ESPAÑA - Chocolate -Año XV. Nº 974

Raimundo Madrazo y Garreta - Chocolate caliente - 1884-85  (Colección privada)

 

Pintura

Aline Masson fue la modelo favorita de Raimundo de Madrazo. La conoció en París, ya que era la hija del conserje del palacio del marqués de Casa Riera, y quedó tan impresionado con su belleza y elegancia que la recogerá en numerosos trabajos como éste en la que la representa tomando una taza de chocolate caliente. El artista describe a su modelo como una elegante mujer de la Belle Epoque disfrutando de un momento privado en un ambiente íntimo. La gran popularidad de la bebida en la sociedad española hasta el siglo XIX se puede ver reflejada en diversas anotaciones de viajeros que visitaron la península ibérica: se llegó a decir que «el chocolate es para el español lo que es el té para el inglés». De esta forma, el chocolate logró convertirse en un símbolo nacional. La afición tan desmedida por esta bebida hizo que el café se incorporara tardíamente a las costumbres culinarias españolas, comparado con la incorporación que tuvo en otros países europeos. En España el chocolate era considerado exclusivamente como una bebida reconfortante y apenas era empleado en otros aspectos culinarios, existiendo raras excepciones de platos clásicos españoles donde el cacao entrara como ingrediente.

Música

Les aventures du roi Pausole es una opereta en tres actos con música de Arthur Honegger y libreto de Albert Willemetz, que se representó por primera vez en el Bouffes Parisiens de París, el 12 de diciembre de 1930.

ACTO III
Después de un coro de soubrettes, Giglio emerge del dormitorio del rey, donde, en lugar del rey, el paje ha tenido una noche de éxtasis con Diane. Aline y Mirabelle están en el mismo hotel. La hija del rey suspira por el joven paje. Entre idas y venidas de las diferentes habitaciones, se suceden la entrada del chocolate español, un aria de Taxis y un dúo telefónico. Giglio persuade a Aline de las ventajas de hacer el amor con un hombre y, después de que Pausole ha leido un discurso sobre el amor libre, Giglio se siente libre para hacerse con Aline. Pausole descubre Aline y Giglio en su dormitorio. El rey abdica y se va a dormir, arrullado por un suave coro final.

Arthur Honegger - Entrée du Chocolat Espagnol - Les Aventures du Roi Pausole, H 76

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Incorformismo -Año XVI. Nº 952

Zacarías González Velázquez - Alegoría de la noche - 1818  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Esta pintura de González Velázquez, que decora el techo de una alcoba, representa a Diana, diosa de la luna, mientras cubre con su manto a la Noche, cuyo geniecillo lanza sus flechas a Morfeo, que dormita con sus adormideras en la mano. El genio del lucero Vespertino vuela sobre él, sujetando una lechuza, símbolo de la Noche, mientras una ninfa arroja sobre la tierra el rocío.

Música

El número final de un conjunto de cuatro canciones para voces masculinas, publicado originalmente en 1823, Die Nacht, D. 983c (Opus 17, núm. 4), fue compuesto por Franz Schubert, probablemente en algún momento de 1822. El autor del poema nunca ha sido identificado con certeza real; pudo ser el trabajo de F. W. Krummacher, el conocido teólogo y filósofo, un hombre cuyas palabras nunca antes habían sido y nunca más serían puestas en música por Schubert.

“Die Nacht” (“la noche”), que no guarda relación musical o textual ni con el D. 358 ni con el D. 534 (dos Lieder titulados también “Die Nacht”), está escrito en cuatro partes. El texto transmite sentimientos de paz —ej. "Qué hermosa eres, bienvenida tranquila y celestial paz"— y Schubert lo trata de una manera no muy diferente al famoso, entonces recientemente compuesto, villancico de Navidad "Noche de paz" (una canción casi seguro desconocida para Schubert, pero cuyo texto tiene algunas similitudes superficiales)

Franz Schubert - Die Nacht (Op.17, No. 4)

LA TABERNERA DEL PUERTO – En un país de fábula -Año XVI. Nº 949

Joaquin Sorolla - En la taberna, San Sebastián - 1910  (Museo Sorolla, Madrid)

 

Pintura

Sorolla presenta a la izquierda, dos hombres sentados de perfil y detrás otros tres levantados. Al centro, uno sentado de frente. En la parte derecha, uno de pie, apoyado en un objeto de madera, y otro agachado. Hacia el fondo, otras tres figuras indefinidas. Todos llevan gorras y parecen estar bajo un toldo.

