ÁNIMAS – Pasacalles por un difunto -Año XVI. Nº 933

George Cruikshank -The last scene in the life of sir John Falstaff - 1858

 

Pintura

Esta ilustración pertenece a una serie debida a Cruikshank sobre la figura de John Falstaff, personaje de ficción creado por William Shakespeare. El dramaturgo inglés le da a su personaje una muerte propia del ambiente en que se movía y de la vida que hacía. Porque no muere gloriosamente en una batalla, no es asesinado por un traidor, no se suicida, aunque se dice que murió de amor. Shakespeare le da muerte con una enfermedad venérea, es decir, una muerte muy poco gloriosa.

Música

William Walton había escrito nueve bandas sonoras de películas en el momento en el que colaboró con Laurence Olivier en Enrique V, la primera de tres obras de Shakespeare que se adaptaron para el cine (las otras fueron Hamlet y Ricardo III). Compuesta entre 1943 y 1944 y revisada ese año, la película fue un enorme éxito y la partitura de Walton fue nominada para un Premio de la Academia.

La partitura retrata sutilmente el contraste entre los tiempos difíciles de Enrique V y de relativa calma de la temprana época isabelina. Las escenas iniciales en el Globe Theatre de Shakespeare contienen sugerentes, pero no imitativos, ecos de la música del teatro isabelino. En algunas partes de canto llano se utiliza para crear atmósfera, pero en general el estilo es en buena parte del siglo XX. Un hermoso Pasacalles acompaña a la muerte de Falstaff, y mistress Quickly canta una canción triste de despedida al anciano caballero.

William Walton - Passacaglia, Death of Falstaff - Henry V

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Montescos y Capuletos -Año XIV. Nº 810

Frederic Leighton - Reconciliación de Montescos y Capuletos - 1854  (Agnes Scott College, Atlanta)

 

Pintura

Además de por sus grandes dimensiones, esta pintura de Leighton llama la atención por la lúgubre y obscura ambientación de la escena, a excepción de las figuras pintadas de vivos colores y de los ropajes de Julieta y su madre, que yace en actitud de duelo sobre el cuerpo de su hija.

Música

Romeo y Julieta, op. 64, es un ballet de Sergéi Prokófiev basado en la obra homónima de William Shakespeare. La obra fue encargada por el teatro Kirov de Leningrado en 1934, pero cuando Prokófiev propuso el tema de Romeo y Julieta, el teatro lo rechazó. Posteriormente, el compositor firmó un contrato con el Teatro Bolshói para representar el ballet, pero tampoco tendría fortuna. Prokófiev trabajó durante 1936 para extraer del ballet dos suites para orquesta sinfónica en siete movimientos, así como una trascripción para piano. En 1946 escribió una tercera suite. El ballet no se estrenó hasta 1938 en Brno, donde fue muy bien acogido.

Es una de las obras más apreciadas del compositor, en base a la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales: el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones; el delicado y abundante tema de Julieta. Se dio la circunstancia de que una vez el compositor terminó la partitura, en el verano de 1935, los bailarines declararon el ballet como imposible de bailar, sobre todo a causa de la complejidad rítmica y de pasajes que juzgaban inaudibles.

Sergéi Prokófiev - Montescos y Capuletos, Danza de los caballeros - Romeo y Julieta

ÁNIMAS – Cuando los espíritus bailan -Año XII. Nº 688

Alphons Mucha - El espíritu de la primavera - 1894  (Colección privada)

 

Pintura

En esta obra, que representa tres muchachas bailando alrededor de una tumba, junto a un demonio escondido, Mucha utiliza colores cálidos pero suaves y elementos naturales que acompañan la primavera. La ingenuidad del rostro y los gestos de las jóvenes, le dan el aire onírico que generalmente se asocia a esta estación.

Música

La Danza de los espíritus fantásticos fue compuesta por Giovanni Battista Draghi en 1674, incluida en la semi ópera (escrita en colaboración) "La Tempestad", con libreto basado en la obra homónima de William Shakespeare.

