LA PRINCESA DE LAS CSARDAS – El que esté libre de pecado... -Año XIV. Nº 841

Anónimo - Violinistas gitanos - ca. 1890-1910 (Archivo de Arte e Historia, Berlín)

 

Pintura

Litografía en color, procedente de la colección de ilustraciones de la Liebig Company’s Fleisch-Extract, serie dedicada a los instrumentos musicales, debida al impresor Herm. Schött, que representa a unos violinistas gitanos húngaros y a su instrumento.

Música

Die Csárdásfürstin, tan soberana al principio, que naturalmente adquirió un título feudal al llegar a la cima del arte que ella misma cultivó, de manera alguna heredado en forma dinástica, habrá de olvidar en lo sucesivo el ritmo y la cadencia de esa plebeya danza de taberna o sublimarla en silencio. Los autores elogian el suicidio caracterológico al que Sylva condena su genial habilidad, su manera libre de vivir, su singularidad aclamada por doquier, en aras de un hombre y un rango, que en todo caso prometen un destino adocenado, noble pero insípido. Con su canto y su baile, Sylva logró acceder a las esferas más exquisitas para enmudecer y quedarse inmóvil en ellas.

En el foyer de un hotel de Viena, Boni trata de mitigar la congoja de Sylva porque se siente denigrada por Edwin, a quien ama todavía. Sólo consigue distraerla el viejo Feri. Secundado por una orquesta gitana, apela a la apasionada artista para que olvide sus cuitas de amor (“Nimm, Zigeuner, deine Geige” – “Toma tu violín, gitano”) Todo se arregla cuando alguien le recuerda al príncipe que él mismo pudo casarse con su esposa, antigua cantante de varieté, después de que ésta se convirtiera en noble a través del matrimonio con Feri. Y Stasi no tiene inconveniente en cambiar a Edwin por Boni.

Emmerich Kálmán - No. 14 “Nimm, Zigeuner, deine Geige” - Die Csárdásfürstin

LA PRINCESA DE LAS CSARDAS – Entre ángeles -Año XIV. Nº 840

Klimt - Musik - 1901 (Colección Privada)

 

Pintura

Esta litografía realizada por Klimt, tomando como modelo la figura principal del lienzo “La música I”, pintado seis años antes, estuvo destinada a la ilustración de la revista "Ver Sacrum" el órgano de la Secesión de Viena. El artista manifiesta aún ciertas maneras clasicistas, en sintonía con el primer estilo, inspirado en el historicismo de Makart. Así vemos a la figura que simboliza a la Música vestida a la griega, tañendo una lira, mientras que los frescos que decoran la pared tienen también inspiración clásica. Sin embargo, podemos apuntar que, al igual que ocurre en la Antigüedad Griega, encontramos referencias a las mujeres vienesas del momento como el rostro o los cabellos, convirtiéndose así en los primeros ejemplos de "feme fatale" pintados por Klimt. La línea sinuosa y el decorativismo incipiente serán claves en esta etapa formativa del maestro, acentuando años después estas características para formar su estilo definitivo.

Música

En este momento de la acción de Die Csárdásfürstin, opereta en tres actos con música de Emmerich Kálmán y libreto de Leo Stein y Béla Jenbach, que fue estrenada el 17 de noviembre de 1915 en el teatro Johann Strauss de Viena, cuando el compás de tres por cuatro se impone por última y la más bella vez, Sylva y Edwin están en una situación soberana. Se conciben como sujetos al vals. Ellos lo bailan, no él a ellos. A un impulso centrípeto rodean el centro, la bella utopía de su amor indestructible. En ese momento, mientras cantan y bailan creen ella con tanta certidumbre que los ulteriores momentos de indecisión e insípido compromiso podrían parecer increíbles.

Boni saca a bailar a Stasi, momento que aprovecha Edwin para hablar con Sylva y pedirle explicaciones por su boda con el conde. Cuando Boni, más tarde, le anuncia que está dispuesto a dejarla libre para que se case con Edwin, ambos estallan en felicidad (“Tanzen möcht’ich, / jauchzen möct’ich / in die Welt es schrein” – “Quisiera bailar, quisiera lanzar gritos de júbilo / gritar para que escuche todo el mundo”) Pero al anunciarse formalmente el compromiso de Edwin y Stasi, Sylva, muy molesta, rompe el protocolo notarial por el cual Edwin le prometía casamiento.

Emmerich Kálmán - No. 12 “Tanzen möcht’ich” - Die Csárdásfürstin

LA PRINCESA DE LAS CSARDAS – Amor nunca extinguido -Año XIV. Nº 839

Manuel Orazi - Anuncio del papel de liar Job - s. XX

 

Pintura

Este cartel de Orazi, muy sugerente, provocador para la época, anuncia papel de fumar de liar marca Job Chevete. Lo provocador está en el cigarro, su mujer es atrevida. Aunque en aquella época se usaba la mujer en la publicidad, no se la sacaba fumando (en anuncios de tabaco)

Música

Tres acontecimientos musicales determinan el desarrollo escénico en Die Csárdásfürstin, opereta en tres actos con música de Emmerich Kálmán y libreto de Leo Stein y Béla Jenbach, que fue estrenada el 17 de noviembre de 1915 en el teatro Johann Strauss de Viena, las decisivas estaciones vivenciales de Sylva. Primeramente, la artista triunfante, la rústica montañesa convertida en una virtuosa que en el ínterin ha conquistado a la metrópolis, en todo caso a los calaveras que la asedian; luego la mujer en alas de su amor que, entre numerosos admiradores no interesados en un compromiso, cree haber ganado con su canto al único digno de su corazón; por último la amante profundamente afligida que busca y encuentra nuevas fuerzas en el czárdás de fuego que siempre la ha enardecido.