Música

No deja de ser curioso que dos de los grandes éxitos de nuestra zarzuela y sobre todo de Sorozábal, los compusiera el músico vasco porque otros colegas los rechazaron. Si Moreno Torroba dijo no a La del manojo de rosas, Guridi hizo lo propio cuando se le ofreció el libreto de La tabernera del puerto, romance marinero en tres actos, con música de Pablo Sorozábal basado en el libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona. Nunca sabremos si Ascensión y Marola hubieran sido tan populares y celebradas de no haberles puesto música Sorozabal. Lo que sí sabemos es que la zarzuela que compuso Guridi está totalmente olvidada.

Primero Marola (“En un país de fábula...Yo también soy un pájaro viejo”) y luego Juan de Eguía ("Chibiri, Chibiri") cantan para animar el ambiente en la taberna. Los planes de Marola y Juan de Eguía son descubiertos por el marino inglés, Simpson quien denuncia a Leandro que va a ser juego de los manejos de Juan de Eguía para llevar a cabo una operación de contrabando. Leandro queda abrumado; él pensaba que el amor que le había demostrado Marola era sincero y ahora se da cuenta de que es falso e interesado.

Pablo Sorozabal - No.6 En un pais de fábula - La tabernera del puerto


Pablo Sorozabal - No.6 Romanza de Juan de Eguia - La tabernera del puerto

LA ROSA DEL AZAFRÁN – Las espigadoras -Año XVI. Nº 931

Jean-François Millet - Las espigadoras – 1857  (Museo D'Orsay, París)

 

Pintura

El pintor representa a tres cosechadoras, en el primer plano, espalda cuadrada, mirada fija hacia el suelo. Combina de este modo tres fases del repetitivo y agotador movimiento que impone esta dura tarea: agacharse, recoger, levantarse. Su austeridad se opone a la abundancia de la cosecha en lo lejano: almiares, gavillas, carro y la muchedumbre de los segadores que se ajetrean. Este abundante y luminoso festejo parece cuanto más alejado que el cambio de escala es repentino. La rasante luz del sol poniente marca los volúmenes del primer plano y proporciona a las cosechadoras un aspecto escultural. Subraya con vivacidad sus manos, nucas, hombros y espalda y aviva los colores de su ropa. Después, lentamente, Millet matiza lo lejano, para producir una atmósfera dorada y polvorienta, intensificando la impresión bucólica del fondo. El personaje a caballo, aislado en la derecha es seguramente un capataz. Encargado de vigilar las labores en la finca, también procura que las cosechadoras cumplan con las reglas ligadas con su actividad. Su presencia añade una distancia social, recordando la existencia de los propietarios de quienes es la emanación.

Música

Una pieza de teatro con semejante conflicto central hubiera sido considerada fuera de lugar en otros países europeos alrededor de 1930, no así en España, atrasada históricamente. La opresiva sociedad de clases de España, que obstaculiza la vida de todos, es tomada muy en serio para poder ridiculizarla eficazmente. Es combatida, sobre todo la rígida vertical social que parte del predominio masculino, cuando dos mujeres de distinto nivel toman en común la iniciativa para compensar la desigualdad social. La rosa del azafrán, zarzuela en dos actos y seis cuadros, con texto original de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y música de Jacinto Guerrero, se estrenó el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid.

Las espigadoras empiezan su canto (Coro de las espigadoras: “Acudid, muchachas”) y Catalina entona “Esta mañana muy tempranito” tras la faena por la cosecha. Todos se enteran que Don Generoso había encontrado a su hijo Juan Pedro, lo que cambiaba su status totalmente.

Jacinto Guerrero - No.11 Coro de espigadoras - La Rosa del Azafrán

DOCTORES A ESCENA - Curandero -Año XVI. Nº 917

Jan Steen - Curandero - 1650-60  (Rijksmuseum, Amsterdam)

 

Pintura

En una plaza del pueblo Steen representa a un curandero, situado en una elevación bajo un gran árbol, que muestra a los aldeanos la esfera (o piedra) que ha aplicado a un hombre doliente que se encuentra atado. A los pies del hombre hay una cesta de huevos. En la mesa hay todo tipo de botellas y frascos, y un documento con un sello. Justo en primer plano una mujer transporta a su hombre borracho en una carretilla. En el extremo derecho se observa un violín fijado a un poste en el que se sienta mono que porta posiblemente un de los instrumentos del curandero.

Música

La del soto del parral es una zarzuela en dos actos y tres cuadros, con texto original de Luís Fernández de Sevilla y Anselmo C. Carreño y música de Soutullo y Vert, estrenada el 26 de octubre de 1927 en el teatro de La Latina de Madrid.

