viernes, 24 de diciembre de 2010

NAVIDAD - Noche de paz -Año I. Nº 44

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Rafaello Sanzio - Sagrada Familia del Cordero - 1507
Rafaello Sanzio - Sagrada Familia del Cordero - 1507  (El Prado, Madrid)

Esta obra está inspirada en el dibujo preparatorio de Leonardo da Vinci para el altar mayor de la Annunciata de Florencia. La tabla de Rafael muestra a la Virgen, el Niño y el cordero, pero santa Ana ha sido sustituida por san José. Más importante que este cambio puntual es que Rafael modificase el significado de la escena, al mostrar a la Virgen ayudando a su hijo a abrazar al cordero ante la mirada, atenta y reflexiva, de san José quien participa del significado premonitorio de la acción. La comunicación entre los personajes viene subrayada mediante la disposición de los cuerpos y la dirección de las miradas. La inclusión en el plano medio de una escena secundaria con la huida a Egipto, sugiere que el tema principal alude a un descanso en el camino.


Stille Nacht, heilige Nacht, fue interpretado por primera vez el 24 de diciembre de 1818 en la iglesia de San Nicolás (Nikolaus-Kirche) de Oberndorf en Austria. La letra había sido compuesta en 1816 por Mohr en Mariapfarr (una pequeña aldea en la región del Lungau cerca de Salzburgo en Austria) y la música por Franz Gruber el mismo día de su estreno.

Franz Gruber dejó escrito, el 30 de diciembre de 1854, en su "Authentischen Veranlassung" die Entstehungsgeschichte des Weihnachtsliedes "Stille Nacht! Heilige Nacht!" (La auténtica historia sobre el origen del villancico Noche de Paz): “Fue el 24 de diciembre del año 1818, cuando Joseph Mohr, por entonces pastor de la nueva parroquia de San Nicolás en Oberndorf, cerca de Salzsburgo (Austria), entregó a Franz Gruber, organista de la parroquia y maestro de escuela en Arnsdorf, un poema con la petición de que le pusiera música para un conjunto formado por dos voces solistas, coro y acompañamiento de guitarra”. Mas tarde el mismo día, el 24 de diciembre, Gruber le entregó a Mohr su composición. A éste le gustó lo que vio, e incluyó la canción en la misa de Navidad de aquella noche. Mohr cantó la parte del tenor y acompañó con la guitarra, mientras Gruber cantó los graves. De acuerdo con lo que escribió Gruber, la canción encontró una “aprobación general de todos los asistentes” (la mayoría trabajadores en barcos y astilleros y sus familias). Gruber no mencionó los hechos que le inspiraron. Una de las suposiciones más aceptadas es que el órgano de la iglesia estaba fuera de servicio desde hacía tiempo, motivo por el que Mohr y Gruber compusieron una canción para ser acompañada por guitarra. La primera traducción al español fue registrada por el pastor protestante alemán, afincado en España. Don Federico Fliedner escribe en noviembre de 1871 a su futura esposa Jeanie Brown: "Aunque son las 2 de la mañana te tengo que comunicar mi alegría. Acabo de traducir tres himnos de Navidad al español, por eso he quedado tanto tiempo levantado, pues si uno recibe la musa de la poesía no la deja escapar." Uno de ellos era Noche de Paz.


Franz Gruber - Noche de Paz

lunes, 22 de noviembre de 2010

UNA MIRADA AL ORIENTE - Ana y el rey de Siam -Año I. Nº 38

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Desconocido - Royalty, Mural Painting, Wat Suwannaram, Bangkok
Desconocido - Royalty, Mural Painting, Wat Suwannaram, Bangkok

Wat Suwannaram (Wat Suwan) está situado en la orilla oeste del Canal Bangkok Noi. El templo data del período Ayutthaya y se llamó originalmente Wat Thong. El rey Rama I ordenó que el templo fuera completamente renovado y cambió su nombre por el de Wat Suwannaram. Somdej Krom Phra Rajawang Boworn Mahasurasinghanart ordenó la construcción de un crematorio para la realeza y los altos funcionarios. Las cremaciones de tales personajes se llevaban a cabo tradicionalmente fuera de los muros exteriores de la ciudad. El crematorio continuó en uso hasta el reinado del rey Rama IV. Durante las renovaciones de Wat Suwannaram, en el tercer reinado, el Rey tuvo a los mejores artistas de la época compitiendo entre sí en la pintura de los murales en el phra ubosot. La mayoría de las escenas muestran las Historias de Jataka (las vidas anteriores de Buda)