Giovanni Battista Draghi fue un compositor italiano e instrumentista de teclados. Fue llevado a Londres, en los años 1660, por el rey Charles II, quien trataba, sin éxito, de establecer la ópera italiana en Inglaterra. Permaneció en Inglaterra el resto de su vida.

Giovanni Battista Draghi - Danza de los Espíritus fantásticos - La Tempestad

CLÁSICOS EN EL CINE - El príncipe de Dinamarca -Año XII. Nº 681

Eugène Delacroix - Hamlet y Horatio en la Tumba - 1839  (Louvre, París)

 

Pintura

En el quinto acto de Hamlet de Shakespeare, éste, acompañado por Horatio, medita sobre la fragilidad de la existencia humana mientras espera la procesión fúnebre de su prometida. Delacroix produjo varios trabajos basados en esta escena para explorar esta angustia existencial. Mira la calavera y observa cómo el gesto exagerado del sepulturero crea una sensación de malestar. Traza la línea de visión de cada personaje y los ejes formados por la colina, el camino y el dedo apuntado por la figura vista desde la parte posterior: todos conducen al cráneo desenterrado. Ten en cuenta el juego sutil de colores. El gris, el azul y el amarillo del cielo y el suelo forman un ambiente sombrío y una atmósfera pesada totalmente en sintonía con las figuras afligidas. Hamlet viste de negro, el color del luto. Su cara suave y dedos delicados son signos de su fugaz juventud.

Música

Si sólo se tuviera en cuenta la cantidad, Shostakovich sería considerado el líder de los compositores soviéticos de música para películas, quien también escribiera buenas sinfonías y cuartetos para cuerdas. Escribió alrededor de cincuenta bandas sonoras, la mayoría entre 1930 y 1955. Simplemente se las asignaron y tuvo poca oportunidad real de decidir si las aceptaba o no. Muchas de ellas, resultaron ser elegantes propagandas, chapuceras y de poco mérito. Las cosas cambiaron en 1963. Ya no tenía que escribir para el cine, y sólo lo hizo cuando buenos amigos, como el director de Grigori Kozintsev, le pidieron a participar en un proyecto digno. La película Hamlet de Kozintsev, de 1964, con el texto traducido por Boris Pasternak, fue una de las buenas películas que, de repente, empezaron a surgir de la URSS en la década de 1960.

Shostakovich quedó realmente satisfecho con esta banda sonora, aunque planificó un poema sinfónico sobre el mismo tema que no se concretó y, en su lugar, se concentró en su Noveno Cuarteto de Cuerdas. La película ganó premios en varios festivales de cine y la banda sonora fue aclamada y utilizada para varios ballets sobre Hamlet. En 1964, Lev Atovmian, un amigo de Shostakovich, organizó una suite, Op.116a, con ocho movimientos.

Dimitri Shostakovich - II. Baile en palacio - Hamlet, Op. 116a


Dimitri Shostakovich - V. Escena del envenenamiento - Hamlet, Op. 116a


Dimitri Shostakovich - VI. Llegada y escena de los comediantes - Hamlet, Op. 116a


Dimitri Shostakovich - VIII. Duelo y muerte de Hamlet - Hamlet, Op. 116a

CLÁSICOS EN EL CINE - A la gloria de Mendelssohn -Año XII. Nº 679

Washington Allston - Hermia and Helena - ca.1818  (Smithsonian Art Museum, Washington)

 

Pintura

Allston dijo que esta pintura representaba "la soltería y la unidad de la amistad". Hizo posar a las dos mujeres para que sugirieran una figura, y leyeran de un libro compartido. En el tercer acto de la comedia de Shakespeare “El sueño de una noche de verano”, Helena elocuentemente describe su amistad con Hermia: "Así crecimos juntas, / Como una doble cereza... / Dos preciosas bayas moldeadas en un tallo".

