EMOCIONES – Algo grande -Año XV. Nº 888

Tina Blau - Idílico día de verano - s. XX  (Colección Privada)

 

Pintura

En este lienzo Blau representa, en un día idílico de verano, una vista de un estanque de un pueblo, bordeado por sauces.

Música

La Sinfonía nº 9, D. 944, en do mayor, conocida como la Grande, es la última sinfonía escrita por Franz Schubert. Se cree que fue compuesta entre 1825 y 1826, y fue estrenada el 21 de marzo de 1839, once años después de la muerte del compositor, en Leipzig bajo la dirección de Félix Mendelssohn. El tercer movimiento, Scherzo, de inextinguible vitalidad rítmica, desprende vida. Es suficiente señalar la figura inicial declamada al unísono por la cuerda, el lírico tema arpegiado escuchado a los violines durante la primera sección, y los melodiosos pasajes de la madera para que el oyente se dé cuenta de la extraordinaria imaginación de Schubert.

En octubre de 1826 y ante la imposibilidad de pagar para ofrecer una audición, Schubert envió su sinfonía acompañada de una dedicatoria a la Sociedad Filarmónica recibiendo un pequeño estipendio en concepto de copias de la partitura. Tuvo una breve audición en vida del compositor, cuando la Sociedad de Amigos de la Música de Viena estuvo ensayándola, pero la orquesta no tardó en desecharla al considerar la obra demasiado larga y difícil. En 1839 Robert Schumann visitó a Ferdinand, hermano de Schubert, y tuvo noticias de la olvidada partitura descubriéndola en los archivos de la Sociedad de Amigos de la Música (Musikwerein). Con emoción Schumann advirtió en seguida la importancia de la obra, calificándola como la más importante escrita después de Beethoven y se la entregó a Félix Mendelssohn para una interpretación en el Gewandhaus de Leipzig, que tuvo lugar el 21 de marzo.

Franz Schubert - III. Scherzo - Sinfonía nº 9, D. 944, en do mayor

LA REVOLTOSA – Flirteo castizo -Año XV. Nº 859

Elsi Gumier - Pareja de madrileños - c. 1950

 

Pintura

Dibujo de una pareja vestidos con los trajes regionales madrileños. Al fondo, representación de la ermita de San Isidro. El traje regional de las chulapas está formado por un vestido de tela de algodón muy ceñido con volantes en los bajos generalmente de color blanco con topos u otras figuras como rombos decorándolo. Este diseño va acompañado por complementos tales como un mantón de Manila cubriendo los hombros y un pañuelo blanco sobre el pelo recogido y un rojo clavel. Las chulapas suelen llevar zapatos negros de tacón o alpargatas de esparto. Los chulapos llevan unos pantalones ajustados de color oscuro: gris, negro, etc. que reciben el nombre de alares junto con una camisa blanca, la limpia; que se complementa con un chaleco del mismo tipo de color que los pantalones con un clavel en la solapa. También llevan como complemento un pañuelo blanco atado al cuello que es conocido como safo y una boina de colores grisáceos llamada parpusa. Como calzado, suelen usarse zapatos negros, tradicionalmente de charol que recibían el nombre de calcos.

Música

La turbulenta acción de La Revoltosa, zarzuela de Ruperto Chapí, estrenada en el teatro Apolo, el 25 de noviembre de 1897, toma dos modelos teatrales acreditados para transformarlos caprichosamente: la idea de Shakespeare de la fierecilla domada que Chapí ya había asimilado en Las Bravías, y el conglobado torbellino del vecindario ávido de discordia de Goldoni. Así, la actitud de Mari Pepa, bella mujer algo casquivana y coqueta, que tiene revueltos a los varones moradores de la vecindad y en pie de guerra a sus esposas y novias, produce indignación y celos en el joven formal que la corteja, Felipe, a pesar de que la única intención de ella es sentirse admirada y hacer sufrir al que dice que la quiere, poniendo así a prueba su cariño.