El amor nunca extinguido se aviva cuando Edwin y Sylva vuelven a encontrarse (“Weisst du es noch” – “Recuerda aún”) Edwin acosa a su amigo el conde Boni, presuntamente casado con Sylva, para que se divorcie inmediatamente, pues en su calidad de condesa podrá casarse con él sin oposición.

Emmerich Kálmán - No. 9 “Weisst du es noch” - Die Csárdásfürstin

LA PRINCESA DE LAS CSARDAS – Nido de amor -Año XIV. Nº 838

John Hassall - Newmarket - c. 1896  (Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona)

 

Pintura

Hassall realizó este cartel para su amigo Lluís Plandiura, con motivo de la inauguración de una Exposición de Carteles en el Círculo Artístico. Se trata de una litografía en color sobre papel, en la que aparece la inscripción “Poppy and Her Trainer” (Poppy y su entrenador), sobre un tema hípico (como puede observarse en el vestuario para montar que lleva la mujer y los tres caballos con sus jinetes al fondo)

Música

En Die Csárdásfürstin, opereta en tres actos con música de Emmerich Kálmán y libreto de Leo Stein y Béla Jenbach, que fue estrenada el 17 de noviembre de 1915 en el teatro Johann Strauss de Viena, la sátira sólo ataca a figuras de primer plano, en cambio el principio feudal se mantiene incólume. Precisamente se impone allí, donde la obra tiene su finalidad dramático-musical. No es la heroína, la cantante y bailarina intrusa quien arranca al manso Edwin del recinto de su palacio para arrastrarlo a la peligrosa vida bohemia, sino a la inversa. Es Sylva quien se deja domar en la jaula de la alta aristocracia. De ese modo sirve en secreto a la tradición renovadora de la sangre de la dinastía Lippert-Weylersheim. La madre de Edwin puede dar testimonio de cómo perdió las ganas de cantar metida en el corset principesco.

Dos meses más tarde se celebra una gran fiesta en el palacio que el príncipe tiene en Viena. Edwin y Stasi aceptan de grado o por fuerza el compromiso que dará a conocer ese día (“Machen wir’s den Schwalben nach / baum wir uns ein Nest” – “Imitemos a las golondrinas / construyamos nuestro nido”) A Edwin, sobre todo, le resulta muy penoso aun cuando Sylva no contestó ninguna de sus cartas de amor.

Emmerich Kálmán - No. 8 “Machen wir’s den Schwalben nach / baum wir uns ein Nest” - Die Csárdásfürstin

LA PRINCESA DE LAS CSARDAS – Felicidad inalcanzable -Año XIV. Nº 837

Alfons Mucha - Danza - 1898  (Colección privada)

 

Pintura

Las artes personifican a través de sensuales mujeres la Danza, la Música, la Pintura y la Poesía. Al igual que otras pinturas en secuencia de Mucha, estas obras revelan el estado de ánimo de los personajes ante las diferentes manifestaciones artísticas. Los detalles bizantinos de los marcos y los círculos que contienen a la figura femenina que transporta al espectador a la sensación que producen las artes en las personas. La sensación de libertad también se manifiesta en esta secuencia, a través de la ropa, las actitudes y los peinados de las mujeres. El artista manifiesta las diferentes artes a través de mujeres en diferentes actitudes sin utilizar otros elementos (como instrumentos musicales para la música o la danza, ni plumas o pinceles para la poesía o la pintura)

Música

Die Csárdásfürstin no es sólo la pieza más popular de Kálmán, sino también la síntesis de esa clase de operetas discrepantes que en torno a la Primera Guerra Mundial invalidan y ratifican a la vez el feudalismo tardío, desde hace mucho decadente, se burlan de él y lo glorifican. Fue estrenada el 17 de noviembre de 1915 en el teatro Johann Strauss de Viena.

A Sylva le cuesta separarse de su amado Edwin. Antes de despedirse canta una nueva canción para sus amigos y admiradores (“O jag dem Glück nicht nach” – “Oh, no persigas la felicidad”) Pero él también habrá de abandonarla, pues en ese momento su primo le ha traído la noticia de su incorporación a los altos mandos del ejército, promovida por su padre, el príncipe excesivamente consciente de su posición de clase, para alejarle de ella. Edwin manda buscar un notario y declara que se casará con Sylva al cabo de ocho semanas. No sospecha que su padre ha mandado imprimir las participaciones de su compromiso con Stasi, una de las cuales llega a manos de Sylva quien se siente víctima de un alevoso engaño.