Fanny Holtzmann, una famosa agente de artistas, poseedora de una copia del best-seller de Margaret London, "Ana y el rey de Siam" (1944), que había sido llevada con éxito al cine en 1946, buscaba llevarla al teatro. Tanto Cole Porter como Noel Coward, famosos compositores de la época, declinaron escribir la partitura, argumentando que no encontraban nada que les inspirara en la historia de una mujer que llega a Siam en la década de los sesenta como institutriz de los numerosos hijos del monarca siamés. Finalmente llegó a parar a manos de R. Rodgers quien, a pesar de sus dudas, se convenció al ver la pasión que su libretista O. Hammerstein tenía por la historia. La obra se estrenó en Broadway el 29 de marzo de 1951. The King and I es una opereta y el asunto moral es aquí la esclavitud. La trama romántica es la respuesta americana a Das Land des Lächelns: mujer occidental se encuentra con un potentado oriental y ¿hasta qué punto pueden llegar a entenderse? Musicalmente, sin embargo, no alcanza el nivel de la obra de Lehar, y las canciones de amor están asignadas a la pareja secundaria, esta vez la pareja dramática.

En la década de los 1860, el rey de Siam - en su intento de llevar la cultura occidental A su país – contrata a Anna Leonowens, una atractiva maestra de escuela Inglesa, para que enseñe a sus príncipes y princesas. Al llegar a Siam con su hijo Louis, ella trata de disipar sus temores y los de su hijo silbando una canción. Una vez en el palacio, Ana se sorprende al enterarse de que ella y su hijo no tendrán una casa propia, como le había sido prometido por el Rey. También es testigo de la llegada de Tuptim, traída de Birmania por Lun Tha, como un regalo para el rey de Siam, quien dedica una canción a su nuevo amo (My Lord and Master) El Rey está satisfecho con Tuptim, y hace oídos sordos a las quejas de Ana por tener que vivir en el palacio. A continuación, llama a sus sesenta y siete príncipes para satisfacer a Ana. Ellos aparecen formando una impresionante procesión. Después de salir, Lady Thiang despierta la simpatía de Anna hacia Tuptim explicando que Tuptim y Lun Tha están profundamente enamorados y que, una vez que Lun Tha regrese a Birmania, nunca volverán a verse. Anna se conmueve, pues jamás puede olvidar lo mucho que había amado a su marido Tom, ahora muerto.


R. Rodgers - My Lord and Master - The king and I

martes, 2 de noviembre de 2010

ÁNIMAS – El holandés errante -Año I. Nº 30

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Albert Pinkham Ryder -The Flying Dutchman - c. 1896
Albert Pinkham Ryder - El holandés errante - c. 1896  (Smithsonian American Art Museum)

Las escenas marinas de Pinkham, sumamente subjetivas, reflejan su sentimiento del desamparo humano ante las fuerzas de la naturaleza. Su particular iluminación amarillenta, intensifica la atmósfera de misterio.


Wagner coronó la composición El holandés errante (Der fliegende Holländer) en 1841 con el lema “per aspera adastra” (“por la adversidad hacia las estrellas”) Emocionantes vivencias personales, como su huida a Riga, junto a dolorosos fracasos profesionales en París confluyen en la composición de esta ópera romántica. El libreto fue realizado por el compositor a partir de "Aus den Memorien des Herren von Schnabelewopski" de H. Heine y se centra en la leyenda del holandés errante condenado a navegar eternamente por una maldición infernal hasta ser rescatado por la fidelidad de una mujer. La trama se sitúa en Noruega y se centra en el trágico sacrificio de la joven Senta, que rompe su compromiso con el atormentado Erik para salvar al holandés.

ACTO III – Ensenada de orillas rocosas
Se prepara una fiesta. Llegan las muchachas con cestos de comida y bebida e invitan a la tripulación del Holandés a sumarse a la fiesta, pero tan sólo obtienen un misterioso silencio como respuesta. Insisten varias veces junto a los marineros y terminan recordando con sorna la leyenda del Holandés errante y su tripulación fantasma; las muchachas entregan sus cestos y salen. Los marineros noruegos reanudan su canción con mayor algarabía pero estalla una tormenta en los alrededores del buque fantasma que desemboca en un coro sobrenatural (Hohohoe! Hohohoe!); los marineros noruegos tratan de imponer su canción, conformando un espectacular número de doble coro, aunque al final desisten y abandonan la cubierta horrorizados entre fantasmales risotadas de la tripulación del Holandés.