Frente a una taberna, con ocasión de una verbena, los celos enfurecen a Mari Pepa cuando ve salir de allí a Felipe con algunas muchachas. Los vecinos se burlan y atizan su ira, decididos a domar definitivamente a la revoltosa. De nuevo, en el patio interior engalanado para la verbena de esa noche, Mari Pepa y Felipe confirman su amor (Dúo)

Ruperto Chapí - Dúo - La Revoltosa

ÁNIMAS – Marcha fúnebre -Año XIV. Nº 809

Lois White - Funeral March - 1936  (Auckland Art Gallery, Nueva Zelanda)

 

Pintura

El dolor expresado en este trabajo se inspiró en la muerte del amigo cercano y tutor de White en Elam, Winifred Simpson. Fue la primera de las pinturas de la artista en ser incluida en una colección pública y se considera un emblema de la fascinación por el simbolismo de la pintura modernista de Nueva Zelanda.

Música

Götterdämmerung (El ocaso de los dioses) es una ópera en tres actos y un prólogo con música y libreto en alemán de Richard Wagner, la cuarta y última de las óperas que componen el ciclo de Der Ring des Nibelungen (El anillo del nibelungo). Fue estrenada en el marco del primer Festival de Bayreuth, el 17 de agosto de 1876, como parte de la primera producción completa del ciclo y forma parte del Canon de Bayreuth.

Sigfrido fallece mientras cae la noche, pues cada vez que desaparece Sigfrido desaparece la luz del sol. A una indicación de Gunther sus guerreros levantan el cuerpo de Sigfrido y lo llevan afuera, lentamente, en solemne cortejo por las rocosas alturas. El cadáver es transportado en un solemne cortejo fúnebre. En ese momento se escucha la música popularmente conocida como la «Marcha fúnebre de Sigfrido».

Richard Wagner - Marcha fúnebre - El ocaso de los dioses

RÍOS – Sonidos del Rin -Año XIII. Nº 741

Helen Stratton - Lorelei - 1915

 

Pintura

Esta ilustración de Stratton forma parte de la colección de veinte que desarrolló para ser incluidas en el libro “A book of myths” escrito por Jean Lang. Lorelei, sirena de la mitología germánica, se colocaba en una roca sobre el Rin y con su canto seducía a los navegantes.

Música

Loreley-Rhein-Klänge (Sonidos de Loreley-Rin), Walzer, Op. 154, es considerado el vals de mayor éxito de Johann Strauss I. Sin embargo la obra recibió una tibia acogida en su estreno el 19 de agosto de 1843, con ocasión de un concierto de caridad, patrocinado por la Archiduquesa Sophie, ante un grupo restringido de oyentes en el Wasserglacis.

Un cronista se sintió obligado a admitir: ‹‹‘la repetición de la interpretación’ del nuevo vals ‘demandado vehementemente’, ha representado nada más que la nueva pieza no ha fracasado. La obra maestra de su rival Josef Lanner, su vals Die Schönbrunner, estrenado tan sólo diez meses antes, alcanzó mayor entusiasmo. Tan pronto como sonaron sus primeros compases, el público prorrumpió en un entusiasta aplauso y obligó a que la pieza fuera interpretada tres o cuatro ocasiones más.›› Bien es cierto que la obra de Lanner se estrenó en una sala de conciertos. Sin embargo, con el tiempo, este vals, dedicado a la ninfa del Rin, se convirtió en obra indiscutible, no superada hasta la llegada de la Radetzky-March, media década más tarde.

Johann Strauss I - Loreley-Rhein-Klänge op. 154

INVENTOS – El teléfono -Año XII. Nº 707

Tamara de Lempicka - El teléfono - 1930  (Colección privada)

 

Pintura

¿Por qué dejar un dispositivo tan moderno como un teléfono exclusivamente para primeros planos de películas? Con su pincelada precisa, Lempicka demostró que este objeto negro ebonita también podía convertirse en algo eminentemente pictórico.

Música

La polka Durch's Telephon (Por teléfono), Op. 439, fue compuesta por Johann Strauss II como contribución al baile de la 'Concordia', Asociación de los autores y periodistas de Viena, celebrada en la Sofienbad-Saal, el 10 de febrero de 1890.