Emmerich Kálmán - No. 5 “O jag dem Glück nicht nach” - Die Csárdásfürstin

LA PRINCESA DE LAS CSARDAS – Despedida a lo grande -Año XIV. Nº 836

Jules Cheret - Cartel anunciador del 'Olympia' - 1893

 

Pintura

“Con brillo y brío, por no decir con un par de címbalos, el duende exuberante, descaradamente hedonista nos llama al Olympia para disfrutar de las 'montañas rusas' (Montagnes Russes)” Este cartel de Cheret fue utilizado para el anuncio de la apertura de este establecimiento. Fue uno de los primeros lugares en París que se denominó 'music-hall,' tomando prestado la denominación del mundo del espectáculo británico. Se prometía un viaje accidentado, como atractivo añadido a los espectáculos habituales presentados en el escenario, pero llamarlo montaña rusa fue probablemente eufemístico. El Olimpia abrió en París en abril de 1893. Desde el principio se consideró que el encanto femenino para todos tenía valor. Como quiera que se llamaran sus variadas revistas, siempre contó con hermosas chicas ataviadas con ropas ligeras. Quince años antes de los intentos de Florenz Ziegfeld de glorificar a la muchacha americana, la demostración del atractivo sexual en el escenario estaba en pleno apogeo en París.

Música

Die Csárdásfürstin (se suele traducir como La princesa gitana aunque literalmente significa La princesa de las csárdás) es una opereta en tres actos con música de Emmerich Kálmán y libreto de Leo Stein y Béla Jenbach, que fue estrenada el 17 de noviembre de 1915 en el teatro Johann Strauss de Viena.

En el cabaret Orpheum de Budapest, la cantante Sylva Varescu canta, para obsequiar a los presentes, unas fogosas csardas (Preludio y entrada de Sylva) Con esta canción se despide del Orpheum, pues al día siguiente emprenderá una gira por los Estados Unidos.

Emmerich Kálmán - Preludio - Die Csárdásfürstin


Emmerich Kálmán - No.1 Entrada de Sylva - Die Csárdásfürstin

LOS COLORES DEL PIANO – Oración -Año XIV. Nº 835

Moritz von Schwind - Schubertiade - 1868

 

Pintura

Dibujo realizado por von Schwind a partir de sus recuerdos de las reuniones amistosas de artistas vieneses en las que participaba y en las que se leían y comentaban las obras literarias, se hacía música, se bailaba, se reía y se lloraba. Hasta tal punto la inspiración que aportaba Schubert a aquellas reuniones era esencial que acabaron llamándose schubertiadas. La imagen muestra a Franz Schubert al piano, así como a Josef von Spaun, Johann Michael Vogl, Franz Lachner, Moritz von Schwind, Wilhelm August Rieder, Leopold Kupelwieser, Eduard von Bauernfeld, Franz von Schober, Franz Grillparzer y, en la pintura de la pared, la Condesa Karoline Esterházy.

Música

La Sonata para piano en La menor, D. 784, publicada póstumamente con el Op. 143, fue compuesta por Franz Schubert en febrero de 1823, tras la enfermedad sufrida en el año anterior.

El 8 de mayo 1823 Schubert escribió un poema llamado "Mein Gebet" ("Mi oración"), en la que expresó el anhelo por la comodidad de la muerte. Él se encontraba en sus veintitantos años, y su desesperación era causada, sin duda, por la primera manifestación de la enfermedad venérea que trágicamente iba matarlo a una edad tan temprana. En el verano de ese mismo año compuso varias de las canciones de su ciclo de amor traicionado, "Die Schone Mullerin", durante una estancia en el hospital; y ciertamente no es difícil ver un reflejo de su estado de ánimo en su primera gran obra de 1823, la Sonata para piano en La menor, D. 784.

Franz Schubert - II. Andante - Sonata para piano en La menor, D. 784

LOS COLORES DEL PIANO – Fantasía -Año XIV. Nº 834

Julius Schmid - Schubertiade - 1897 (Museo de la Sociedad de amigos de la música, Viena)

 

Pintura

Hay dos representaciones famosas de Schubertiades. El primero es un dibujo realizado "de memoria" por el contemporáneo de Schubert, Moritz von Schwind, que muestra una escena relativamente íntima. El dibujo muestra a Schubert al piano, con Johann Michael Vogl y un círculo de amigos rodeándolos. La mujer del cuadro en la pared es el supuesto amor no correspondido de Schubert, la condesa Karoline Esterházy. En contraste, la obra de Schmid es un asunto algo más formal, y las personas en la pintura no son reconocibles como amigos de Schubert.

Música

La Sonata en sol mayor, D. 894, también conocida como Fantasie-Sonata fue compuesta en el otoño de 1826, poco después del otro único trabajo instrumental de Franz Schubert a gran escala en sol mayor, el Cuarteto de Cuerdas, D. 887.

El movimiento final es un rondó con episodios en estilo ecossaise. El segundo de ellos es bastante expansivo al adoptar la forma de una danza independiente, completa, con un trío cuya melancólica melodía sufre un radiante y radical cambio.