Música

El director de cine Max Reinhardt, quien había trabajado antes con Korngold, no dudó en invitar al compositor a viajar a Hollywood desde Viena para organizar y supervisar la música para su película A Midsummer Night's Dream de 1935. Fue la primera visita de Korngold a la meca del cine, pero la Warner Bros quedó lo suficientemente impresionada con su compromiso y talento para convocarlo de nuevo a crear la música de otras películas, sobre todo de novelas de capa y espada protagonizadas por Errol Flynn.

La película de “El Sueño de una noche de verano” contiene 114 minutos de música. La composición homónima de Mendelssohn, Ein Sommernachtstraum, no tenía material suficiente, por lo que Korngold la complementó con citas de muchas otras composiciones de Mendelssohn. La habilidad de Korngold hizo que la integración de toda esta música adicional fuera perfecta y sonara natural. En los lugares donde se produce la nueva adaptación, Korngold expandió la orquesta para incluir saxofones, piano, guitarra y vibráfono, más percusión adicional y arpa. En su típica modestia, Korngold optó por no aparecer acreditado en los títulos de la película dejando toda la gloria a Mendelssohn.

E.W. Korngold - Obertura - A Midsummer Night's Dream

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Enrique VIII -Año X. Nº 542

Hans Holbein el joven - Retrato de Henry VIII - c. 1537  (Museo Thyssen, Madrid)

Pintura

El retrato fue el género más popular en la Inglaterra de la época. A esto contribuyó el cisma de la Iglesia anglicana con la de Roma y que el rey Enrique VIII se convirtiera en cabeza visible de la primera. Con ello, la representación de los géneros pictóricos se restringió enormemente. Este retrato del célebre monarca inglés es una maravillosa muestra del estilo de Holbein, que se caracteriza por la monumentalidad que otorga a sus figuras y la profundidad psicológica que inculca a sus modelos. El pintor consigue retratar el carácter del personaje gracias a recursos como la posición de la figura y las manos, la linealidad y la frontalidad, que en este caso reflejan la regia personalidad de Enrique VIII.

Música

Arthur Sullivan escribió la música incidental Henry VIII en respuesta a un encargo del Theatre Royal de Manchester, que ya le había encomendado anteriormente la música incidental para El mercader de Venecia en 1871, para una reposición del casi olvidado drama “Henry VIII” de Shakespeare. Fue estrenada en el Theatre Royal de Manchester, el 29 de agosto de 1877.

El texto de la canción del rey Enrique 'Youth will needs have dalliance' no se debe a Shakespeare. Se encontró entre los manuscritos reales en la Biblioteca Británica, asociado a una adaptación musical del propio rey Enrique VIII. Sin embargo esta creencia popular de que el rey escribiera tanto el texto como la música no ha podido ser probada. El tercer movimiento, 'The Graceful Dance', hace cumplido honor a su nombre aunque, todo hay que decirlo, resulta anacrónica. Hay que indicar que este número se utilizó como obertura, desde la noche del estreno de “The Socerer” hasta que pudo ser sustituida por una compuesta a propósito para esta ópera cómica.

Arthur Sullivan - No. 2 King Henry's Song - Henry VIII


Arthur Sullivan - No.3 Graceful Dance - Henry VIII

SHAKESPEARE EN MÚSICA – El sueño de una noche de verano -Año X. Nº 541

William Blake - Oberon, Titania y Puck bailando con hadas - c. 1786  (Tate gallery, Londres)

Pintura

Este cuadro de Blake ilustra el mandato de Titania a su círculo de hadas en la última escena de la obra de Shakespeare "El sueño de una noche de verano": «De la mano, con la gracia de hadas, vamos a cantar, y bendecir este lugar.» Oberon y Titania, el rey y la reina de las hadas, están a la izquierda. Puck, el espíritu que sirve a Oberón, mira al frente. Las hadas Polilla y Flor de guisante son fácilmente identificables.