Entre otras danzas fueron compuestas para la ocasión: Phonograph (Fonógrafo), Polka française Op. 264, de Eduard Strauss; Fliegende Federn (Plumas voladoras), Polka-Mazur, de Carl Zeller; "Sub Rosa", Polka Mazur, Op. 172 de Karl Komzak hijo y Sensations-Nachricht (¡Noticias Sensacionales!), Polka Schnell, Op. 418 de C.M. Ziehrer. Los títulos de todas estas obras fueron elegidos especialmente para la 'Concordia', pero particularmente adecuado resultó Durch’s Telephon de Johann, que hacía referencia al hecho de que, en una era tecnológica en rápido movimiento, los periodistas podrían pasar ahora las "primicias" a sus redacciones por teléfono, en lugar de tener que recurrir al telégrafo o a la laboriosa máquina de escribir.

Johann Strauss II - Durch's Telephon, Polka Op. 439

INVENTOS – La electricidad -Año XII. Nº 705

Harriet Backer - A la luz de la lámpara - 1890 (Museo de Arte de Bergen)

 

Pintura

Quizá ésta sea la mejor de las escenas nocturnas de Backer. La luz de la lámpara de aceite y del fuego de la estufa, representada con la habitual precisión de la artista, así como las sombras crean un aura de misterio. La oscuridad también acentúa la soledad y el aislamiento de la figura de la joven. Los colores, manejados desde el único foco de luz de la mesa, por tanto luz artificial, forman un todo con las sombras. La pared de color pardo de la izquierda, gama cálida, combina con el de la madera iluminada de la mesa. A su vez, el respaldo de la silla recibe el reflejo de la luz de las ascuas de la estufa y el espejo situado sobre ella devuelve una imagen abstracta de lo que refleja. La pared siguiente está encalada, aunque manchada por los reflejos azules y por la sombra de la estufa que se dibuja sobre ella. En la pared de enfrente, el azul brilla sobre la oscuridad que se ve tras los cristales. Las cortinas recogidas con frunces, enmarcan la ventana cubierta en la parte inferior con unos visillos o contraventanas verdes. Estos colores fríos contrastan con la calidez de la madera de la mesa. El lado derecho de la pared, igualmente azul, está dominado por la sombra que se desprende de la muchacha que está leyendo totalmente concentrada.

Música

En 1840, el muy seguido Theaterzeitung (Diario del Teatro) hizo el siguiente anuncio profético: "El baile de gala del Día de Santa Catalina es una costumbre de larga tradición en la sala Sperl y, por mucho que uno esté acostumbrado a ver tanta tradición suficiente pisoteada por los pies de los vándalos, esta celebración pervivirá por largo tiempo, especialmente cuando se organiza tan espléndidamente como hoy”. La fiesta de Santa Catalina, que se celebra de acuerdo con la costumbre el 25 de noviembre, fue, de hecho "magníficamente organizada" ese año. Johann Strauss I estrenó, con motivo de la celebración, Elektrische Funken (Chispas Eléctricas), Walzer, Op. 125.

El título del nuevo vals hacía probablemente alusión a los avances que se estaban realizando durante una época de celo en la investigación tecnológica del uso de la electricidad como parte de la vida cotidiana. Strauss ofrece una representación musical de las chispas durante la primera sección del tercer vals. La obra tuvo que ser interpretada tres veces con el fin de satisfacer la audiencia. Sin embargo, el crítico citado emitió la siguiente apreciación: "No habría habido ninguna necesidad de las 'chispas eléctricas’ para electrificar a la audiencia”; y, en cualquier caso, todo el mundo se sentía “magnéticamente atraído por el poder mágico de Strauss y su violín”.

Johann Strauss I - Elektrische Funken, Walzer Op. 125

A FLOR DE PIEL – Reina de espadas -Año XII. Nº 663

Beryl Cook - Dancing the Black Bottom - s. XX  (Colección privada)

 

Pintura

Beryl Cook fue una de las artistas más populares del Reino Unido, conocida gracias a su serie de pinturas de orondas damas en actitud festiva que, según su propia definición, pretendían retratar "a la gente común pasándoselo en grande". En este caso hombres y mujeres disfrutan están bailando un Black Bottom, un baile relacionado con el jazz tradicional, que tuvo una gran difusión a comienzos del siglo XX.

Música

Black Bottom Stomp es una composición jazzística compuesta por Jelly Roll Morton en 1925, que llevó originalmente el título "Queen of Spades". Stomp es un tipo de tema musical, con ritmo rápido, cuyo compás se acentúa golpeando el suelo con el pie. Fue muy popular en el jazz tradicional y en la época del Swing.