Franz Schubert - II. Andante - Sonata para piano en sol mayor, D. 894

LOS COLORES DEL PIANO – Escalas virtuosas -Año XIV. Nº 833

Childe Hassam - Al Piano - c. 1908  (Museo de Arte, Cincinnati)

 

Pintura

Entre las muchas obras en las que el artista representó un piano y flores se encuentra esta obra, en las que aparecen rosas sobre el instrumento y en la mesa lateral y un gran pittosporum , conocido vulgarmente como azahar de la China, en un jarrón de cerámica en el suelo. Gran parte del mejor trabajo de Hassam se relaciona directamente con de los impresionistas franceses, a pesar de las declaraciones de Hassam en sentido contrario. Estos años principales de exposición dejaron su trabajo marcado por colores brillantes, apresurados, pinceladas cortas y un énfasis en el juego de luces que era común en el trabajo de Monet, Degas y Caillebotte.

Música

Franz Schubert compuso los Cuatro Impromptus, Op.posth.142 (D. 935) en 1827.

El tercer impromptu del grupo es un conjunto de variaciones sobre la famosa melodía que Schubert ya había utilizado en la música de «Rosamunda» y el Cuarteto en la menor, D. 804. Hay cinco variaciones en total, la última de las cuales está construida de brillantes escalas virtuosas que finalmente dan lugar a una coda sublime, casi coral.

Franz Schubert - No. 3 - Cuatro Impromptus, Op.posth.142 (D. 935)

LOS COLORES DEL PIANO – Canto tierno y sereno -Año XIV. Nº 832

Baron Francois-Pascal-Simon Gerard - Comtesse de Morel-Vinde y su hija (La lección de música) - 1799  (San Francisco Fine Arts)

 

Pintura

Gerard, recibió el encargo de retratar a la Comtesse de Morel-Vinde y su hija en 1799. La Revolución francesa tuvo lugar en 1789, pero estos aristócratas lograron retener sus títulos y sus cabezas. Estas mujeres, estoicas y virtuosas, llevan vestidos con forma de columna que imitaban las cortinas griegas y romanas, rechazando así el estilo y los valores del movimiento rococó. La hija se toma un descanso de su lección de piano donde su partitura dice "Para mi madre". Las dos se han estrechado amorosamente las manos en el centro exacto de la imagen. El gesto puede parecer un poco incómodo al principio, pero de manera más visible, Gerard ha creado la forma de un corazón.

Música

Los Cuatro Impromptus, op. 90 (D. 899) fueron probablemente compuestos, al menos en parte, durante la estancia de Franz Schubert en Dornbach, en el verano de 1827. Y parece que todos se trasladaron al papel en el momento en que el compositor llegó a Graz en septiembre.

El tercer Impromptu es, indudablemente, el más hermoso de la serie, a la vez que el más acariciado por el público y también por los pianistas, en razón de su tierno y sereno canto, encargado a la mano derecha que se "autoacompaña" con arpegios quebrados en permanente sordina para no apagar la melodía. La mano izquierda hace "trinos" en el bajo, en los momentos que Franz estimó hacía falta.

Franz Schubert - No. 3 - Cuatro Impromptus, op. 90 (D. 899)

LOS COLORES DEL PIANO – La obra de un neófito -Año XIV. Nº 831

Edmund Blair Leighton - La lección de piano - 1896  (Colección privada)

 

Pintura

Pintura típica de Leighton que refleja el gusto victoriano tardío, una escena de la época de la "Regencia". Pudo haberse titulado, por su temática, “Canciones de otros años” o “Canto al reverendo”. El Período Regencia en el Reino Unido es el período entre 1811 y 1820, cuando el rey Jorge III fue considerado no apto para gobernar y su hijo Jorge IV fue instalado por la Regencia como príncipe. El término se aplica a los años comprendidos entre 1795 y 1837, una época caracterizada por modas distintas, la política y la cultura. En este sentido, puede ser considerado como un período de transición entre las épocas georgiana y victoriana.

Música

El Concierto para piano y orquesta nº 1 en mi bemol mayor, R 455, S.124 de Franz Liszt fue estrenado el 17 de febrero de 1855, con el propio autor actuando como solista y Hector Berlioz al frente de la orquesta. En la partitura manuscrita, Liszt denominó esta obra como concerto symphonique. El concierto está dedicado al también compositor y pianista Henry Litolff.

La génesis del concierto data de 1830, cuando el compositor esbozó el tema principal en un cuaderno. No fue, sin embargo, hasta la década de 1840 cuando el compositor comenzó realmente a trabajar en la obra. Como neófito en el arte de la orquestación — su producción hasta ese momento consistió casi exclusivamente en música para teclado — Liszt contó con la ayuda de su discípulo Joachim Raff para proporcionar a la obra un aspecto instrumental. Liszt concluyó el concierto en 1849, pero hizo una serie de revisiones en años sucesivos. La versión final de la obra data de 1856.

Franz Liszt - I. Movimiento - Concierto para piano y orquesta nº 1 en mi bemol mayor, R 455, S.124

EL CAZADOR FURTIVO – Encantamientos -Año XIV. Nº 830

Corrado Giaquinto - Paisaje con cazadores - 1753-60  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Un sendero por el que avanzan los cazadores precedidos por su perro. Fondo de paisaje muy rocoso, y en primer término, un árbol casi desnudo. Este lienzo es compañero de Paisaje con cascada, de igual dimensión, que también se conserva en el Museo del Prado. Estos paisajes constituyen una excepción en la producción de Giaquinto en España pues, aunque el artista recurre a fondos de paisaje en algunas composiciones religiosas o mitológicas, nunca, salvo en este caso, pinta paisajes puros.