Música

Con el título Ein Sommernachtstraum (El sueño de una noche de verano), Mendelssohn compuso dos obras basadas en la obra homónima de Shakespeare escrita en 1595: una obertura con orquesta (opus 16) en 1826 y música de escena (opus 61) para dos sopranos, coro de mujeres y orquesta, en 1842. Es una comedia fantástica que transcurre en un bosque habitado por hadas y duendes presididos por el rey Oberón y la reina Titania. Durante la mágica noche de San Juan, la más corta del año, el duende Puck hace y deshace parejas de enamorados con filtros mágicos, dando lugar a divertidos equívocos.

Música fugaz para el fugaz mundo de los sueños. Los correteos de las hadas se expanden por toda la obertura, veloces y efímeros. Pero se expandirán 16 años después por toda la música incidental: los scherzi, las danzas, las canciones, y todo parece estar hecho de esa materia tenue, como los sueños. Una pirueta de Puck, y he aquí el célebre lied "Mit Chor Kommt!" en cuyo transcurso dos hadas dialogan con sus pares, en tanto Titania busca su reposo. Se trata de una melodía muy fresca envuelta en un acompañamiento carácter obstinado. Y de pronto, Oberón recurre a los sortilegios y se hace invisible.

Felix Mendelssohn - No. 4 Canción con Coro - El Sueño de una Noche de Verano, op. 61

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Romeo y Julieta a la americana -Año X. Nº 540

Hans Makart - Romeo y Julieta - ca. 1865  (Colección privada)

Pintura

Makart representa en este cuadro la célebre escena del balcón del acto segundo del drama "Romeo y Julieta” de Shakespeare; la fantasía de dos adolescentes que viven su amor de noche, como en una ensoñación, y a los que la luz del día despierta con un principio de realidad para ellos incomprensible y a la postre fatídico. El artista hace hincapié en la juventud de la pareja y en la dificultad física de la bajada desde el balcón que es, de hecho, el motivo central de la escena.

Música

West Side Story es un musical estadounidense con guion de Arthur Laurents, música de Leonard Bernstein, letras de Stephen Sondheim y coreografía de Jerome Robbins. El musical es una adaptación de la obra de William Shakespeare “Romeo y Julieta”. Se estrenó el 26 de septiembre de 1957 en el Teatro Winter Garden de Broadway. La partitura incluye las canciones “María” y “Tonight”.

Ambientada en la ciudad de Nueva York a mediados de los cincuenta, el musical explora la rivalidad entre los Jets y los Sharks, dos pandillas callejeras de adolescentes de diferente origen étnico. Los miembros de los Sharks de Puerto Rico son perseguidos por los Jets, un grupo de clase baja blanca. El joven protagonista, Tony, uno de los Jets, se enamora de María, la hermana de Bernardo, líder de los Sharks. El tema trágico, la música sofisticada, amplias escenas de baile callejero y la atención prestada a los problemas sociales marcaron un giro decisivo en el teatro musical estadounidense.

Leonard Bernstein - Tonight - West side story

Leonard Bernstein - Maria - West side story

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Macbeth -Año X. Nº 539

Johann Heinrich Füssli - Lady Macbeth deambulando sonánbula - 1781-84  (Louvre, París)

Pintura

En una oscuridad casi total, Lady Macbeth aparece, blandiendo una antorcha, la cara deformada y mirada de espanto (acto V, escena 1 del drama "Macbeth" de Shakespeare) Fuseli representa a Lady Macbeth sonámbula, atormentada por el remordimiento por sus crímenes e inmersa en la locura, deambulando por los pasillos de una gran fortaleza. Casi no se distinguen, más a la derecha, dos personajes: un médico, con aire inquietante, y una mujer joven asustada por la aparición. Con el bicromatismo de la tela se dramatiza la puesta en escena de la locura. Oponiéndose a la oscuridad de la habitación y los personajes secundarios, el brillo del personaje principal parece desgarrar la noche. Su brillo también afecta a la mujer, como para revelar la terrible presión de su entorno. El amarillo se asocia a menudo con el color de la locura. El vestido largo amarillo, el pelo rojo y la llama de la antorcha reflejan la locura de Lady Macbeth. La posición de su delgado brazo izquierdo extendido contribuye a la dramatización extrema de la escena.