Ferdinand Joseph LaMenthe, más conocido como "Jelly Roll Morton", fue un pianista, compositor y cantante norteamericano. Como cantante disponía de una voz aguardentosa y estridente, con un fraseo rico e imaginativo, con recursos como el humming o canto con la boca cerrada. Como compositor, un gran número de sus obras se convirtieron en clásicos del jazz: “King Porter Stomp”, “Wolverine blues”, “Kansas City Stomp”... En la composición, manejaba con soltura los recursos tradicionales y folclóricos, especialmente los blues, los rags y los stomps.

Jelly Roll Morton - Black Bottom Stomp

PINTORES - El inglés y la modelo -Año XI. Nº 601

Marie-Denise Villers - Retrato de la señorita Charlotte du Val d'Ognes - c. 1801  (The Met, Nueva York)

Pintura

La luminosa escena del personaje con su tablero de dibujo puede interpretarse como un retrato de respeto mutuo entre dos mujeres artistas. La modelo viste una clásica túnica blanca y los rizos de inspiración griega, junto con una ambientación espartana.

Música

La Zarzuela en un acto La patria chica, con texto original de Serafín y Joaquín Álvarez Quintero y música de Ruperto Chapí, fue estrenada el 15 de Octubre de 1907 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. La obra obtuvo un gran éxito, manteniéndose hoy día la popularidad de algunos fragmentos, concretamente el preludio y romanza de José Luis “Mujer de vulgar historia”.

Narra las vicisitudes de un grupo de españoles en París, encabezados por el pintor José Luis, que espera lograr fama y fortuna gracias a un cuadro encargado por un acaudalado cliente inglés, Mister Blay. Pero al presentarse éste en el estudio resulta que el cuadro no es de su agrado aunque queda prendado de Pastora (antigua modelo del pintor), ofreciéndose a sufragar el regreso a España de todos a condición de que Pastora permanezca con él en París. Sus compañeros se oponen y, ante este dilema, y con la firme voluntad de no separarse de Pastora, Mister Blay decide entonces unirse a los españoles en su viaje de regreso a la patria.

Ruperto Chapi - Mujer de vulgar historia - La patria chica


Ruperto Chapi - Preludio - La patria chica

EL ALMA RUSA - Sabor americano -Año X. Nº 572

Jammie Paterno - Jazz Musicians -s. XX

Pintura

Paterno incluye habitualmente temas musicales en sus obras, que añaden nueva luz y energía. Su paleta de colores es generalmente brillante y audaz. Y su estilo es muy alegre y único. Puede pintar con líneas muy angulosas o con líneas curvas y ondas, como ocurre en este caso.

Música

Igor Stravinsky elaboró la versión orquestal de su Scherzo à la russe en 1945, con la que encontró una gran aceptación.

El autor escribió originalmente la pieza para una banda de jazz en respuesta a un encargo del famoso músico Paul Whiteman. Extrañamente, lo que el compositor compuso tiene poco que ver con el auténtico jazz y quizás es una de las razones del fracaso de la obra en su versión inicial. El compositor también elaboró una reducción para dos pianos en 1954, pero es la versión orquestal la que se interpreta con mayor asiduidad.

Igor Stravinsky - Scherzo a la Russa

AL BAILE - Danza estilizada -Año IX. Nº 535

Natalia Goncharova - Campesinos bailando - 1911

Pintura

Goncharova se inspiraba para sus cuadros en la vida rural y el folklore ruso. Cuatro campesinos danzan rítmicamente por el lienzo. Los colores son casi estridentes, sobre todo la superposición del naranja y el azul intenso del fondo. Las formas planas recuerdan el arte bizantino, mientras que el grosor de los contornos remite a las xilografías de los lubki.

Música

Sergéi Prokófiev empezó a trabajar en su Sinfonía nº 1 en re mayor, Op. 25, en 1916, pero escribió su mayor parte en 1917, completando la pieza el 20 de septiembre de 1917. Es también conocida como Sinfonía Clásica. Fue estrenada el 21 de abril de 1918 en San Petersburgo, dirigida por el compositor. Contiene un tercer movimiento inspirado en una danza estilizada (Gavotta)

A pesar de la sugerencia de su título (debido al propio compositor), la Sinfonía "Clásica" no es en realidad neo-clásica, como las obras contemporáneas de Stravinsky, sino más bien una obra de elegante simplicidad que evoca el espíritu del clasicismo vienés filtrado a través de la más aventurera sensibilidad del propio lenguaje musical de Prokofiev. La obra conserva muchas de las características del clasicismo vienés, desde la forma sonata-allegro del primer movimiento, pasando por la gavota mozartiana y el trío de la tercera, hasta un final exuberante, ingenioso.