Música

El estreno en el Teatro Real de Berlín, el 18 de junio de 1821, no sólo significó la indiscutible victoria de Weber, sino una de las fechas más importantes de la historia de la ópera alemana. El entusiasmo por la nueva obra repercutió ampliamente y se basó en diferentes sentimientos: el musical y, no en último término, el nacional. Era la época en que crecía la conciencia nacional alemana, que había cristalizado en la lucha contra Napoleón y tendía cada vez más nítidamente hacia la unión política del imperio. Con esta conciencia había igualmente una fuerte movilidad social: las mejores fuerzas de la burguesía fortalecían sus posiciones frente a la debilitada aristocracia. Por este motivo, Der Freischütz (El cazador furtivo), que contiene muchas de estas cosas, se convirtió en la expresión ideal de la joven burguesía nacionalista. Su éxito superó al de la mayor parte de las óperas románticas alemanas de entonces, pues había acertado plenamente al describir el espíritu de la época: a pesar del estilo «alemán», esta obra cruzó rápidamente las fronteras.

Kaspar está ocupado con ceremonias mágicas; construye un círculo de piedras alrededor de una calavera. Aparece Samiel, el diablo, en figura de «cazador negro». El plazo de Kaspar ha terminado. Su vida será prolongada sólo si consigue llevar una nueva víctima. Kaspar ofrece el alma de Max. El diablo acepta. Aparece Max, al principio retrocede asustado, pero pronto, con gran sufrimiento en el alma, se sienta al lado de Kaspar, que prepara la magia. Weber y su libretista rodearon esta escena de la lobera con abundancia de horrores románticos, especificaron con exactitud los fenómenos que debían aparecer y los dotaron de la música correspondiente. La tormenta estalla mientras se funden las balas con que Max espera conseguir al día siguiente la casa del guardabosque y la novia. En el punto culminante del sortilegio aparece el diablo. Entonces suena la una, la aparición se desvanece, la naturaleza se calma y Max se levanta.

Carl Maria von Weber - No. 10 Escena del encantamiento - Der Freischütz

EL CAZADOR FURTIVO – La novia del cazador -Año XIV. Nº 829

Charles Joseph Natoire - Un cazador y una joven descansando - s. XVIII  (Colección privada)

 

Pintura

En este cuadro, Natoire representa a una joven descansando junto a un cazador, mientras otro aparece apuntando con su arma. Aparecen otros elementos que aluden típicamente a la caza como los perros o el ayudante que sujeta una pieza abatida. El artista fue pintor de la gracia, la voluptuosidad y la alegría de vivir. Su pincelada era cálida y sensual.

Música

En la primavera de 1810, Weber permaneció en el castillo de Neuburg, cerca de Heidelberg; allí leyó el “Gespensterbuch” de August Apel y Friedrich Laun, recién aparecido. Es posible que la idea de hacer una ópera con la historia de Der Freischütz (El cazador furtivo) se concibiera ya entonces. Preparó un guión con este argumento, basado probablemente en un juicio celebrado en Bohemia en 1710. Pero el plan descansó durante siete años. Sólo en febrero de 1817 habló Weber sobre él con Johann Friedrich Kind, el libretista. De una carta del 19 de febrero de ese mismo año se desprende que Kind emprendió el trabajo de inmediato; de común acuerdo, la ópera habría de llamarse “Der Probesschuss” (“La prueba de tiro”). Gracias a Weber, sabemos que el 3 de marzo el libreto estaba terminado y que le habían cambiado el título por el de “Die Jagersbraut” (“La novia del cazador”) El compositor comenzó a escribir la música el 2 de julio de 1817, pero es posible que ya hubiera concebido algunas melodías. El trabajo duró casi tres años y se estrenó en Berlín en 1821. Ninguna otra obra del compositor había exigido tanto tiempo.

El acto segundo se desarrolla en la casa del guardabosque, aquella misma noche. En la habitación de Agathe, su prima Ännchen está colgando un cuadro que se ha caído. Ännchen entona una alegre canción (“Kommt ein schlanker Bursch gegangen”), pero Agathe está triste y preocupada. Cuando se queda sola, canta su amor y su ansiedad, al principio una plegaria piadosa ("Leise, leise" – "Suavemente, suavemente") que se hace más apasionada cuando ve llegar a su prometido. Entra Max en escena y también vuelve Ännchen. Max, entonces, les dice que debe dejarlas para ir a la Garganta del Lobo, desoyendo los ruegos de las muchachas para que desista de su intento.

Carl Maria von Weber - No. 7 Arietta de Ännchen - Der Freischütz


Carl Maria von Weber - No. 8 Escena y Aria de Agathe - Der Freischütz

EL CAZADOR FURTIVO – La prueba de tiro -Año XIV. Nº 828

Francisco de Goya - Cazador al lado de una fuente - 1786-87  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Un cazador, con la escopeta terciada sobre el regazo, descansa al lado de un manantial. El tapiz resultante de este cartón de Goya formaba parte de los que iban a decorar el comedor (?) de los Príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma) en el palacio de El Pardo. Su formato indica que era para la decoración de una sobrepuerta, formando pareja con el Pastor tocando la dulzaina. La serie iba a consistir en trece tapices con el tema de las Cuatro Estaciones y otras escenas campestres, descritas como "Pinturas de asuntos jocosos y agradables".