Música

Macbeth es una ópera en cuatro actos y diez cuadros con música de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave y Andrea Maffei, estrenada en el Teatro della Pergola, de Florencia el 14 de marzo de 1847. El libreto está basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Fue la décima ópera de Verdi y también la primera de las obras de Shakespeare que adaptó a la escena operística.

Lady Macbeth está decidida a impulsar a Macbeth al trono y cuando éste regresa ella le insta a que aproveche la oportunidad de matar al rey. Lady Macbeth remata el crimen, incriminando a los guardias dormidos manchándolos con la sangre de Duncan. Macduff descubre el crimen. Más tarde, en palacio, a Lady Macbeth le corroen los problemas de conciencia. Tiene alucinaciones. Un doctor y un criado observan a la reina sonámbula, que se frota las manos intentando limpiarlas de sangre (Una macchia è qui tuttora! - "Todavía queda aquí una mancha")

Giuseppe Verdi - Una macchia... è qui tuttora! - Macbeth

SHAKESPEARE EN MÚSICA – La fierecilla domada -Año X. Nº 538

Edward Robert Hughes - The Shrew Katherina - 1898  (Colección privada)

Pintura

Hughes representa a Katherine en un estado de ánimo inusualmente pensativo, contemplando su plato y su vaso vacío, con hambre y sin duda dándole vueltas a qué curso podría tomar la acción. Se queja de su hambre al criado Grumio y le implora que le traiga algo de comida. Ella es la víctima del plan de Petruchio para rendirla por hambre y privarla del sueño. Él establece su plan en el acto IV, escena I de la comedia titulada “La fierecilla domada”.

Música

Kiss Me, Kate es un musical con música y letra de Cole Porter. Se estrenó en el New Century Theatre, el 30 de diciembre de 1948. La historia trata sobre la producción de una versión musical de “The Taming of the Shrew” (“La fierecilla domada”) de William Shakespeare y los conflictos ocurridos dentro y fuera del escenario.

"Tom, Dick, or Harry", canción que se interpreta durante la representación de la obra de Shakespeare (trama secundaria en el musical), muestra a tres pretendientes (Gremio, Lucentio y Hortensio) que compiten por ganar el afecto de Bianca (Gremio prometiendo riquezas; Hortensio ofreciendo posición social; y Lucentio asegurando amor) Mientras otras canciones del musical (tales como "So In Love" y "Too Darn Hot") se grabaron individualmente y alcanzaron éxito comercial fuera de la obra ("So In Love" alcanzó el ‘top ten’ en el Hit Parade en 1949 y ha sido cantada por numerosos artistas), "Tom,Dick or Harry" fue escrita expresamente para el desarrollo de la trama de la obra escénica representada dentro del musical.

Cole Porter - So in love - Kiss me Kate


Cole Porter - Tom, Dick or Harry - Kiss me Kate

SHAKESPEARE EN MÚSICA – La tempestad -Año IX. Nº 537

Joseph Severn - Ariel 'Where the bee sucks, there suck I.' - 1869  (Victoria and Albert Museum, London)

Pintura

Severn se inspiró en un texto de la comedia de Shakespeare, “La Tempestad”, donde el travieso duende Ariel canta: «Do sorbe la abeja, allí sorbo yo. Y duermo en el cáliz de cándida flor. Tendido allí escucho del búho la voz, y cuando el ardiente verano pasó, volando en las alas del pájaro voy. ¡Dulce mi vida será, dulce y grata bajo el capullo que cuelga en la mata!»

Música

Sullivan compuso la Música incidental para “La Tempestad” como una especie de ejercicio de graduación en el Conservatorio de Leipzig, donde había estudiado a través de la ayuda de la prestigiosa beca Mendelssohn. El trabajo consistía en doce números, de los cuales seis recibieron su estreno en Leipzig, el 06 de abril de 1861.

