenta ladrones) es una opereta compuesta por Johann Strauss II, con libreto de Maximilian Steiner basado en el cuento "Alí Baba y los Cuarenta Ladrones" del libro de las Mil y una noches. Fue estrenada el 10 de febrero de 1871 en el Theater an der Wien de Viena.

Ernst Reiterer realizó una adaptación de la obra en 1906, para su reposición bajo el título Tausend und eine Nacht (Las mil y una noches). Uno de los números de esta partitura alcanzó especial popularidad. Se trata del Intermezzo, que se escucha entre el prólogo y el acto I mientras el Príncipe Suleiman, a bordo de una barca, perdido en un sueño inducido, escucha a Scheherazade contarle una historia. Reiter combina dos temas de la partitura original de Indigo: el melancólico tema del coro "Du Schlummersaft mit Zauberkraft, in Träumerei'n wiege uns ein" / 'Oh droga adormidera de mágicos poderes, introdúcenos en el mundo de los sueños' (Acto II Finale, No. 17) y la melodía procedente de la balada de Fantasca del Acto II (No. 10) "Geschmiedet fest an starre Felsenwand" / 'Firmemente sujeta a la pared desnuda del acantilado'.


Johann Strauss II - Intermezzo - Tausend und eine Nacht

viernes, 28 de abril de 2017

DIÁLOGOS – Testamento -Año VII. Nº 419

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Hendrick ter Brugghen - Un sonriente Bravo con un cello y un vaso - 1625
Hendrick ter Brugghen - Un sonriente Bravo con un cello y un vaso - 1625  (Hampton Court Palace)

Pintura

Además de las composiciones religiosas, ter Brugghen también pintó una serie de lienzos de músicos, bien para mostrarlos en parejas o individualmente. Las figuras representadas en ellos no están vestidas con ropa de la época, sino, seguramente, con trajes provenientes del teatro o pastoriles. El autor prescinde de cualquier relato o interés anecdótico y, en consecuencia, sus cuadros están más cerca de las alegorías, a pesar de que él había visto músicos itinerantes de este tipo a su regreso a Holanda. Si la alegoría es su intención en el presente cuadro, entonces podría interpretarse que ilustra dos de los cinco sentidos: gusto y oído. Algunos de los músicos representados por el autor son introspectivos, pero aquí el ambiente es más sociable, enfatizado por la escala de la figura, vista desde abajo. El artista utiliza el mismo modelo en otros cuadros.

Música

Frédéric Chopin escribió su Sonata para Cello en sol menor, Op. 65 en 1846. La sonata fue escrita y dedicada al gran violonchelista Auguste Franchomme; que fue quien acompañó a Chopin en su último concierto en París, durante el estreno de la sonata en Salle Pleyel el 16 de febrero de 1848.

Es una de las nueve piezas que Chopin compuso para instrumentos distintos del piano solo, y fue la última de las obras publicada en vida del autor. Está escrito en cuatro movimientos: Allegro, Scherzo, Largo y Finale


Fryderyk Chopin - II. Largo - Sonata en sol menor op. 65

viernes, 21 de abril de 2017

DIÁLOGOS – Danza moderada y graciosa -Año VII. Nº 418

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Richard Bergh - Tras el posado - 1884
Richard Bergh - Tras el posado - 1884  (Museo de Malmoe)

Pintura

Esta pintura de Bergh muestra a Carl Jaensson, artista sueco expatriado, tocando absorto el violín tras una sesión de pintura de una modelo desnuda. Situada en el centro del primer plano de un monocromático estudio casi vacío, la modelo se pone una de las medias lenta y distraídamente, rodeada por algunos útiles de pintura diseminados sobre la mesa del artista. El violín representa el ideal de la música como forma de arte más indescriptible y, por tanto, más pura.

Música

La Sonata para violín y piano nº 8 en Sol mayor de Ludwig van Beethoven, la tercera de las incluidas en su Opus 30, fue escrita entre 1801 y 1802, publicada en mayo de 1803, y dedicada al Zar Alejandro I de Rusia. Consta de tres movimientos: Allegro assai; Tempo di minuetto, ma molto moderato e grazioso; Allegro vivace.

Esta sonata es característica del periodo temprano/intermedio de Beethoven por su sólida estructura, comenzando a aventurarse en la síncopa, con algún extraordinario sforzandi fuera de ritmo.