La acción transcurre en una finca segoviana a mediados del siglo XIX. Paralelamente a la trama principal, se desarrollan otros sucedidos protagonizados por los novios Damián y Catalina, pareja cómica que da la consabida réplica a la parte seria y finalmente tiene mucha importancia el entorno popular y regionalista que subyace en diversas fases de la acción, como en la “consulta” en que el tío Sabino, curandero, aconseja a las mozas como curar sus males o en la ronda de enamorados.

Soutullo y Vert - Coro de la consulta - La del Soto del Parral

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – El reflejo de la calle -Año XV. Nº 868

Manuel de la Cruz Vázquez - La Feria de Madrid en la Plaza de la Cebada - 1770-80  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Inspirándose en los sainetes de su tío, el escritor don Ramón de la Cruz, el artista realizó una serie de escenas callejeras, entre ellas ésta. Se trata de una composición en la que de la Cruz caracteriza con acierto el ambiente bullicioso del pueblo, sus vendedores, mercaderes y paseantes. Tras la fuente de la Abundancia se observa la iglesia de Santa María de Gracia y, al fondo, la Colegiata de San Isidro. La plaza de la Cebada es un espacio urbano castizo y popular del La Latina de la ciudad de Madrid (España), en el que se encuentra el renovado Mercado de la Cebada, de la calle de Toledo. La etimología del nombre de la plaza se debe a la calle cercana homónima en la que se separaba la cebada cribando la destinada al forraje de los caballos del rey y de la que se aprovisionaba a los regimientos de caballería. El 19 de junio de 1622 se la acondicionó como un jardín público con motivo de las celebraciones de San Isidro. En la plaza se celebraron durante el siglo XVIII las denominadas Ferias de Madrid.

Música

Las pretensiones de los autores de Agua, azucarillos y aguardiente, pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca, estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897, eran modestas, de ahí la denominación de “pasillo veraniego” pero obtuvo un éxito de los más memorables de la historia del género. Pese a que fue concebida como una obra para ese verano, para estar en cartel sólo unas semanas, alcanzó las doscientas representaciones seguidas. Desde entonces ha formado parte de la trilogía del madrileñismo junto a La verbena de la Paloma y La Revoltosa.

Un grupo de barquilleros revelan sus eróticos secretos comerciales de forma ágil, con clara dicción y en voz alta, si bien haciendo pantalla con la mano, pues sólo están destinados al oído del público. El ingenio con que estos mozos proveen de sus productos a la clientela femenina, no consiste sólo en lograr una activa venta de dulces, es a la vez un ingenio de la farsa local. Pues las que se acercan tan atrevidas a las golosas señoritas con su canto son voces femeninas que brotan de un grupo de roles masculinos colectivos con la desfachatez de los muchachos de calle.

Federico Chueca - Coro de barquilleros - Agua, azucarillos y aguardiente

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – Sufrida clase media -Año XV. Nº 867

Louis Uhl - Niñeras en el parque - 1889  (Museo de Viena)

 

Pintura

Aficionado a las escenas de género, Uhl representa una escena, situada en un parque vienés, en la que se aprecia la conversación, y también el flirteo, entre niñeras y militares con vistosos uniformes. Pueden verse también a los niños jugando, distraídos, mientras sus niñeras se ocupan en otros menesteres.

Música

En Agua, azucarillos y aguardiente, pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca, estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897, se citan otras calles, como la Ribera de Curtidores, el Prao, la Plaza de Colón, Lavapiés, Las Vistillas, la Puerta de Alcalá, la Cebá. Y aparecen personajes y situaciones del Madrid de la época: aguadores y aguadoras, cigarreras, chulapos y chulapas, manolos y manolas, castañeras, barquilleros, el olor a churros calientes y la limonada en los barreños de barro cocido, niñas jugando al corro mientras las niñeras coquetean con los soldados, etc. Es decir, el Madrid castizo del chotis, el pasodoble y el organillo.

Atanasia (Asia), una muchacha simpática pero extravagante, se siente poetisa. Con su madre, doña Simona, dejó la provincia para mudarse a Madrid, el paraíso de la cultura, donde llevan una vida más bien miserable. Una carta del tío les aconseja regresar al pueblo (Valdepatata), donde el primo está loco por casarse con Asia. Pero ésta sueña con Serafín, hijo de un exministro. Asia, es bien retratada en los primeros versos de las seguidillas cantadas por las niñas “tanto vestido nuevo, tanta parola y el puchero en la lumbre con agua sola” que describe la situación de gran parte de la sufrida clase media de entonces.