Prokofiev - III. Gavotta - Sinfonía nº 1

CANCIONES - Querido amigo -Año VIII. Nº 469

Constance Marie Charpentier - Melancolia - 1801  (Museé de Picardie, Amiens)

Pintura

El vestido y el perfil de la mujer son romanos y reflejan la formación de Charpentier en el neoclasicismo y la noción romántica de que la melancolía era una emoción noble, artística y filosófica. A pesar de ello, la espalda encorvada, la flacidez de las manos y la expresión de la modelo evidencian los síntomas físicos de la depresión.

Música

El aria Caro Mio Ben, atribuida tradicionalmente al compositor napolitano Giuseppe Giordani, es una de las piezas para soprano y orquesta más interpretadas actualmente y se cree que fue compuesta en 1785. Algunos estudiosos proponen que la obra pudo ser compuesta por Tommaso Giordani (1733-1806)

Caro mio ben, credimi almen, senza di te languisce il cor,
Caro mio ben, senza di te languisce il cor.
Il tuo fedel so spira ognor.
Cessa, crudel,tanto rigor!
Cessa, crudel, tanto rigor, tanto rigor!
Caro mio ben, credimi almen, senza di te languisce il cor,
Caro mio ben, redimi almen, Senza di te Languisce il cor.

(Querido amigo, almen me cree, sin ti mi corazón languidece.
Tu fiel suspira cada vez más.
¡Cesa, cruel, tanto rigor!)

Giuseppe Giordani - Caro Mio Ben (soprano)


Giuseppe Giordani - Caro Mio Ben (tenor)

DIVINA PERFECCIÓN - ¿Arpa o vihuela? -Año VIII. Nº 444

Artemisia Gentileschi - Autorretrato tocando el laud - 1615-17  (Wadsworth Atheneum, Hartford)

Pintura

Durante el barroco en general, y dentro del naturalismo tenebrista en particular, el tema de la música y su relación con los sentidos corporales fue muy importante. La interpretación musical solía aparecer representada con laúdes, símbolo de los conciertos cortesanos, celebrados en palacios de nobles cultivados, quienes al tiempo que patrocinaban las bellas artes eran grandes aficionados a la música. Lo que resulta destacable en la obra de la artista es el hecho de elegir a una mujer como la intérprete musical. Esto sorprende dado que el pintor de quien aprendió la técnica, Caravaggio, solía emplear a hombres como intérpretes.

Música

Por la publicación en 1546 de sus Tres libros de música en cifra para vihuela, se puede suponer que nació entre 1500 y 1510. Alonso Mudarra es citado como canónigo de la catedral de Sevilla y en 1568 interviene en la construcción del órgano de la catedral. Suya es la Fantasía que contrahace la harpa en la manera de Ludovico.

Es la obra más virtuosística y atrevida del compositor vihuelista más brillante, un homenaje al extraordinario virtuoso Ludovico el del Arpa. Extraordinario no sólo por su rapidez, sino porque, siendo entonces el arpa un instrumento afinado diatónicamente (corresponde a las teclas blancas del piano), Ludovico era capaz de producir sonidos cromáticos (como si tuviera todas las teclas del piano) que maravillaban, justamente, a sus contemporáneos.

Alonso Mudarra - Fantasía que contrahaze la harpa en la manera de Ludovico

ACÉMILAS – Serenata del burro -Año VII. Nº 392

Eva Gonzalès - Paseo en burro - 1880  (Museo de Bristol)

La influencia de su maestro se pone de manifiesto en la mayor parte de la obra de Gonzalès, como apreciamos en esta imagen protagonizada por su hermana y su marido, Henri Guérard. Las dos figuras se sitúan al aire libre, junto a un árbol, destacando el foco de luz que incide en el rostro de Madame Guérard, vestida con un ceñido traje azul y tocada con un sombrerito blanco con flores rojas. La pincelada empleada es muy suelta, domina el boceto, especialmente en el fondo, aunque también resalta el soberbio dibujo aprendido en el taller de Manet con el que consigue una perfecta volumetría para sus figuras.