La interpretación de la obra completa en el Crystal Palace, el 05 de abril de 1862, causó una sensación inmediata, lanzando a Sullivan en su carrera profesional. “La Tempestad”, que fue repetida una semana después, es y sigue siendo una de las obras de concierto más populares de Sullivan. También se utilizó para los fines para los que estaba originalmente destinada, como música incidental para la obra de Shakespeare, en una producción en el teatro del Príncipe en Manchester, el 15 de octubre de 1864.

Arthur Sullivan - X. Dance of the Nymphs and Reapers - The Tempest

Arthur Sullivan - VI. Banquet Dance - The Tempest

NOS VAMOS DE MARCHA - Orgullo, pompa y circunstancia -Año V. Nº 259

Karl Becker - Otelo relatando sus aventuras - ca. 1880  (Colección privada)

Pintura

Este cuadro Becker representa el momento, que transcurre en el primer acto de la tragedia de Shakespeare, en el que Otelo, tras haber sido acusado por Brabancio de seducir engañosamente a su hija, cuenta toda su historia y hace llamar a Desdémona para que declare si no le sigue por su voluntad.

Música

Pompa y circunstancia, Opus 39, es una serie de cinco marchas orquestales compuestas por Edward Elgar. La más conocida es la Marcha nº 1, y generalmente Pompa y circunstancia se refiere a esta única pieza. El estreno se realizó en Londres en 1901, y la audiencia pidió dos repeticiones. En 1902 fue adaptada para la coronación del rey Eduardo VII incorporando el texto de la oda "Land of Hope and Glory".

El título fue tomado del acto III de Otelo, la obra de William Shakespeare:

"Adiós al relincho del corcel de batalla,
al tambor que conmueve el espíritu,
al pífano que perfora los oídos,
a la bandera real y todas sus cualidades,
orgullo, pompa y circunstancia de la gloriosa guerra."

Edward Elgar - Pomp and Circumstance No. 1 in D Major

SHAKESPEARE EN MÚSICA - Hamlet -Año IV. Nº 198

Sir John Everett Millais - Ofelia - 1851-52  (Tate Gallery, Londres)

 

Pintura

La pintura de Millais representa la muerte de Ofelia, escena del drama Hamlet de Shakespeare. Impulsada por el dolor, después de que su padre Polonius fuera asesinado por Hamlet, su amante, la muchacha se arroja a un arroyo y se ahoga. Las flores que sostiene son simbólicas: la amapola significa la muerte, las margaritas la inocencia, las ortigas el dolor y los pensamientos el amor no correspondido. La asociación con la muerte se sugiere también con la silueta de una calavera recortada en el follaje de la derecha.

Música

Hamlet proporcionó material para dos obras de Pyotr Ilyich Tchaikovsky estrenadas en San Petersburgo, su Obertura fantasía sobre Hamlet de Shakespeare, Op. 67a (24 de noviembre de 1888), y la música incidental que compuso para Hamlet de Shakespeare, Op. 67b (21 de febrero de 1891) La Marcha Funeral pertenece a esta última.

El actor Lucien Guitry pidió nuevamente a Tchaikovsky que escribiera una música incidental para Hamlet. Esta vez, fue para una función benéfica que tuvo lugar el 21 de febrero de 1891 en el Teatro Mikhaylovsky de San Petersburgo y que iba a ser la despedida de los escenarios de Guitry. Tchaikovski comenzó a trabajar en la música incidental el 13 de enero, pero le resultó difícil. Estaba agotado, tras completar La Dama de Picas, que había estrenado con éxito en diciembre de 1890. Además su patrona Nadezhda von Meck había roto su relación con él y padecía una dolencia en la mano derecha. Por estas razones había cancelado sus contratos para dirigir en Maguncia, Frankfurt y Budapest y se retiró para descansar y recuperarse a Frolovskoye.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky - Marcha Funeral - Música incidental para Hamlet de Shakespeare, Op. 67b

SHAKESPEARE EN MÚSICA - Otelo -Año IV. Nº 197

Theodore Chasseriau - Othello and Desdemona in Venice - 1840  (Louvre, París)

 

Pintura

Chassériau realizó algunas obras que se consideran cumbres de la estampa romántica. Destaca la serie de Otelo, inspirada en el drama de Shakespeare: Chassériau, de fuerte cultura literaria, se entusiasmó por la dramaturgia shakespeariana y la poesía de Byron, hasta transferir su escritura a la creación visual. En esta ocasión contemplamos a Otelo y Desdémona en Venecia, representando la escena del acto I del drama, en la que Otelo hace llamar a Desdémona para que declare si no le sigue por su voluntad.