Federico Chueca - Coro de niñeras - Agua, azucarillos y aguardiente

NAVIDAD - Rosa navideña -Año XIV. Nº 819

Juan Correa de Vivar - La Natividad - c. 1535  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

La Virgen y San José se inclinan hacia el Niño Jesús, desnudo y sobre un paño blanco en un sillar de piedra. Sobre ellos, siguiendo el texto del Nuevo Testamento, ángeles músicos alaban al recién nacido entonando “Gloria a Dios en las alturas y en la tierra paz a los hombres en quienes él se complace” y, al fondo de la composición, los pastores son anunciados del Nacimiento del Mesías, entrando en el establo por la derecha de la composición (Lucas 2, 8-20). Esta obra corresponde a la primera etapa de la actividad del artista en la que muestra una fuerte dependencia de Juan de Borgoña (h. 1470 - 1534), como se aprecia en las figuras y en la arquitectura, con una rica ornamentación renacentista. Correa mantiene en estas fechas un marcado sentido del dibujo, ligado al empleo local del color, en ese momento un tanto agrio y que, progresivamente irá dulcificando y aclarando. Desarrolla un sentido compositivo elemental, marcadamente geométrico, empleando arquitecturas clásicas, pero sin entender con claridad la perspectiva monofocal empleada.

Música

Es ist ein Ros‘ entsprungen (Está creciendo una rosa) es un villancico de Navidad y un himno Mariano de origen alemán. La melodía más conocida en la actualidad aparece en el libro de himnos titulado Speyer Hymnal (publicado en Colonia en 1599), con la armonización escrita por el compositor alemán Michael Praetorius en 1609.

Una rosa inmaculada está creciendo
saltando de una tierna raíz,
de la previsión de los antiguos videntes,
de la fruta prometida de José;
Su brote festivo despliega la luz
en medio del frío, frío invierno
Y en la medianoche oscura.
La rosa que estoy cantando
Como lo dijo Isaías
está saltando desde su dulce raíz
en María, purísima servidora
A través del gran amor y poder de Dios
El Niño bendito que ella nos dio
en una fría, fría noche de invierno.

Praetorius - Es Ist Ein Ros' Entsprungen

SHOW BOAT – Flor de algodón -Año XIV. Nº 811

Harold Harrington Betts - On the Levee at Natzhez - 1904  (Ogden Museum of Southern Art, Nueva Orleans)

 

Pintura

Pintura de la vida del río desde la cima del dique. Harrington representa personas cargando fardos en un barco de vapor. Natchez se encuentra en la orilla izquierda del río Misisipi, que lo separa de Luisiana. Fue fundada por el gobernador español Manuel Gayoso.

Música

Show Boat fue el primer musical de Broadway en tratar seriamente el tema de un matrimonio interracial, como aparece en la novela de Edna Ferber, en el cual se basa, e incluye un personaje mestizo que se hace pasar por blanco. La obra ha sido objeto de frecuentes controversias por el uso de la palabra “niggers” (“negros”) en las letras (de hecho es la primera palabra que se pronuncia en el coro inicial), y también por el retrato de la gente de color sirviendo como trabajadores y sirvientes. En producciones posteriores la palabra “niggers” fue sustituida por “colored folk” (“gentes de color”) y “darkies” (“oscuros”)

ACTO I
El "Cotton Blossom", un barco espectáculo que viaja rio arriba y abajo por el Mississippi alrededor del año 1890, ha llegado a Natchez. Los estibadores están trabajando duro en sus tareas mientras una alegre concurrencia llega para dar la bienvenida a los artistas ("Cotton Blossom")

Jerome Kern - Cotton Blossom - Show boat

CLÁSICOS EN EL CINE - Héroe y santo ruso -Año XIII. Nº 737

Vladimir Borovikovskyst - Alexander Nevsky - s. XIX  (Galería Tretyakov, Moscú)

 

Pintura

Aleksandr Nevski fue un líder ruso y santo de la Iglesia ortodoxa rusa, segundo hijo del gran duque Yaroslav II, quien gobernaba en Nóvgorod, y una devota mujer llamada Teodosia o Rostislava Mstislavna, hija de Mstislav Mstislávich el Valiente. Luchó contra los suecos, teutones y tártaros que amenazaban Nóvgorod.

Música

La famosa cantata de Sergei Prokofiev, Alexander Nevsky, fue compuesta con distintas partes de la banda sonora de la película homónima de Sergei Eisenstein de 1938.