Richard Wagner - Hohohoe! Hohohoe! - El holandés errante

viernes, 6 de agosto de 2010

SOBRE EL AMOR Y DESAMOR - Locura -Año I. Nº 19

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Desconocido - Mississippi
Desconocido - Mississippi

En el año 1811 se inició la navegación a vapor por el río Misisipi. Si bien los primeros barcos no fueron del todo exitosos, con el tiempo sus diseños se mejoraron hasta conseguir un buque diferente a todo lo conocido. Los vapores del Misisipi, permitían la navegación segura y eficiente, transportando carga y pasaje en una época en que las comunicaciones fluviales eran vitales para el desarrollo de la nación. Prestaron servicios por más de 100 años hasta que nuevas formas de transporte los sustituyeron. Hoy solo unas pocas réplicas de estos barcos navegan con fines turísticos, pero sobreviven sus historias convertidas en leyenda. La silueta de los vapores del Misisipi, con sus altas chimeneas, arqueadas cubiertas y ruedas de paletas son un icono de la conquista del oeste de los EEUU.


Jerome Kern tuvo el doble mérito de haber escrito la más grande opereta americana, Show Boat (1927), así como ser considerado el "padre del musical americano". Fue el primero en integrar texto con canciones logrando un conformar una suerte de opereta americana de fuerte contenido racial y critica social.

Narra la historia del barco showboat (teatro flotante), llamado Cottom Blossom, en sus travesías por el Mississippi a través de 47 años. La mulata Julie, quien interpreta la parte más amarga de la historia, canta dos canciones, quizás las que menos pueden encasillarse en este género: Can’t Help Lovin’ Dat Man y Bill. La primera se interpreta como un número lento de blues.


Jerome Kern - Can’t Help Lovin’ Dat Man - Show boat

martes, 3 de agosto de 2010

MITOLOGÍA - Iphigénie en Táuride -Año I. Nº 18

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Benjamin West - Orestes y Pílades frente a Ifigenia - 1766
Benjamin West - Orestes y Pílades frente a Ifigenia - 1766  (Tate Gallery, Londres)

West toma el tema del cuadro del tercer acto de una obra del autor clásico Eurípides titulada “Ifigenia en Táuride”. En el pasaje representado por West, Ifigenia, una sacerdotisa de Diana, se encuentra en un juicio, ante las figuras semi-desnudas de su hermano Orestes (con el paño rojo) y su primo y compañero Pílades, que son llevados ante ella, atados, por el pastor (en el centro) que había informado previamente de su captura. Delante de Ifigenia, y separándola de los dos hombres, se encuentra un pequeño altar sobre el que los dos hombres han de ser sacrificados por su acto sacrílego. Al fondo, a la entrada del templo, se encuentra la estatua de oro de Diana que Orestes, por mandato del oráculo de Delfos, debía llevar a Atenas en reparación por el asesinato de su madre Clitemnestra, y que estaba tratando de conseguir cuando fue arrestado.


Durante el siglo XVIII fueron varios los compositores que escribieron óperas con el título de Iphigénie en Táuride y entre todas ellas cabe destacar la compuesta por Christoph Willibald Gluck con libreto de Nicolas-François Guillard, estrenada en París, el 18 de mayo de 1779. Las arias "O toi qui prolongeas mes jours" y "O malhereuse Iphigenie" (“¡Ay desdichada Ifigenia!”, acto II, escena VI) son las más conocidas e integran a menudo el repertorio de sopranos y mezzosopranos.

Años atrás, el padre de Ifigenia, Agamenón, decide sacrificar a su hija cumpliendo la condición impuesta por el oráculo para seguir viaje de su armada hacia Troya. La doncella ha sido salvada en el último momento por la diosa Artemisa y transportada a Táuride donde es máxima sacerdotisa del Templo de Diana (o Artemisa). Gobernada por el rey Toante, el oráculo determina que los primeros extranjeros que pisen la isla sean sacrificados para aplacar a los dioses del Olimpo. Náufragos de una tormenta, el infeliz Orestes perseguido por las Furias por haber matado a su adúltera madre Clitemnestra- y su amigo Pílades son capturados y llevados para su ejecución ante la sacerdotisa Ifigenia, quien no reconoce a su hermano. Ifigenia pregunta por el destino de su familia a Orestes quien le cuenta que sólo su hermana Electra permanece viva luego de que Orestes asesinara a su madre y se diera muerte. La sacerdotisa decide liberar a uno de los dos para que lleve noticias a Argos sobre su destino en Táuride. Ifigenia libera a Orestes pero éste cede el puesto a Pílades. Cuando Ifigenia se dispone a sacrificar a Orestes, éste menciona su nombre y ella lo reconoce. La feliz reunión se ve interrumpida por el rey Toante quien furioso ordena el sacrificio de los dos hermanos. El fatal desenlace es impedido por el regreso de Pílades con un grupo de soldados y la intervención mágica de Artemisa que perdona a Orestes, enviándolo como rey a Micenas y retorna a Ifigenia a su comarca.