The Firefly (La luciérnaga) es la primera opereta escrita por el compositor Rudolf Friml, con libreto de Otto Harbach. Después de su prestreno en el Empire Theatre en Syracuse (Nueva York), la obra inició su andadura en Broadway el 2 de diciembre de 1912 en el Lyric Theatre.

La historia trata sobre una joven cantante callejera quien, tras disfrazarse, se enrola en un barco como grumete con destino a las Bermudas, en donde se enamora. Surgen complicaciones y, finalmente, se convierte en una gran diva de la ópera. En la versión cinematográfica de la MGM de 1937, protagonizada por Jeanette MacDonald, se añadió la canción “The donkey serenade” ("Serenata del burro") que fue muy popular.

Rudolf Friml - Donkey serenade - The Firefly

ESPACIO SIDERAL – La estrella -Año VII. Nº 365

Meret Oppenheim - Sun, Moon, Stars - 1942  (Colección Privada)

El dios sol se halla en el centro, coronado por estrellas. La figura femenina, más ambigua, que representa a la luna alejándose, emite un tenue resplandor. El uso de estereotipos sexuales por parte del artista convierte el cuadro en una evocadora escena onírica antes que en una crítica feminista. El otro objeto destacado del cuadro es el sarcófago con su tapa de esferas ahuecadas, como la marca de pechos en yeso. Los temas de la noche, lo irracional, la creatividad y la muerte revelan el lado oscuro del surrealismo.

El compositor francés Emmanuel Chabrier estrenó su ópera bufa L’Étoile (La estrella) en el Teâtre des Bouffes Parisiens de París el 28 de noviembre de 1877.

ACTO I - El vendedor ambulante Lazuli, que ha caído perdidamente enamorado, entrega una moneda de oro a Siroco, el astrónomo real, para que le lea la fortuna en las estrellas. Mientras éste lo hace, Lazuli canta a la estrella ("Ô petite étoile") que determinará su futuro y se queda dormido.

Emmanuel Chabrier - Ô petite étoile - L'Étoile

LOS COLORES DEL PIANO – Cromatismo -Año VI. Nº 353

Marguerite Gerard - La Leccion de Piano - 1785–87  (Shickman Gallery, Nueva York)

A pesar de que también produjo retratos al óleo, retratos en miniatura y grabados, se conoce mejor a la artista por sus escenas íntimas de género. Su interés por el arte se debe a su cuñado, el popular pintor rococó Jean-Honoré Fragonard, a partir de 1775, cuando se mudó de Grasse a París para vivir con la familia de su hermana. A mitad de sus años 20, Gérard había desarrollado su estilo: detalles minuciosamente precisos unidos con pinceladas sutilmente mezcladas, ambos rasgos tomados de especialistas de género holandeses del siglo XVII, especialmente de Gabriel Metsu.

El primer conjunto de Estudios, el Op. 10, fue escrito en el periodo de 1829 a 1832 y se publicó en Francia, Alemania e Inglaterra en 1833. El germen de los estudios se comenzó a gestar en Varsovia, a partir de fines de 1829. Chopin escribió entonces a un amigo que había compuesto unos pocos ejercicios para piano que quería mostrarle.

Los primeros Estudios del Op. 10 fueron compuestos cuando Chopin era todavía un adolescente. Se encuentran, junto con las primeras obras de Mendelssohn, entre raros ejemplos de composiciones extremadamente juveniles que son consideradas como innovadoras y dignas de inclusión dentro del canon del resto de las obras "maduras". Los Estudios de Chopin superan la pura forma musical de unos ejercicios útiles y llevan la forma de estas piezas y a ellas mismas a convertirse en grandes obras maestras del arte.