Nevsky fue un personaje histórico, un príncipe de Novgorod, ahora considerado como un santo en la Iglesia Ortodoxa. Defendió Rusia y su Iglesia, derrotando a los invasores suecos y,dos años más tarde, a los caballeros teutónicos. La película de Sergei Eisenstein describe la invasión de estos últimos, que terminó en una feroz batalla en abril, cuando todavía había nieve sobre los campos y lagos. Durante la batalla Nevsky hizo maniobrar a los caballeros enemigos con sus armaduras pesadas sobre la superficie helada del lago Preipus. El hielo en proceso de descongelación se rompió bajo el peso de caballos y armaduras.

Serguei Prokofiev - IV. Levántate, pueblo ruso - Alexander Nevsky

LAS ESTACIONES - Noche de invierno -Año XIII. Nº 723

Caspar David Friedrich - Paisaje invernal con iglesia - 1811  (Museo de Arte e Historia del Arte, Dortmund)

 

Pintura

Friedrich realiza un cuadro religioso de contenido paisajístico, en la certeza panteísta de la presencia de Dios en el mundo a través de la naturaleza. De este modo, el espíritu entrenado puede hallar la fe en la naturaleza, en una relación espiritual privada, fuera de los templos, fuera de la iglesia medieval. A pesar de su costumbre de emplear dibujos anteriores sobre motivos reales, el artista realiza en esta obra su primer edificio gótico inventado. Al igual que en Cruz en las montañas, la estructura de las agujas góticas se repite en los abetos entre los que se halla, vuelta hacia el caminante - Friedrich - que ha abandonado sus muletas, la cruz. Dichos abetos simbolizan al creyente; la catedral gótica, alzándose entre la bruma, a una distancia indeterminada, es una aparición de la ciudad celestial, la Jerusalén divina, siempre representada como una arquitectura lejana, flotante y casi inalcanzable (Greifswald a la luz de la luna)

Música

Winterreise, D.911, Op.89 (Viaje de invierno) es un ciclo de lieder compuesto por Franz Schubert, sobre poemas de Wilhelm Müller. Es una de las obras que compuso en el último año de su vida, en 1827, y el conjunto de canciones sobre el que más trabajó.

“Gute Nacht“ (“Buenas noches“), “Fremd bin ich eingezogen...“, en re menor. Es el lied de mayor duración. Comienza diciendo “Llegué como un extraño, como un extraño me marcho", marcando así el aire de tristeza y aislamiento que predominará en toda la obra. Fue feliz (“la joven habló de amor, la madre incluso de matrimonio”), pero su historia de amor, por razones no concretadas, tiene que acabar. Una noche de invierno, se despide del lugar y de su amada. Él se despide de su amada, aún dormida, dándole las buenas noches. Se trata de un lied en ritmo de caminante, como indica el propio Schubert: “moderado, en movimiento de caminar”.

Franz Schubert - I. Gute Nacht - Winterreise, op. 89, D. 911

DESDE EL ALMA - Jesús, mi alegría -Año XII. Nº 715

Simone Martini- Cristo en la cruz - c. 1340  (Fogg Art Museum, Cambridge)

 

Pintura

Esta crucifixión, debida a Martini, capta a la perfección la silenciosa dignidad y el sufrimiento de Cristo. Suspendido de la cruz, el cuerpo desplomado de color ceniciento resalta contra el fondo dorado de estilo bizantino. La agonía de la pasión de Cristo se evoca mediante la fragilidad de su envoltorio mortal: los brazos y piernas largos y demacrados, la delicada y exquisita cara inclinada a un lado, el velo casi transparente que lo cubre, y la piel cérea que acentúa los copiosos regueros de sangre que brotan de las heridas de las manos y los pies.

Música

Jesu, meine Freude es un motete compuesto por Johann Sebastian Bach. El título completo de la obra es Motete N º 3 en Mi menor, BWV 227. Seis motetes fúnebres son atribuibles a Bach (BWV 225-230), escritos para la iglesia de Santo Tomás, en Leipzig, entre 1723-7. Sus tres primeros movimientos son: 1. “Jesu, meine Freude” – “Jesús, mi alegría” (primera stanza), 2. “Es ist nun nichts Verdammliches” – “No hay condenación” (basado en la Carta a los Romanos 8:1,4) y 3. “Unter deinem Schirmen” – “Bajo tu amparo” (segunda stanza)

El tercero es el más antiguo, más largo, más complejo musicalmente y, con razón, el más popular de los seis motetes, y fue escrito en Leipzig en 1723 para el funeral (el 18 de julio 1723) de Johanna Maria Käsin, la esposa del jefe de correos de esa ciudad.