Christoph Willibald Gluck - O malhereuse Iphigenie - Ifigenia en Táuride

viernes, 30 de julio de 2010

MITOLOGÍA - El camino es siempre marcha hacia adelante -Año I. Nº 17

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Nicolas Poussin - Orfeo y Euridice 1649-51
Nicolas Poussin - Orfeo y Euridice 1649-51  (Louvre)

La obra evoca a partir de Ovidio el tema de Orfeo, el hijo de la Musa Calíope, que representa el canto y la música. Estaba casado con Eurídice, hija de Apolo, que murió a consecuencia de la mordedura de una serpiente en el talón. Orfeo bajó a los Infiernos con su lira, y con su canto conmovió a los dioses, aunque no logró recuperar a su esposa. Poussin puso, con todo, su énfasis en el orden y armonía de la Naturaleza representada, más que en la narración, o en los efectos atmosféricos, como hacía Claudio de Lorena. Así, el paisaje, aunque tomado del natural - podemos reconocer, por ejemplo, el Castillo de Sant'Angelo o el puente Milvio de Roma - aparece como una construcción arquitectónica, con planos muy definidos y en un espacio delimitado.


Orfeo en los Infiernos (con el título original Orphée aux enfers) es una ópera cómica escrita por el compositor Jacques Offenbach. Fue estrenada en el Théâtre des Bouffes de París el 21 de octubre de 1858.

La obra hace referencia al mito del poeta y músico Orfeo y su esposa, Eurídice, el mito amoroso más antiguo de la Grecia clásica. La obra supuso una verdadera revolución en su época por atreverse a cometer la trasgresión, por primera vez en la historia de la música, de abordar de forma cómica un argumento mitológico, hasta entonces exclusivamente reservado a la música culta (en la ópera) En el último acto puede escucharse el Galop infernal, celebérrimo can-can profusamente utilizado hasta nuestros días.


Jacques Offenbach - Galop Infernal - Orfeo en los Infiernos

miércoles, 14 de julio de 2010

ESPAÑA – La emoción de la victoria -Año I. Nº 15

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Diego Velázquez - La rendicion de Breda - c.1635
Diego Velázquez - La rendicion de Breda - c.1635  (El Prado, Madrid)

Ambrosio Spínola, general genovés al mando de los tercios de Flandes, recibe del gobernador holandés, Justino de Nassau, las llaves de la ciudad de Breda, rendida tras un largo asedio. El hecho, acaecido el 5 de junio de 1625, se consideró en su momento un episodio clave de la larga guerra que mantuvieron los españoles para evitar la independencia holandesa. La obra, con clara finalidad de propaganda política, insiste en el concepto de clemencia de la monarquía hispánica. A diferencia de otros cuadros de historia contemporánea, el autor no se recrea en la victoria, y la batalla tan solo está presente en el fondo humeante. El pintor centra la atención en el primer plano en el que se desarrolla no tanto el final de la guerra como el principio de la paz.


El vals España es un arreglo que realizó en 1886 el compositor francés Emil Waldteufel, que incluye temas de la Rapsodia Española (1883) compuesta por el también compositor francés E. Chabrier. Al contrario de lo que normalmente ocurre con estos arreglos, el vals alcanzó, en su tiempo, tanta notoriedad y fama como la obra original.

España, rapsodie pour orchestre ou Rapsodie España (España, rapsodia para orquesta) es una obra de Emmanuel Chabrier, escrita y estrenada en 1883 y dedicada al director de orquesta Charles Lamoreux. La pieza tuvo su fuente de inspiración en un viaje a España que Chabrier realizó con su esposa en 1882. Durante su visita, se aprendió los géneros folclóricos locales, y volvió con la idea de trabajar en una pieza voluptuosa y poderosa evocándolos. La pieza, originalmente llamada Jota y más tarde titulada España, recibió excelentes críticas, y algunos consideraron que comenzó la tendencia de música con sabor español que culminó con Iberia de Debussy.