Ludwig van Beethoven - II. Tempo di Minuetto - Sonata para violin en Sol mayor nº 8 op. 30 nº 3

domingo, 16 de abril de 2017

FELICIDAD – Un sentimiento maravilloso -Año VII. Nº 417

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Charles-Louis Muller - Llamada a las últimas víctimas del Grande Terreur en la prisión de Saint Lazare - 1794
Charles-Louis Muller - Llamada a las últimas víctimas del Grande Terreur en la prisión de Saint Lazare - 1794  (Versalles)

Pintura

La lista de las últimas víctimas del terror y el conocimiento del escrito de Vigny sobre la muerte de André Chénier, fueron decisivos para la reflexión del artista sobre el horror del Grande Terreur. El ujier, "la gran luz", los comisarios de la República y los carceleros, descritos por Vigny, son perfectamente visibles. Siguiendo el espíritu romántico, el artista destacó en un primer plano, de entre el resto de presos, al poeta incomprendido Chénier, diferenciándolo del también poeta Jean-Antoine Roucher, representado en el lienzo, mucho más famoso que Chénier, pero carente de su poder creativo. Se reconoce a la derecha "a la joven cautiva", Aimée de Coigny, suplicando de rodillas al abad de Saint-Simon. Los prisioneros representados son, en su mayoría, aristócratas (Marqués de Montalembert, la condesa de Narbonne-Pelet, la princesa de Mónaco, etc.), mientras que en la lista figuran especialmente nombres de artesanos y sans-culottes. Hombres y mujeres estaban separados en las cárceles revolucionarias, pero Müller quiso reflejar el drama, la tragedia. Su composición es estrictamente simétrica, con la apertura de una puerta de acceso central, a través del cual se precipita la luz y dónde aparece la princesa de Chimay, arrastrada a la guillotina. Incluso esta luz respira el horror: no hay esperanza. En el roce de los prisioneros escondidos en las sombras se percibe la angustia, que se opone a la seguridad mostrada por el comisionado que realiza la llamada. La obra, organizada en torno a los grupos, entre los que destaca Chénier, está marcada por luces y sombras, en las que la sombra simboliza la vida, y la luz, la muerte. A la derecha, un guardia señala a la princesa de Mónaco, destacada con una luz blanca que la arrebata de las sombras que le rodean, significando que va morir. Chénier, por su parte, espera.

Música

La única ópera de Beethoven, Fidelio oder die eheliche Liebe, Op. 72, (Fidelio o el amor conyugal), soportó y sobrevivió a dos títulos, tres libretistas, tres versiones y cuatro oberturas antes del triunfal estreno en el Theater am Kärntnertor en Viena, el 23 de mayo de 1814.

Florestan, marido de Leonora, es encarcelado arbitrariamente en un calabozo en las cercanías de Sevilla por su enemigo Don Pizarro. Leonora decide rescatarlo. Disfrazada de hombre, consigue que le dé empleo el carcelero jefe Rocco, en la esperanza que éste le la conducirá hasta su amado. Rocco, su hija Marcelina, Jaquino, su pretendiente y Leonora, cantan un cuarteto sobre el amor que Marcelina tiene por Fidelio, que es Leonora disfrazada (Mir ist so wunderbar - "Un maravilloso sentimiento me llena", también conocido como el cuarteto del canon).


Ludwig van Beethoven - Mir ist so wunderbar - Fidelio

miércoles, 12 de abril de 2017

PASIÓN – Llorando nos postramos ante tu tumba -Año VII. Nº 416

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Peter Paul Rubens - El Descendimiento - c. 1611-14
Pedro Pablo Rubens - El Descendimiento - c. 1611-14  (Catedral de Amberes)

Pintura

Esta obra de Rubens tiene bastantes vínculos con “La elevación”, especialmente el claroscuro que sirve para destacar la figura del Cristo muerto -inspirándose en Caravaggio- y la manera de acentuar el volumen de las figuras. Sin embargo, en esta tabla encontramos una menor profundidad espacial mientras que los personajes se disponen como si de un relieve clásico se tratara. Pero encontramos una diferencia iconográfica importante respecto a las fuentes italianas ya que la Virgen no se desvanece y participa activamente en el descendimiento del cuerpo de su hijo, acto en el que participan todos los personajes que interviene en la escena, unificando la acción para concentrar la tensión y el dramatismo del momento. La disposición de las figuras ocupa todo el espacio pictórico, organizándose la composición en una potente diagonal que avanza desde el fondo de la tabla hasta el espacio del espectador, otorgando un ritmo lento a la escena. Las figuras presentan escorzadas posturas, aportando mayor tensión al conjunto. Las tonalidades brillantes y el detallismo de las telas son características habituales de la pintura flamenca.