Música

El joven romanticismo alemán tenía predilección por las historias de espíritus y de fantasmas. La existencia de fuerzas sobrenaturales en la naturaleza fue tema de innumerables historias, novelas y piezas de teatro. Weber conocía ampliamente esta literatura y sobre todo una historia que trataba de una boda que había estado a punto de suspenderse por culpa de un maleficio. Fue Carl Maria von Weber quien dio a su libretista la idea de Der Freischütz (El cazador furtivo), ópera estrenada en Berlín en 1821.

Max se queda atrás cuando todos se dirigen al interior de la taberna. Oscurece. Con una violenta agitación interior recuerda los tiempos en que recorría alegremente los bosques y los campos y ninguna de sus balas fallaba ("Durch die Wälder, durch die Auen"). La alegre y confiada melodía se interrumpe, de repente suena un acorde que en esta ópera indica siempre la presencia de un poder sobrenatural. Es como si en la profunda oscuridad que ha caído, entre los matorrales, anduviera una figura demoníaca inadvertida por Max. El honrado aprendiz de cazador siente una presencia opresiva de la que no puede defenderse. Kaspar regresa con él. A pesar de que Max, en lo más profundo de su alma, desconfía de su misterioso compañero, se deja llevar por su charla. Max conoce las anécdotas sobre las balas mágicas; ha oído decir que los cazadores desleales vendieron su alma al diablo y obtuvieron a cambio siete balas. Seis que aciertan infaliblemente según los deseos del cazador; pero la séptima la dirige el maligno.

Carl Maria von Weber - No. 3 Recitativo y aria de Max - Der Freischütz

EL CAZADOR FURTIVO – Mala puntería -Año XIV. Nº 827

Eugenio Lucas Velázquez - El cazador - h.1850  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Un cazador y su ayudante posan con sus perros, junto a las piezas cobradas en una cacería. Al fondo, una carroza y un grupo de personas. La gama de colores gris azulada empleada, la moda del siglo XVII que visten los personajes y la disposición de las figuras, aluden a un personal homenaje de Lucas a la obra de Diego Velázquez.

Música

La obertura de Der Freischütz (El cazador furtivo) de Carl Maria von Weber, ópera estrenada en Berlín en 1821, que es uno de los números favoritos de su clase en las salas de conciertos, lo mismo que en los teatros de ópera, es una obra maestra de brillante y descriptiva instrumentación, y proporciona la clave de toda la historia en su anuncio de los temas principales. Se abre con un pasaje adagio de trompa de gran belleza, dando la base de toda la acción; y luego siguen los motivos, desde la gran escena de Max en el primer acto, la música del Encantamiento, la escena de Agatha a la luz de la luna, y otros episodios relacionados con la acción de Max y Kaspar. De hecho, el frecuente y expresivo uso del leitmotiv a lo largo de la obra permite atribuir a Weber el mérito de su invención.

El desdichado cazador Max ya no es capaz de dar en el blanco. Cuando los campesinos se burlan de él, Max se enfurece, pero el guardabosque llega a tiempo para impedir que se llegue a las manos. En su comitiva se encuentra Kaspar, que dice que la continua mala suerte de Max en el tiro es consecuencia de un maleficio. El bondadoso guardabosque le dice que se calle, pero se vuelve preocupado hacia Max, a quien quiere como a un hijo. Le recuerda que al día siguiente ha de presentar la llamada prueba de tiro, de la que depende su futuro: la casa del guardabosque, que algún día heredará, y la mano de la amada.

Carl Maria von Weber - Obertura - Der Freischütz

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES – Cacareos de un ave común -Año XIV. Nº 826

Pablo Picasso - Mujer con gallo - 1938  (Museo de Arte, Baltimore)

 

Pintura

A Picasso le encantaban toda clase de animales. Su peculiar bestiario estaba formado por aves —palomas, gallos y búhos— así como por perros, gatos, toros, caballos y cabras que aparecen reiteradamente en sus obras. En este caso representa un gallo en el momento anterior a su muerte a manos de una mujer sentada, que lo sujeta con fuerza de las alas con una mano, mientras en la otra sostiene un recipiente destinado, presumiblemente, a recoger su sangre. En el suelo se encuentra el cuchillo con el que el animal será sacrificado.