Música

Otelo es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Arrigo Boito, a partir de la obra de Shakespeare, Otelo. Fue estrenada en el Teatro alla Scala de Milán, el 5 de febrero de 1887. Uno de los personajes más importantes de la obra, además de Otelo y Desdémona, es Yago, interpretado por un barítono, y una de las partes más conocidas de la obra es su Credo, incluido en el segundo acto.

ACTO II - Dentro del castillo, una cámara cercana al jardín.

El intrigante Yago convence a Cassio de que pida a Desdémona que interceda con sus súplicas para que su esposo, Otelo, lo reponga en su antiguo cargo en el ejército (que había perdido como consecuencia de una reyerta a la que le indujo el propio Yago, tendiéndole una trampa) Yago, que se queda solo unos instantes, entona una canción (Credo in un Dio crudel / "Creo en un Dios cruel") en la que expresa los sentimientos rencorosos y perversos que anidan en su alma, creada tan solo para el mal.

Giuseppe Verdi - Credo in un Dio crudel - Otelo

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Macbeth -Año IV. Nº 196

Théodore Chassériau - Macbeth viendo el fantasma de Banquo - s. XIX  (Museo de Bellas artes de Reims)

Este cuadro representa el momento del banquete (Acto 3 Escena 4 del drama de Shakespeare) en el que Macbeth imagina que ve al fantasma de Banquo, el general del ejército cuyo asesinato ordenara. Chasseriau establece el escenario apropiadamente en una habitación oscura iluminada sólo por la luz de las antorchas. Los huéspedes parecen haber comido y están disfrutando de su bebida, ya que hablan entre sí. El fantasma de Banquo es inmediatamente reconocible en la figura blanca situada en el centro. Ninguno de los huéspedes parecen dirigir su mirada al fantasma a excepción de Macbeth, que está sentado a su derecha con una copa en la mano - no sorprende ya que sólo Macbeth puede ver el fantasma. Lady Macbeth está mirando a su marido y, según cuenta el drama, está probablemente pensando sobre que explicación va a dar a los invitados por el extraño comportamiento de su marido.

Tras la puesta en escena de su ópera cómica The Yeomen of the Guard, Arthur Sullivan retornó una vez más a Shakespeare con la composición de la música incidental de Macbeth, para una producción de Henry Irving estrenada en el Lyceum Theatre el 29 de diciembre de 1888.

A finales de los años ochenta del siglo XIX, el actor y empresario Henry Irving había alcanzado una serie de éxitos notables con sus espectaculares puestas en escena de obras clásicas en el Lyceum Theatre. El propio Irving asumía el papel protagonista en sus producciones, que siempre estaban acompañadas por música incidental, a modo de banda sonora como las que hoy acompañan a las películas. Sullivan era consciente de la popularidad de Irving y aceptó casi inmediatamente la propuesta de Bram Stoker, el director de la compañía, de componer la partitura de la nueva producción de Macbeth. El estreno fue un éxito. Irving no tuvo problemas en reescribir a Shakespeare y así, montó la obra en seis actos, en lugar de los cinco tradicionales, eliminando todas las escenas en las que no aparecían Macbeth o Lady Macbeth.