Emil Waldteufel - España, vals op. 236


Emmanuel Chabrier - España, rapsodie pour orchestre

viernes, 25 de junio de 2010

DEPORTES – Carreras de caballos -Año I. Nº 10

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Edgar Degas - En las carreras ante las tribunas 1869-72
Edgar Degas - En las carreras ante las tribunas - 1869-72  (Museo d'Orsay, París)

Esta es una de las primeras pinturas que realiza sobre el tema de las carreras. El autor traduce la atmósfera de un hipódromo donde tan solo el movimiento nervioso del último pura sangre permite percibir la inminencia de la partida. La elección de ese instante, aparentemente banal, manifiesta la voluntad de disminuir la importancia del "tema" en la pintura. Degas da la primacía a la luz y al dibujo: se interesa más en las siluetas de los jinetes y en sus monturas que en la partida de la carrera. Deja de lado voluntariamente ciertos elementos que permitirían identificar el lugar o a los propietarios de los caballos, como el color de las chaquetillas. Los motivos del cuadro en diagonal, los fuertes contrastes de luz y sobre todo las sombras de los caballos, subrayan aún más la perspectiva hasta el punto de fuga situado obviamente al centro, que da realce al último jockey.


El estreno de la Jokey, Polka schnell op. 278 tuvo lugar durante un baile benéfico, el 17 de febrero de 1870, en los salones de la Gartenbaugesellschaft (Sociedad de Jardineros). En esta ocasión, cuando la obra fue interpretada por primera vez, uno puede imaginarse a los bailarines azotados en un frenesí, girando al compás de esta polca.

Josef Strauss tuvo debilidad, a lo largo de su vida, por el deporte de las carreras de caballos. No sabemos, sin embargo, si visitaba regularmente el hipódromo en el Prater vienés. Como director de la orquesta Strauss, presentó varias composiciones cuyos títulos insinúan en el interés que 'Pepi' tenía por las carreras de caballos. La última de estas composiciones fue interpretada durante la temporada de carnaval de 1870, que también resultó ser el último de su corta vida.


Josef Strauss - Jokey, Polka schnell op. 278

miércoles, 2 de junio de 2010

INSECTOS - La mariposa -Año I. Nº 4

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Salvador Dalí - Paisaje con mariposas - 1956
Salvador Dalí - Paisaje con mariposas - 1956  (Colección privada)

Ésta es otra pieza surrealista del autor. En esta obra destaca el diseño en hélice, un punto central de su arte del paisaje. La estructura del ADN simboliza a Dios y su presencia. Los críticos interpretan que las mariposas representan la tranquilidad de Dios.


En los siglos XVIII y XIX no había discos. Los autores, para promocionar y dar a conocer sus obras, preparaban adaptaciones para piano o pequeñas orquestas de modo que fuera posible interpretar la música en las casas particulares. Éste es el caso de las danzas que preparó W. A. Mozart, basándose en el aria "Non piu andrai farfallone amoroso" ("No irás más, mariposón amoroso"), de su divertida ópera Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro) de 1786.

El aria que inspira estas danzas es alegre y vivaz. Reforzada por las trompas y timbales, para darle un aire más militar e imitar el sonido de la guerra. La encontramos al final del primer acto de la ópera. En ella Fígaro describe a Cherubino, joven paje al servicio del Conde de Almaviva, un mariposón (farfallone) en lenguaje coloquial, la vida militar, muy alejada de la forma de vivir que lleva “turbando el reposo de las bellas”.


Wolfgang A. Mozart - Kontratanz Non piu andrai K609 Nr. 1


Wolfgang A. Mozart - Kontratanz Non piu andrai K609 Nr. 3


Wolfgang A. Mozart - Non piu andrai farfallone amoroso - Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro)

viernes, 28 de mayo de 2010

RECITAL DE ZARZUELA - La Paloma -Año I. Nº 3

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J. Diéguez - Grabado de F. A. Barbieri - 1894
J. Diéguez - Grabado de F. A. Barbieri - 1894

La trascendencia de Francisco Asenjo Barbieri en la música española es triple: fue un excelente compositor, un director de orquesta capaz, a quien se debe la introducción en España de muchas obras sinfónicas del continente europeo, y un incansable musicólogo, responsable de la recuperación y edición del patrimonio antiguo de su patria.


La zarzuela El Barberillo de Lavapiés de Francisco Asenjo Barbieri, con libreto de Luis Mariano de Larra, fue estrenada en Teatro de la Zarzuela el 19 de diciembre de 1874.