Música

No se sabe la fecha exacta de la publicación que realizó el compositor francés Jean-Philippe Rameau, a sus propias expensas, de sus Nouvelles Suites de Pièces de Clavecin. La mejor aproximación la sitúa entre febrero de 1726 y el verano de 1727. A esta colección pertenece la Suite en Sol mayor/sol menor al que pertenece el movimiento titulado La Poule (la gallina)

En palabras de Olivier Baumont, clavecinista que ha explorado el universo musical francés de los siglos XVII y XVIII, virtuoso intérprete de la obra para tecla de Rameau «la gigantesca Gallina es un brillante y terrorífico ensayo sobre la malicia». En ella reproduce el cacareo de una gallina en el corral y sigue las evoluciones del ave en el transcurso del día, desde sus correteos enloquecidos al nervioso picoteo del grano. El maestro repite machaconamente el Bajo Fundamental en los acordes en ostinato de la mano izquierda, mientras la derecha desgrana las modulaciones que permite el acorde mayor en todas sus inversiones. El salto intensamente repetido, acorde tras acorde, en la sucesión armónica, es un intento de genio para conseguir que los obtusos oponentes a sus teorías interioricen los sonidos del acorde fundamental, tan natural como los movimientos de un ave común y tan abundante como la gallina.

Jean-Philippe Rameau - La Poule - Suite en Sol Mayor

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES – Cacareos de gallina -Año XIV. Nº 825

Bartolome Esteban Murillo - Anciana con gallina y cesta de huevos - c. 1645  (Alte Pinakothek, Munich)

 

Pintura

En cuadros como éste es imposible no apreciar la conciencia social de Murillo, que sufrió los problemas económicos en sus propias carnes y tuvo que vender pinturas de pueblo en pueblo para financiar sus estudios. Forma parte de un conjunto de obras de juventud en las que se aprecia la influencia de Caravaggio, Ribera, Velázquez y la pintura holandesa: realismo inmediato y cuidado estudio de las luces y las sombras. Si bien es verdad que casi la totalidad de su obra está referida a temas religiosos para responder a los numerosos encargos de Iglesias y Órdenes religiosas, también que realizó magistralmente un pequeño número de obras cuya temática posó su mirada en niños mendigos, viejas, etc., figuras muy populares y cercanas al género picaresco de la Literatura y que debían abundar en las calles de Sevilla. El realismo y la expresividad que consigue en la representación de estos personajes llega a ser de una brillantez extrema.

Música

La Sinfonía nº 83 en sol menor, Hoboken I/83, es la segunda sinfonía de las llamadas Sinfonías de París compuesta por Joseph Haydn en 1785 y que fue publicada por Artaria en Viena en diciembre de 1787. Es popularmente conocida como Sinfonía de la gallina (en francés: La poule)

El sobrenombre La gallina viene del cacareo en el segundo tema del primer movimiento, que recordaba a los oyentes los nerviosos movimientos adelante y atrás de la cabeza de una gallina caminando. Este segundo tema consta de notas repetidas punteadas en una solo de oboe contra una nerviosa apoyatura en los primeros violines. Este es el motivo de la «gallina» del sobrenombre de la sinfonía, aunque también está relacionado con el ritmo punteado de respuesta en el primer tema.

Joseph Haydn - Sinfonía No. 83 en sol menor 'la gallina' - I. Allegro spiritosa

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES – El viejo oso -Año XIV. Nº 824

Henri Rousseau - Sorpresa desagradable - 1901  (Fundación Barnes, Filadelfia)

 

Pintura

Rousseau abordó con frecuencia el tema del conflicto en el mundo natural. Sus "pinturas de la selva" a gran escala están plagadas de luchas violentas entre animales salvajes (leones, tigres, caballos) en paisajes exóticos y lujosos. Aquí, un cazador rescata a una bañista desnuda de un oso de garras afiladas, que parece emerger de las rocas de abajo. La figura curvilínea permanece quieta en un tranquilo gesto de rendición, mostrando las palmas de las manos sucias, mientras el hombre dispara su arma a la bestia. La pintura se lee en principio como una escena clásica de "damisela en apuros". Y, sin embargo, cuanto más cerca se mira, más extraña se vuelve la imagen y más difícil resulta descifrar la narración. ¿Por qué la mujer no parece particularmente asustada? ¿Por qué se representa al cazador en una escala tan pequeña? Quizás Rousseau pretendía mostrar una fantasía sobre inocencia primigenia en conflicto con la tecnología moderna.

Música

Der Alte Brummbär (El viejo oso gruñón), polka cómica para fagot y orquesta, Op. 210, fue escrita por Julius Fucik en 1907. La obra fue compuesta originalmente para orquesta de cuerdas pero ha dado lugar, a lo largo del tiempo, a numerosos arreglos para orquestas y banda.

Julius Fucik nació en Praga y estudió fagot en el conservatorio de la ciudad con el legendario Ludwig Milde (quien escribiera estudios técnicos que son utilizados hoy en día por los concertistas de este instrumento) Estudió composición con Antonín Dvorák, y su producción suma cerca de trescientas obras, la mayoría piezas cortas de estilo ligero, coloristas, bien escritas y en muchos casos inspiradas.

Fucik - Der Alte Brummbär, polka op. 210

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES – Gruñidos de oso -Año XIV. Nº 823

Ivan Shishkin - Mañana en un pinar - 1889 (Galería Tretyakov, Moscú)

 

Pintura

Esta obra de Shishkin es una fantasía pictórica que trasciende del puro realismo de otros pintores rusos de la época. El artista eligió uno de sus temas favoritos, los densos bosques de coníferas rusos, añadiendo además la inusual y bucólica presencia de una familia de osos de los bosques. Se cree que Shishkin se inspiró en los pinos cercanos a Narva-Jõesuu en Estonia, donde a menudo le gustaba descansar durante el verano.

