LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Entretenimiento -Año XI. Nº 658

Roger Fry - Retrato de Edith Sitwell - 1918  (Colección privada)

 

Pintura

Edith Louisa Sitwell (1887–1964) fue una poetisa y crítica británica. Sus rasgos eran cautivadores, tal vez no hermosos, tal vez ni siquiera cercanos. Fry representa sus ojos profundos, que destacan del conjunto, cubiertos por la sombra de la frente, penetrando la mirada de su observador.

Música

El "entretenimiento" Façade, en el cual se recitan poemas de Edith Sitwell sobre un acompañamiento instrumental de William Walton, fue interpretado por primera vez en privado, en la casa de la familia Sitwell en Londres, el 24 de enero de 1922. El estreno en público tuvo lugar en el Aeolian Hall de Londres, el 12 de junio de 1923. En ambas ocasiones, la autora recitó los versos y el compositor dirigió al conjunto musical. Walton dispuso dos suites de su música para orquesta completa. Cuando Frederick Ashton pensó convertir Façade en un ballet, en 1931, Sitwell no deseaba que sus poemas formaran parte de él, y fueron utilizadas las suites orquestales.

El estreno público del "entretenimiento" fue un auténtico escándalo. La interpretación consistió en una serie de poemas, que Sitwell recitaba a través de un megáfono que sobresalía de una pantalla de decoración mientras que Walton dirigía la música de acompañamiento a un conjunto de seis instrumentistas. La prensa en general fue condenatoria. Uno de los titulares contemporáneos decía: "Tonterías que se pagan para ser escuchadas". Entre el público estaban Evelyn Waugh, Virginia Woolf y Noël Coward. Este último estaba tan indignado por la naturaleza vanguardista de los versos Sitwell y la puesta en escena, que salió aparatosamente durante la ejecución. A los intérpretes tampoco les gustó la obra. El clarinetista incluso llegó a preguntar a Walton “si le había hecho algo alguna vez”. Sin embargo, la obra fue pronto aceptada, y, en una década, su música fue utilizada para el ballet Façade, con coreografía de Frederick Ashton.

William Walton - Canción Popular - Façade

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Rumanía en música -Año XI. Nº 657

Nicolae Grigorescu - Los pescadores de Granville  - 1889  (Colección privada)

 

Pintura

Grigorescu retrata una joven sentada a la orilla del mar, cerca de las rocas, donde olas espumosas rompen en la orilla. La chica está vestida modestamente, con una sencilla blusa blanca y una falda, con su pelo oculto por una boina francesa. Está descalza y en su mano izquierda sostiene una cesta y lo que parece ser una pala, artículos usados, probablemente, para la pesca. La joven parece descansar, hacer una pausa en el trabajo. La cara de la joven aparece de perfil y el contorno de las manos y las piernas solamente se sugieren por unas pinceladas.

Música

La dos Rapsodias Rumanas de Georges Enescu fueron compuestas en París y estrenadas conjuntamente en un concierto en el Athenaeum Rumano de Bucarest, que también incluyó el estreno de su Primera suite para orquesta, Op. 9, el 8 de marzo de 1903. La Rapsodia nº 1, Op. 11, en La mayor había sido completada el 14 de agosto de 1901, cuando el compositor contaba tan sólo 19 años de edad.

Enescu afirmó que eran "tan sólo unas pocas canciones colocadas juntas sin pensar ", pero los bocetos supervivientes muestran que había determinado cuidadosamente el orden en que aparecen las melodías, y la mejor configuración instrumental para cada una de ellas. La Primera Rapsodia merece su reconocimiento universal, por ser una sucinta recopilación del estilo de la música gitana rumana, así como por el despliegue magistral de su virtuosismo. En esta obra hace uso de una serie de canciones folklóricas y danzas rumanas, dispuestas para producir una aceleración incesante de los tempi que conduce al clímax.

Georges Enescu - Rapsodia Rumana nº 1

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Exultante y juguetón -Año XI. Nº 656

Lorenzo Lippi - Alegoría de la música - 1648-50  (Colección privada)

 

Pintura

Esta representación de Lippi de una joven en pleno acto de composición musical, es sobria, con un inteligente uso de la luz. En ella se puede observar, al fondo, un violoncello barroco.

Música

Sabemos, de puño y letra de Rossini, que sus Seis sonatas para cuerdas fueron escritas en 1804, cerca de Ravenna, Italia, cuando todavía era muy joven. Si se da crédito a sus comentarios, que añadió a los manuscritos mucho más tarde, tan sólo tenía 12 años cuando compuso este "horrendo" conjunto de sonatas. También afirma que no tenía ningún entrenamiento formal en armonía y que compuso el conjunto completo en tres días.

Al igual que Felix Mendelssohn, Giacomo Rossini escribió sus Sonatas para cuerdas cuando era apenas un adolescente. Cada una de ellas comienza invariablemente con un estado de ánimo exultante y juguetón, como si el joven compositor hubiera estado muy familiarizado con las oberturas de las óperas de Mozart. Una melodía de baile, con encantadoras y deslumbrantes variaciones, concluye la Sonata para cuarteto de cuerda núm. 3 en do mayor. Resaltan las alegres travesuras de los violonchelos y contrabajos, inusuales en esa época.