Johann Sebastian Bach - Jesu, meine Freude - Motete N º 3 en Mi menor, BWV 227

NAVIDAD - Magno Misterio -Año XII. Nº 698

Raffaello Sanzio - Madonna Sixtina - 1513-14  (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde)

 

Pintura

La cortina abierta proporciona una visión clara de la aparición de los santos en las nubes. María lleva al niño Jesús de los confines del cielo a la tierra. En sus rasgos faciales graves se refleja el conocimiento de la venida de la pasión de Cristo. Aparecen arrodillados humildemente San Sixto y a la derecha Santa Bárbara. Como culminación del proceso Raffaello inserta dos ángeles detrás de la balaustrada en la parte inferior del cuadro.

Música

El motete O magnum mysterium, escrito por Tomás Luis de Victoria, fue publicado en 1572. Aunque originalmente llevó por título In Circuncisione Domini, el texto está tomado de un responsorio de maitines de Navidad y se ha utilizado siempre como motete de Navidad. Esta obra se convirtió en la base de una misa (también para coro de cuatro partes), publicada por Victoria veinte años más tarde, en 1592.

Una de las creaciones más entrañables del autor, se desarrolla con serenidad y calor cuando expresa la maravilla que incluso los animales percibieron al contemplar al Niño en el pesebre. Luego con un silencio maravilloso Victoria acaricia musicalmente 'O beata Virgo’. Los últimos 'Alleluia' bailan en tres tiempos para, a continuación, con un cúmulo de notas fulgurantes, llegar con grandilocuencia a su fin.

Tomás Luis de Victoria - O magnum mysterium

VOCES – La verde parra -Año XII. Nº 675

Octave Tassaert - Joven con un vaso de vino - 1850  (Museo Fabre, Montpellier)

 

Pintura

Conocido más por sus pinturas de las miserias humanas, Tassaert propone a los amantes de las imágenes más ligeras, escenas galantes del siglo XVIII. El vino significa liberación de la moral y el sombrero y la mano extendida hacia arriba sugieren una presencia masculina.

Música

Liebeslieder Walzer (Canciones de amor) es el nombre de dos ciclos de canciones populares, en tiempo de vals, para cuatro voces (coro) y piano a cuatro manos (Op. 52 y Op. 65) compuestos por Johannes Brahms entre 1868 y 69. Los textos están tomados de “Polydora, ein weltpoetisches Liederbuch” del poeta y filósofo alemán Georg Friederich Daumer. Esta colección de traducciones e imitaciones de la poesía popular, sobre todo rusa, polaca y magiar (húngara), contiene, como sentimientos predominantes, las múltiples facetas del amor: el anhelo, la reticencia, la negación, la tristeza, la obsesión, la alegría, el éxtasis, etc. Estos dieciocho valses, "románticos" en todos los sentidos de la palabra, rinden homenaje al "rey del vals" Johann Strauss, por quien Brahms profesaba gran admiración.

Nº 5 Die grüne Hopfenranke (La verde parra)

La verde parra,
serpentea por el suelo.
¡La joven, bella doncella,
tan tristes son sus pensamientos!
¡Escucha, verde vid!
¿Por qué no subes al cielo?
¡Escucha, hermosa doncella!
¿Por qué es tu corazón tan pesado?
¿Cómo puede la vid elevarse
cuando ningún apoyo le presta la fuerza?
¿Cómo puede ser feliz la doncella
cuando su amado está tan lejos?

Johannes Brahms - V. Die grüne Hopfenranke - Liebeslieder Walzer, Op. 52

NAVIDAD - Del cielo provengo -Año XI. Nº 637

Stefan Lochner - Adoración del Niño Jesús - 1445 (Alte Pinakothek, Munich)

 

Pintura

Lo que destaca de este óleo de Lochner es la capacidad para evocar un encanto delicado sin resultar demasiado sentimental. En esta escena, María está arrodillada ante el Niño en un establo mientras el buey y la mula la observan con benevolencia. Un ángel anuncia el milagroso nacimiento a los pastores cuyos rebaños de ovejas se atisban a lo lejos. Las prendas están pintadas con el preciosismo típico de este artista, pero también poseen cualidades escultóricas que confieren a María un adecuado carácter monumental.

Música

Entre las obras tempranas de Otto Nicolai se encuentra Weihnachtouvertüre (Obertura de Navidad), que fue interpretada por primera vez el 29 de mayo de 1833 en la Garnisonkirche en Berlín.