Música

La Sinfonía nº 82 en do mayor, Hoboken I/82, que lleva el sobrenombre de “el oso”, es una de las seis sinfonías que fueron encargadas a Franz Joseph Haydn por el Concert de la Loge Olympique, una asociación de conciertos popular en París. Estas obras son conocidas también como las sinfonías de París. Se desconoce la fecha exacta de su estreno en 1787, en París, por la citada agrupación, dirigida por Joseph Boulogne, Chevalier de Saint-Georges.

El apodo de “el oso” no proviene de Haydn; de hecho, no se asoció con la Sinfonía nº 82 hasta después de la muerte del compositor. El cuarto movimiento, Finale. Vivace assai, comienza con un zumbido en la sección de cuerdas, que puede sugerir el sonido de una gaita. Estos instrumentos se utilizaban con frecuencia para acompañar a los osos bailarines, un entretenimiento que solía encontrarse en las ferias populares. También se ha sugerido que el rumor sordo del zumbido imita el gruñido de un oso.

Joseph Haydn - IV. Finale. Vivace assai - Sinfonía No. 82 en do mayor 'el oso'

EL RINCÓN DE LOS NIÑOS – El campesino feliz -Año XIV. Nº 822

Pablo Picasso - Campesinos - 1906  (Fundación Barnes, Fildelfia)

 

Pintura

El tema en este cuadro de Picasso es un padre y su hija en un ambiente bucólico. El padre tiene su mano en el hombro de su hija en un gesto de protección y ternura, mientras que sobre ellos hay una guirnalda de flores rápidamente dibujada. El boceto muestra una gran libertad y virtuosismo de línea. Algunos elementos, como las flores en la guirnalda y los pliegues en la camisa del padre, simplemente se sugieren con líneas dibujadas rápidamente. Los colores en cierta medida provienen de los tonos de la tierra alrededor de la aldea de Gósol en España donde se alojó Picasso en 1906, particularmente los de los pantalones de la figura masculina. En cuanto a los rostros, representados en blanco con sombras azules en el boceto, recuerdan el período anterior de Picasso, conocido como su "período azul" cuando prefería este color.

Música

Album für die Jugend, Op. 68, (Álbum para la Juventud) fue compuesto por Robert Schumann en 1848 para sus tres hijas. El álbum consta de 43 piezas cortas para piano, de los cuales las 18 primeras son apropiadas para niños o principiantes y el resto están marcadas para adultos.

“Fröhlicher Landmann, von der Arbeit zurückkehrend ("El granjero feliz de regresar del trabajo") es una de las piezas fáciles más populares del conjunto. Cuenta con uno de esos temas sencillos y fáciles de recordar que muchos han escuchado pero que no se asocia generalmente con el nombre de un compositor en particular. Un tema desenvuelto salta ascendiendo, en las primeras diez notas, para luego descender con espíritu alegre de tal manera que el oyente, niño o adulto queda atrapado en la alegría contagiosa. La melodía del segundo tema es muy breve y continúa el estado de ánimo feliz. La pieza tiene una estructura simple, la melodía se repite en cuatro ocasiones y su segundo tema dos veces, sin mayor desarrollo.

Robert Schumann - No. 10 (El granjero feliz) - Álbum para la juventud, op. 68

BRINDEMOS – Felices años veinte -Año XIV. Nº 821

Adolphe-Alexandre Lesrel - El brindis - 1907  (Colección privada)

 

Pintura

Lesrel pintó muchas escenas de género, de inspiración histórica. Casi todas son interiores, los personajes lucen trajes de época Luis XIII, y la decoración está ahí para completar esta búsqueda de autenticidad histórica: muebles del Renacimiento o Luis XIII, armas del siglo XVII, objetos decorativos antiguos... Sus personajes favoritos son jinetes, mosqueteros, generales y mujeres del siglo XVII. Todo está configurado por el pintor para reproducir lo más fielmente posible el comienzo del siglo XVII. El artista se esfuerza por hacer los detalles muy precisos: su estilo es muy meticuloso. Los materiales parecen reales, el menor accesorio se reproduce con la precisión más estricta, los colores son ricos y vibrantes. Aparecen en todas sus obras materiales lujosos. Y es de observar el extraordinario virtuosismo para la representación de materiales y texturas, como plata, vidrio, seda, satén, terciopelo, cuero o lana.

Música

La opereta en tres actos Das Hollandweibchen (La muchacha holandesa), compuesta por Emmerich Kalman, fue estrenada en el Teatro Johann Strauss de Viena, el 20 de enero de 1920. En ella encontramos el duetto “Ein Glaserl Wein” (“Un vasito de vino”).

La obra está ambientada en Holanda, en una corte pasada de moda, un mundo que se había extinguido en Austria y Alemania en la guerra (recuérdese que todos los títulos nobiliarios fueron prohibidos en Austria por el nuevo partido socialista desde 1918 y que el emperador alemán se encontraba en el exilio, en Holanda), parodia el antiguo régimen. La música supone una apertura a la música de los “felices años veinte”.

Emmerich Kalman - “Ein Glaserl Wein” - Das Hollandweibchen