Fryderyk Chopin - Estudios Op. 10 No. 3 en Mi mayor "Tristesse"

Fryderyk Chopin - Estudios Op. 10 No. 2 en La menor "Chromatique"

LOS COLORES DEL PIANO – Capricho para un agente -Año V. Nº 289

Sofonisba Anguissola - Autorretrato y la música - 1556-57  (Museo nacional de Capodimonte, Nápoles)

Una de las obras fundamentales de juventud de Anguissola, que se ubicará probablemente a mediados de los años cincuenta, cuando la artista entró en contacto con el miniaturista croata Giulio Clovio, al servicio de la familia Farnese y amigo de Fulvio Orsini. La artista se especializó en el género del retrato y se distinguió por la búsqueda de la expresividad emocional y por una intensa producción de auto-retratos: la imagen de la primera mujer famosa en la historia de la pintura italiana despertó, sin duda, la curiosidad y admiración. La artista, con la elección de los atributos, en este caso el clavecín (espineta o virginal), presentó sus propias virtudes y su propia educación artística integral.

La Rapsodia sobre un Tema de Paganini en La menor, op. 43 es una obra concertante escrita por Sergei Rachmaninov. La obra fue escrita en Villa Senar, de acuerdo con la partitura, entre el 3 de julio y el 18 de agosto de 1934. El mismo Rachmaninov, intérprete notable de sus obras, actuó como solista en el estreno de la pieza en la Opera de Baltimore, Maryland, el 7 de noviembre de 1934, con la Orquesta de Filadelfia, dirigida por Leopold Stokowski.

La pieza es un conjunto de 24 variaciones sobre el vigesimocuarto y último Capricho para violín Op.1 en La menor de Niccolo Paganini, que ha inspirado obras de varios compositores. La variación decimoctava, Andante cantábile, se basa en una inversión de la melodía del tema de Paganini. En otras palabras, el tema de la menor Paganini se interpreta "al revés" en Re bemol mayor. Rachmaninov reconoció el atractivo de esta variación, diciendo: "Ésta es para mi agente".

Sergéi Rajmáninov - Variación 18 - Rapsodia sobre un Tema de Paganini en La menor, op. 43

LOS COLORES DEL PIANO – Polonesa heroica -Año V. Nº 286

Berthe Morison - Lucie Leon al Piano - 1892

Este cuadro se aparta de la tradición establecida en el retrato de mujeres al piano del siglo XIX en Francia. Los retratos de Morisot ofrecen una perspectiva femenina inusual, en un tema creado y perpetuado por artistas masculinos. El énfasis visual de la tensada musculatura de las manos y los brazos de Léon invita a las comparaciones con los convencionalismos del retrato al piano del sexo masculino. Mientras las pianistas fueron en general muy apreciadas por su encanto y delicadeza, los pianistas, especialmente los virtuosos, fueron concebidos como músicos poderosos, interesantes y activos. Morisot se apartó de las cualidades estáticas y de aficionadas comunes de las mujeres representadas al piano para crear imágenes cuyas modelos están comprometidas físicamente con el acto de hacer música. Morisot invierte la relación sujeto / espectador convencional. No sólo sus pianistas miran directamente a los espectadores, negando así el derecho de mirar sin ser visto, sino también el aplanamiento concomitante del espacio pictórico y la insistencia del propio medio confronta al espectador.

La Polonesa Op. 53 en La bemol mayor, también conocida como Polonesa heroica (Polonaise heroïque en francés) fue escrita por Fryderyk Chopin, viviendo ya en París, en 1842 para piano solo. La pieza está dedicada a A. Leo ("à Mr. A. Leo")

Aunque la pieza está denominada como "polonesa", en realidad tiene muy poco que ver con el estilo típico de las polonesas. Presenta dos secciones con un ritmo que sí es característico de las polonesas, pero la mayoría de la obra no tienes características de ese tipo de composición musical. Se ha dicho que Chopin la compuso con una Polonia libre y poderosa en mente, lo que podría haberle llevado a calificarla de "polonesa".

Fryderyk Chopin - Polonesa Op. 53 en La bemol mayor

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Nocturno -Año V. Nº 273

Kitty Kiellard - Noche de verano - 1886  (Galería nacional, Oslo)

 

Pintura

La pintura de Kielland representa el crepúsculo encantado que es tan característico de los bosques nórdicos. Un lago tranquilo se encuentra rodeado de colinas cubiertas de bosques. Es el crepúsculo, y el sol está a punto de desaparecer sobre el horizonte. Un débil reflejo de la luz es evidente en la superficie del agua, junto con el reflejo de las nubes, las colinas y el brillo nacarado del cielo. En la distancia, en la parte oscura, se puede discernir un pequeño barco con una persona remando hacia el horizonte. En primer plano, delgadas cañas verdes; están tan inmóviles en la noche tranquila como los delicados nenúfares esparcidos por el lago, como estrellas en el cielo. La artista se inspiró en el lago Dælivannet en Fleskum (Bærum)

Música

En 1881 Alexander Borodin dedicó su Segundo Cuarteto para cuerda a su esposa, como evocación de los tiempos en que ambos se conocieron en Heidelberg (Alemania). Se trata, por tanto, de una obra dotada de un fuerte contenido emocional. El tercer movimiento Andante, conocido como Nocturno, es el fragmento más popular de este Cuarteto.