A un lúgubre Adagio, fiel al texto bíblico “La gente que caminaba en las tinieblas ha visto una gran luz”, le sigue un Allegro con el coro “Vom Himmel hoch da komm’ ich her” (“Del Cielo provengo”) como cantus firmus. A la orquesta se le unen un coro y un órgano no obligatorio.

Otto Nicolai - Weihnachtouvertüre

NAVIDAD - Un niño ha nacido entre nosotros -Año X. Nº 574

Filippino Lippi - Adoración del niño - 1483  (Galería de los Uffizi, Florencia)

Pintura

La ternura entre madre e hijo resulta emotiva; la Vírgen deja de aparecer como una imagen remota e inaccesible y su cara recuerda a la de la madre de Lippi. María es conocida como “Estrella del mar” y por tanto se asocia con el agua. El puerto en el fondo simboliza la vida eterna. La pared sugiere un jardín cerrado, en alusión a la virginidad de María.

Música

El Mesías HW 56, fue compuesto por Georg Friedrich Händel en Londres, en 1741, y estrenado en 1742, en el New Music Hall de Dublín.

La primera parte de este oratorio tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva como el coro “For onto us a child is born”.

Georg Friedrich Händel - For onto us a child is born - El Mesías HW 56

VIVA MADRID – Calles, plazas y callejones -Año X. Nº 569

Antonio López - Vista de la Gran Vía de Madrid - 1974-81  (Colección privada)

Pintura

Más que otro paisaje anónimo, éste es el retrato de un lugar único. Bajo el reloj que marca las 6:30, la ciudad es un escenario desierto. Antonio López no pretende excluir la figura humana, sino que se concentra en la descripción de lo inerte y va aplazando (indefinidamente) el trabajo sobre todo aquello que se mueve (figuras humanas, automóviles, nubes)

Música

La Gran Vía es una zarzuela en un acto, y cinco cuadros, sobre texto original de Felipe Pérez González y música de Federico Chueca y Joaquín Valverde, estrenada el 2 de Julio de 1886 en el Teatro Felipe de Madrid.

La obra, compuesta de cinco sainetes cortos, trata de los comentarios surgidos en Madrid por la inminente aparición de una nueva avenida: La Gran Vía. Durante ese año se iniciaron una serie de derribos para construir esta Gran Vía que saneara y transformara el centro. La reforma afectaba a gran cantidad de calles. Ya la introducción, un poco a la manera de una obertura de ópera, es una página airosa que sirve de presentación a la conocida polka confiada al coro “Somos las calles, somos las plazas y callejones de Madrid”.

Federico Chueca y Joaquín Valverde - Coro de las calles - La Gran Vía

DOÑA FRANCISQUITA – Románticos -Año X. Nº 563

Leonardo Alenza y Nieto - Lectura en el Café de Levante - ca. 1827-45   (Lázaro Galdiano, Madrid)

Pintura

Varios caballeros, entre ellos un clérigo y un militar, se arremolinan en torno a otro más joven, que lee en voz alta la hoja de un pasquín o periódico. Debido a la naturaleza casi efímera de su destino y a su carácter esencialmente decorativo, la pintura está resuelta con una evidente simplicidad, tanto en su diseño, -atento fundamentalmente a la descripción casi caricaturesca de los personajes, situados en una escenografía desnuda, tan sólo insinuada a base de simples líneas y planos geométricos, y de una apariencia monumental impropia de un café-, como en su técnica, de una materia extremadamente delgada y fluida y una paleta casi monocroma, que le dan la apariencia de una sarga pintada a la acuarela o al temple, lo que ha llegado a distorsionar su visión, al trepar a la superficie zonas de la preparación y la propia trama de la tela. [...] No obstante, este conjunto al que pertenecen los dos lienzos, constituye un testimonio histórico verdaderamente excepcional del tipo de decoraciones que ornaban los cafés románticos, y ejemplo único de esta faceta de la personalidad artística de Alenza, por la que, a pesar de su carácter menor, fue -como se ha visto- más afamado en su tiempo.

Música

No faltó la peripecia física en forma de accidente, que sufrió el maestro días antes del estreno de Doña Francisquita y que obligó a que la instrumentación de algunos números la terminasen otros compositores, entre ellos Conrado del Campo, Turina y Pablo Luna quien se encargó nada menos que del “coro de románticos” impregnándolo quizás de lo que Vives denominó “música rubia”.