Paloma, la heroína de la zarzuela, es una muchacha humilde, nacida en un barrio pobre de Madrid, que irrumpe en escena presumiendo de su origen "Como nací en la calle de la Paloma". Su decisión la llevará a conseguir lo que su corazón espera.


Francisco A. Barbieri - Entrada de Paloma - El Barberillo de Lavapiés

viernes, 21 de mayo de 2010

RETRATOS DE MUJER - El cotilleo -Año I. Nº 2

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Los chismosos o Las malas lenguas - Norman Rockwell, 1948  (Norman Rockwell Museum)

Rockwell tuvo la idea 20 años antes pero no dio con el final hasta que pensó en sí mismo como sujeto del círculo de chismes del cuadro; usó a sus vecinos en Arlington, Vermont, como las otras figuras de la pintura. Fueron enviadas miles de cartas a "The Saturday Evening Post" preguntando cuál era el chisme que se pasaban, pero nunca dieron una respuesta. A fin de cuentas nos hace un relato muy pormenorizado, a base de gestos, de cómo un chisme puede volverse contra el que lo extiende, y nos deja a nosotros que imaginemos las conversaciones. En una entrevista en diciembre de 1948, Rockwell recordó que la mujer que posó para la primera dama de la pintura, la que comienza el chisme, estaba todavía un poco molesta por su representación. No todos sus modelos fueron críticos: uno de ellos le dijo a un reportero, "Es más divertido posar para él que ir al cine. Norman nos mantiene expectantes con sus divertidas historias."


Me fascina la musicalidad de la palabra chismosear, así que a partir de ahora utilizaré Chismosear, como título de esta alegre miniatura musical, Tritsch-Tratsch, Polka op 214 de Johann Strauss II estrenada en 1858, después de una exitosa gira por Rusia durante la temporada de conciertos estivales en el palacio Pávlovsk, cerca de San Petersburgo.

En una ocasión, escribiendo un artículo sobre la exitosa polka escrita por Johann Strauss (hijo) en 1858, me encontré en la tesitura de traducir el título. Busqué otras fuentes y llegué a una traducción, generalmente aceptada, que la denominaba ‘Chit-Chat’ y que puede referirse a la pasión de los habitantes de la ciudad de Viena por los cotilleos (por cierto, cuando varios amigos quedan para chatear en internet, lo hacen para compartir vinos o chatos, según la Real Academia, ¿cómo lo harán?)


JOHANN STRAUSS II - Tritsch-Tratsch-Polka; Polka schnell; op. 214

viernes, 14 de mayo de 2010

EN LA NATURALEZA - Las hojas -Año I. Nº 1

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Hojas de otoño - John Everett Millais,1856  (Manchester City Art Gallery)

¿Recuerdas la leyenda de Jason y los Argonautas, una de las más importantes epopeyas de los tiempos mitológicos, en la que participaron los guerreros más selectos de Grecia? Se embarcaron en pos del mítico Vellocino de oro, en una aventura incierta sin saber la fecha de retorno. Al igual que ellos, me dispongo a iniciar un viaje musical, por parajes insólitos que despertarán toda clase de emociones y que no pretende otra cosa que ayudar a comprender mejor y a disfrutar de la música llamémosla “culta”. ¿Te apuntas?


Este cuadro de Millais es una alegoría sobre la fugacidad de la vida. Cuatro niñas de diferentes edades amontonan hojas secas para hacer una fogata al atardecer (el humo está empezando a salir por el lado izquierdo). A pesar de que aún son muy jóvenes, todas ellas llegarán tarde o temprano al otoño de sus vidas y también perderán la inocencia mordiendo la manzana del pecado (la que sujeta la más pequeña en su mano). El otoño es la madurez, la etapa de la vida situada entre la juventud (verano) y la senectud (invierno), al igual que el ocaso que vemos al fondo, que separa el día de la noche.


El joven compositor venezolano, afincado en París, Reynaldo Hahn compuso Premières Valses, serie de diez valses para piano precedidos de una invitación al vals, que fueron ofrecidos por su editor Monsieur Heugel como suplementos a sus lectores de “Ménestrel”, en octubre y noviembre de 1898.

La mayoría de estos valses fueron escritos para amigos pianistas del compositor. Concretamente el Vals Nº 9, La feuille (La hoja), vals lento muy sentimental, que languidece en la bemol, está dedicado al Sr. Antonin Marmontel.


Hahn - Vals Nº 9, La feuille - Premières Valses

 
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