Giacomo Rossini - Final - Sonata para cuerda Nº 3

BEBER LOS VIENTOS - Un vertiginoso ensayo de jazz -Año XI. Nº 655

Pablo Picasso - Hombre con clarinete - 1911  (Museo Thyssen, Madrid)

Pintura

Esta composición piramidal en abanico nos muestra un personaje portando un instrumento musical, del que sólo podemos descifrar los signos básicos. La armadura de la imagen está construida con el ritmo de unas cuantas líneas rectas y curvas, y los colores, aplicados con una técnica neoimpresionista, se reducen a una amplia gama de ocres y grises, con los que logra asombrosos contrastes tonales y efectos pictóricos. Aunque Picasso somete al personaje a una descomposición formal extrema que nos lleva a una lectura abstracta, mantiene la colocación vertical de la figura como en el retrato convencional.

Música

Siguiendo la tradición de los compositores de agradecer a sus patrocinadores con obras musicales, Igor Stravinsky escribió sus Tres piezas para clarinete solo (1919) como una expresión de gratitud a Werner Reinhart. Reinhart había financiado la primera producción de L'histoire du soldat (1918) y fue, además, un entusiasta clarinetista aficionado. Dado que Stravinsky disfrutaba componiendo para este instrumento, los intereses de los dos hombres que encajaba muy bien.

La tercera pieza, un ensayo de jazz que pasa zumbando a una velocidad vertiginosa, recuerda el movimiento "Ragtime" de L'histoire. Reinhart, quedó sin duda complacido por el pequeño pero sin embargo entretenido regalo de Stravinsky.

Igor Stravinsky - Pieza para clarinete solo nº 3

BEBER LOS VIENTOS - Entretenimiento -Año XI. Nº 654

Lambert Jacobsz - Anciana tocando la flauta dulce - s. XVII  (Colección privada)

 

Pintura

Este retrato, que representa una mujer anciana tocando una flauta dulce, fue realizado por alguna persona del entorno de Jacobsz. Este instrumento se conoce desde la Edad Media, periodo durante el cual alcanzó una gran popularidad que continuó a lo largo del Renacimiento y del Barroco. Un ejemplo más de pintura barroca en el que se retratan músicos o personas interpretando música.

Música

Los Conciertos para flauta dulce en Re, Op. 3 de William Babell fueron publicados alrededor de 1726.

Babell fue un músico inglés del periodo barroco, compositor y prolífico arreglista de música vocal para el clave. Su estilo estaba fuertemente influenciado por su amistad estrecha con Haendel. Sus conciertos para flauta dulce son piezas modestas escritas para ser interpretadas como entretenimiento.

William Babell - I. Allegro - Concierto para flauta dulce soprano Op. 3 Nº 1

HUNGRÍA – Añoranza -Año XI. Nº 653

Paál László - Camino a Berzova - 1871  (Galería nacional de Hungría, Budapest)

 

Pintura

Una niña va caminando hacia un pozo en una calle que discurre entre las casas encaladas de la pequeña aldea. Hay algunos patos alrededor del pozo. La composición de László se basa en el contraste entre negro y blanco - colores oscuros y claros. La imagen irradia un ambiente tranquilo y melancólico. Mirando las calles y la figura se tiene la sensación de que el tiempo se detuvo en este dormido y polvoriento pueblo de Transilvania de finales del siglo XIX.

Música

La Damnation de Faust (La condenación de Fausto) es una obra para orquesta, voces, y coro, compuesta por Hector Berlioz, quien la llamaba "légende dramatique". Es una obra entre la ópera y la sinfonía coral. Berlioz escribió el libreto con ayuda de Almire Gandoniére, a partir de la obra de Goethe “Fausto”. Se estrenó en París el 6 de diciembre de 1846, en versión de concierto.

La “Marche Hongroise” (“Marcha Húngara”) fue escrita por Berlioz para satisfacer a la audiencia durante su gira por Hungría, que si bien era parte del Imperio Austriaco ansiaba alcanzar su independencia. Uno de los símbolos de la lucha por la independencia fue el noble húngaro Francisco Rákóczi II, Príncipe de Transilvania, que a principios del siglo XVIII había liderado una rebelión contra los austriacos. Durante una fiesta en Viena, un músico le dijo a Berlioz que para conquistar al pueblo húngaro debía tocar música húngara, y le entregó una partitura de la “Marcha de Rákóczi”, canción folklórica en honor al héroe húngaro. Berlioz hizo un arreglo para orquesta que bautizó “Marcha Hongroise” y ejecutó en la ciudad de Pest con un enorme éxito. Por eso decidió incorporarla a “La Damnation de Faust”, y ubicó la primera parte de la obra en Hungría.

Hector Berlioz - Marcha húngara - La condenación de Fausto