Esa misma noche, frente a la casa de Don Matías, la voz piadosa del sereno despide el día y sensitivos “románticos” con sus amigas íntimas llenan la calle con sus emotivas canciones. Lorenzo, el tabernero, golpea violentamente la puerta de Don Matías. Quiere batirse esa misma noche con Fernando por el amor de Aurora.

Amadeo Vives - No. 14 Coro de los románticos - Doña Francisquita

HUNGRÍA – El Primer Benefactor -Año X. Nº 555

Mihály Munkácsy - Asentamiento de los Magyares en Hungría - 1893  (Parlamento de Hungría)

Pintura

La tradición húngara conecta los acontecimientos de la invasión (el Honfoglalás, "la ocupación de nuestro país") con el hijo y sucesor de Álmos, el gran príncipe Árpád. El Chronicon Pictum recoge la versión más completa de la Leyenda del Caballo Blanco. De acuerdo a la leyenda, los líderes de las tribus magiares enviaron "un gran caballo con una silla de montar dorada con oro de Arabia con una rienda dorada" a Svatopluk, pidiendo a cambio suelo, hierba y agua. A Svatopluk le deleitaron los regalos y le dijo a los enviados que cogieran tanto como quisieran. Cuando el gran príncipe Árpád fue informado de la respuesta de Svatopluk, le envió de nuevo delegados con el siguiente mensaje: «Árpád, juntamente con su gente, te ordena abandonar la tierra que ha sido adquirida, porque tu tierra ha sido comprada por el caballo, tu hierba por la rienda, y tu agua por la silla. Vendiste tu tierra, hierba y agua a un precio bajo, por causa de tu avaricia.» La Gesta Hungarorum conecta los acontecimientos de la leyenda al dux Salan, un supuesto gobernante de las tierras entre el río Danubio y el Tisza, en la región meridional de la Cuenca Cárpata. En este cuadro de Munkácsy se muestra el momento en que el príncipe Arpad, a lomos de un caballo blanco, recibe un cubo de arena, un trozo de hierba y una vasija con agua del Danubio de los enviados del derrotado Salan.

Música

La música incidental para la obra de August von Kotzebue König Stephan oder Ungarns erster Wohhtäter (Rey Esteban, o el Primer Benefactor de Hungría) para Orquesta, Coro y voces solistas, op. 117 la escribió Beethoven interrumpiendo unas vacaciones que estaba disfrutando en el Balneario de Teplitz en el verano de 1811.

Escribió la obra a toda prisa para llegar a tiempo de que fuera integrada en un espectáculo del nuevo Teatro Alemán de la ciudad húngara de Pest. A pesar de todo, el estreno se pospondría hasta 1812.

Ludvig van Beethoven - Coro de mujeres - El Rey Esteban, Op.117

DESDE EL ALMA - San Juan Bautista -Año IX. Nº 533

Fra Filippo Lippi - Banquete de Herodes - ca. 1452-65  (Catedral de Prato)

Pintura

En esta obra de Lippi, un fresco ubicado en la Catedral de Prato, vemos un banquete presidido por el rey Herodes al que ninguno de los invitados faltó, como puede apreciarse del tumulto de personas que se agolpan en la mesa, ataviados elegantemente para el evento, y comen copiosamente, ahítos y ebrios, con la intención final de rematar la noche con el martirio de San Juan Bautista. La escena se compartimenta en dos espacios: la de la izquierda donde Salomé está danzando al lado de los monarcas y la de la derecha donde ella ya tiene en sus manos la cabeza codiciada del santo decapitado. La forma de plantear la escena, el exceso de arabescos y decorados, la delicadeza del movimiento de los vestidos fueron fuente de inspiración para obras de Botticelli.

Música

Compuesta para la fiesta de San Juan Bautista, sobre un libreto de autor desconocido, la Cantata BWV 167 de Juan Sebastian Bach, Ihr Menschen, rühmet Gottes Liebe (Hombres, proclamad el amor de Dios), fue estrenada en Leipzig posiblemente el 24 de junio de 1723. El Evangelio de ese día (San Lucas 1, 57 a 80) -la circuncisión de Juan y la profecía de su padre Zacarías- se refleja en el libreto.

Después de un recitativo para bajo la obra finaliza con un vigoroso coral, “Sei lob und preís mit ehren” (“Gloria, alabanza y honor”), que difiere, no sólo por su extensión, de los corales habituales: contiene una parte independiente, más un preludio, un postludio e interludios entre las partes vocales.

Juan Sebastian Bach - Sei lob und preis mit ehren - Cantata BWV 167