Arthur Sullivan - Obertura - Macbeth

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Romeo y Julieta -Año IV. Nº 195

Frank Dicksee - Romeo y Julieta - 1844  (Southhampton City Art Gallery)

Los protagonistas de este cuadro de Dicksee son los dos jóvenes besándose. Julieta lleva un camisón blanco, que representa la pureza, y lleva su pelo rojo atado con una cinta de oro, que pone de manifiesto su pertenencia a una familia noble. El color de su pelo, recurrente en los retratos prerrafaelistas, eleva Julieta a un estatus divino. Romeo, sin embargo, viste conforme a la manera típicamente "romántica" y no trae armas. El joven, imprudente, pero, como Julieta, puro de mente, viste el rojo de la sensualidad y el verde de la frescura de sus años. El artista ha dedicado la misma atención obsesiva a los elementos secundarios: la vegetación, los edificios y el fondo. La hiedra, que envuelve una columna de espiral, es la planta que simboliza la pasión que impulsa a los que aman a abrazarse entre sí, la dualidad de la vida y la muerte. La escena se desarrolla en un plan arquitectónico consistente en balcones y suntuosas balaustradas, columnas y capiteles propias del período en el que Shakespeare situó su historia. Al fondo se ve una ciudad, muy lejos del castillo, acariciada por la luz de la madrugada y el ambiente de la noche con niebla, por lo que más que Verona parecen los suburbios de Londres.

Romeo y Julieta es una obra musical de Piotr Ilich Tchaikovski, en forma de Obertura-Fantasía, basada en la obra homónima de Shakespeare, que fue escrita en los últimos meses de 1869 y estrenada el 16 de marzo de 1870 por la Sociedad Musical Rusa. En ese momento el compositor contaba con 28 años de edad y era profesor del conservatorio de Moscú. La obra está dedicada al también compositor Balakirev, quien le había sugerido la composición de la misma. Desde el punto de vista musical, así como el programático, la obertura gira alrededor del tema de amor.

La obertura se ajusta a los lineamentos de la forma sonata más que al argumento de la obra de Shakespeare. De ahí que no sea muy específica como música programática. No obstante, ciertos temas efectivamente representan a diversos personajes y episodios del drama. El andante de la introducción, con sus armonías de aire eclesiástico, describe a fray Lorenzo. El allegro siguiente, con sus escalas y ritmos rápidos, representa la enemistad de los Capuleto y los Montesco. El tema de amor, que es una de las melodías románticas más inspiradas de Tchaikovsky, se refiere el amor condenado de Romeo y Julieta. La obra termina con la muerte de los protagonistas.

Piotr Ilich Tchaikovski - Obertura-Fantasía - Romeo y Julieta

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Las alegres comadres de Windsor -Año IV. Nº 194

Francis Philip Stephanoff - Falstaff and Mistress Quickly - c. 1840  (Colección Privada)

En esta escena representada por Stephanoff figura Mistress Nell Quickly, un personaje ficticio que aparece en varias obras teatrales de William Shakespeare. Se trata de la tabernera que regenta el establecimiento “Cabeza de Jabalí”, en el que se congregan Sir John Falstaff y sus compinches de mala reputación.

Die lustigen Weiber von Windsor (Las alegres comadres de Windsor) es una ópera cómico-fantástica en tres actos del compositor Otto Nicolai. El libreto, escrito por Salomon Hermann Mosenthal, está basado en la comedia homónima de William Shakespeare. El estreno tuvo lugar el 9 de marzo de 1849 en el Königlichen Opernhaus de Berlín bajo la dirección del propio compositor.

ACTO III – Un bosque
Tras un la intervención del coro y orquesta, ilustrando la salida de la luna en el bosque, comienza el juego de disfraces. Falstaff, vestido como Caballero Herne, es liberado finalmente por las damas para ser entonces aterrorizado por ciudadanos disfrazados de fantasmas, elfos e insectos. Después de que desaparezcan las máscaras y Falstaff haya sido ridiculizado por todos, aparecen Anna Y Fenton, quienes se han intercambiado el sí en la capilla del bosque. En un alegre número final se reconcilian todas las partes.

Otto Nicolai - O süsser Mond - Die lustigen Weiber von Windsor