Música

Bach no pudo reclutar cantantes ni instrumentistas de categoría para interpretar su Pasión según San Mateo BWV 244 porque se los había llevado el estreno de otra Pasión, la de Gottfried Frober, que era candidato a ocupar el puesto de director musical de la Nueva Iglesia. Toda la atención de Leipzig se centró en ese estreno y casi nadie se ocupó del de Bach, ocurrido el 11 de abril de 1727.

Tras estar cien años guardada en un cajón sin ser interpretada, Mendelssohn la redescubrió, la puso en los atriles y asombró al mundo dirigiéndola en 1829. Desde entonces, y hasta la fecha, esta obra está reconocida como una de las cumbres de la historia de la música, y su impresionante coro final “Wir setzen uns mit tränen nieder” (“Llorando nos postramos ante vuestra tumba”) es el mejor cierre para esta obra maestra.


Johann Sebastian Bach - Coro final - Pasion según San Mateo

viernes, 7 de abril de 2017

PASIÓN – Perdóname Señor -Año VII. Nº 415

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José de Ribera - San Pedro penitente - 1626-32
José de Ribera - San Pedro penitente - 1626-32  (The Art Institute, Chicago)

Pintura

Ribera nos presenta a San Pedro, después de haber negado a Cristo por tres veces. Con la mirada elevada al cielo, con gesto de piadosa oración y actitud de profundo recogimiento, el Apóstol implora perdón por su pecado. San Pedro aparece como un hombre ya maduro acompañado por su atributo por excelencia: las llaves, símbolo del poder que le fue concedido por el propio Jesucristo.

Música

Juan Sebastián Bach compuso dos Pasiones que constituyen la culminación de su obra religiosa: la Pasión según San Juan de 1723 y la Pasión según San Mateo BWV 244, estrenada en Leipzig en 1727. En ellas el texto es narrado en recitativos por el evangelista; el coro, unas veces participa de la acción y otras (como los coros de la tragedia griega) es un espectador que reflexiona y comenta. En cuanto a los solistas, interpretan los diferentes papeles protagonistas. La primera, de proporciones más modestas, se ciñe con rigor al texto, mientras que la segunda se detiene más en la reflexión y el comentario de los acontecimientos narrados.

El efecto monumental se acrecienta aún más por la propia disposición de la obra: doble coro y doble orquesta, además de los solistas, y un tercer coro de sopranos en el primero y último número de la primera parte. Bach repartió la dificultad de su música entre sus tres coros: asigna a lo que él llama Coro I la música más difícil y más importante; el Coro II, que estaba formado por aficionados, se ve menos puesto a prueba.


Johann Sebastian Bach - Nº 47 Aria Erbarme dich, men Gott - Pasion según San Mateo

viernes, 31 de marzo de 2017

PASIÓN – Líbrame Dios mío -Año VII. Nº 414

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Tiziano - Oración en el Huerto - c. 1561
Tiziano - Oración en el Huerto - c. 1561  (El Prado, Madrid)
Tiziano - Oración en el Huerto (El Escorial) - c. 1561
Tiziano - Oración en el Huerto - c. 1561  (El Escorial)

Pintura

EL PRADO: En este cuadro de Tiziano se anuncia el inminente prendimiento de Cristo. Ello explica el desplazamiento a un plano intermedio de los apóstoles, que pierden protagonismo en beneficio de los soldados de apariencia grotesca e indumentarias contemporáneas (uno con un llamativo escorpión en el escudo) acompañados por un perro. La presencia divina se sugiere mediante un resplandor. La linterna que porta un soldado, es expresamente citada por Juan 18,3; el único evangelista que se recrea en la ambientación nocturna de la escena.
EL ESCORIAL: Este cuadro se centra en la oración. Un ángel acude a reconfortar a Cristo, episodio recogido únicamente en Lucas 22,43.

Música

En Leipzig era costumbre representar todos los años una Pasión diferente, siempre el Viernes Santo, y alternando las iglesias de San Nicolás y Santo Tomás. Precisamente en esta última fue en donde Juan Sebastián Bach estrenó su Pasión según San Mateo BWV 244, el 11 de abril de 1727.

Aunque la liturgia haya reservado un espacio en los oficios de Semana Santa a las versiones de la Pasión de Cristo de cada evangelista, las de San Mateo y San Juan han suscitado siempre el interés primordial de los compositores. El relato de San Mateo es especialmente rico en detalles y sus diversos incidentes conceden un amplio espacio a la meditación. Cada acontecimiento, o casi, plantea una cuestión que se expresa o que halla su respuesta bajo la forma de “airoso” o de aria.


Johann Sebastian Bach - Nº 29 Aria Gerne will ich mich bequemen - Pasion según San Mateo

 
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