La melodía posee gran importancia, destacando sobre un acompañamiento de intrincados arpegios. El protagonismo corresponde al primer violín y al violonchelo. Prácticamente son estos instrumentos los encargados de presentar los diferentes temas, mientras los dos restantes, el segundo violín y la viola, hacen siempre funciones de acompañamiento.

Alexander Borodin - III. Andante 'Nocturno' - Cuarteto para cuerdas No.2

EL RUISEÑOR – Filomel -Año IV. Nº 184

Elizabeth Jane Gardner  - Filomela y Procne - final s. XIX o principios del XX (Colección privada)

 

Pintura

Según la mitología griega, Filomela era la hija del rey de Atenas, Pandión, y tenía una hermana conocida como Procne. En un momento de su historia, Procne se dirige a la prisión de Filomela, aprovechando el tumulto de las fiestas dedicadas a Baco. Con atuendo de bacante rescata a Filomela y la lleva a palacio, donde tiene lugar el reencuentro representado por Gardner.

Música

Johann Strauss padre compuso su Philomelen-Walzer, Op. 82 (Filomel) en el verano de 1835 y fue interpretado por primera vez por el propio compositor y su orquesta, en el por entonces bien frecuentado establecimiento Zur goldenen Birn, en el Landstrasse vienés, el 10 de agosto de aquel año.

El público vienés entendió inmediatamente el título del nuevo vals. La palabra 'Filomel' proviene de la mitología Griega y se refiere a la transformación en ruiseñor de la princesa Filomela, hija del rey de Atenas, Pandión I. No cabe duda de que la música imita al ruiseñor, y Filomel acabó convirtiéndose en una forma poética de referirse al tímido pájaro cantor que podía ser escuchado en los jardines y espacios verdes de la capital. La obra fue dedicada a Louise, Princesa de Wasa, una excelente cantante, de voz cristalina y musical, que se la conocía como el Ruiseñor de Baden, su ciudad natal.

Johann Strauss I - Philomelen, vals op.82

EL ALMA RUSA - Alta sociedad -Año III. Nº 133

Elena Samokysh-Sudovskaya - Escena de baile de Eugenio Onegin -s. XIX

En esta acuarela Samokysh-Sudovskaya representa la escena del baile en la casa de un rico noble en San Petersburgo.

Escrita entre 1877-78 y representada por primera vez en el conservatorio de Moscú el 29 de marzo de 1879, la quinta ópera de Tchaikovsky, Eugenio Oneguin, está basada en la novela clásica en verso de Alejandro Pushkin, revisada por K. Shilovski. El vals y la canción de Triquet en el acto II y la polonesa del acto III son destacados ejemplos de pastiche.

Oneguin, un cínico dandi, visita la hacienda rural de los Larin y conoce a Tatiana, que se enamora de él. Tatiana vuelca sus sentimientos en una carta, sólo para ser desairada y humillada. En un baile, Oneguin danza con la hermana de Tatiana, Olga, provocando la ira del novio de ésta, Lensky, al que mata en un duelo. Seis años después, tras haber viajado al extranjero, Oneguin regresa a San Petersburgo y asiste a una sesión de ballet en el palacio del Príncipe Gremin, casado ahora con Tatiana. La sencilla muchacha provinciana ha florecido en una belleza de la alta sociedad y Oneguin se da cuenta de que la ama. Aunque ella le corresponde, Tatiana se niega a abandonar a su marido y Oneguin se queda con el corazón destrozado cuando se separan para siempre.

Piotr I. Tchaikovsky- Polonesa - Eugenio Onegin


Piotr I. Tchaikovsky- Entr'acte y vals con coro - Eugenio Onegin