LA VIUDA ALEGRE - Cada oveja con su pareja -Año XV. Nº 971

Henri de Toulouse-Lautrec - En el moulin Rouge - 1892-95  (The Art Institute, Chicago)

 

Pintura

La asociación de Toulouse-Lautrec con el Moulin Rouge, el templo de ocio de París en el fin de siglo, comenzó cuando se inauguró en 1889 y el propietario compró el cuadro del artista titulado “Equestrienne” como decoración para el vestíbulo. Lautrec pobló esta escena con retratos de los clientes habitués y regulares del salón de baile, incluido él mismo -la diminuta figura en el centro al fondo- acompañado por su primo y compañero frecuente, el médico Gabriel Tapé de Céleyran. Jane Avril aparece de espaldas, destacando su brillante pelo rojizo; al fondo se sitúa La Goulue, retocándose el moño junto a su compañera Môme Fromage. En primer plano, a la derecha, iluminado su rostro desde abajo para conseguir un aspecto fantasmal, se encuentra la cantante inglesa May Milton. En algún momento, el artista o su distribuidor cortaron el lienzo para sacarla de la composición, tal vez porque su aspecto impactante hizo que la obra fuera difícil de vender. En cualquier caso, en 1914, la sección cortada volvió a unirse a la pintura.

Música

Die Lustige Witwe (La viuda alegre), opereta en dos actos con música Franz Lehár, estrenada en Viena el 28 de diciembre de 1905, al igual que alguna otra obra de Franz Lehár, fue llevada al cine. Concretamente ha sido versionada dos veces para la gran pantalla: en 1934, por Ernst Libitsch, y en 1952, por Curtis Bernhardt, siendo nominada a dos premios Oscar.

N'jegus, que ha visto entrar a los dos amantes, saca a Valencienne por la puerta trasera y Hanna toma su lugar, para desespero de Danilo quien cree que está teniendo algo con Camille. Éste, para seguir con la farsa, repite sus juramentos de amor y Hanna, siguiendo la broma, anuncia su compromiso con Camille. Danilo finge que le es indiferente (“Zwei königkindern”), pero luego lleno de ira se va rumbo a Maxim's para olvidar sus penas. Esa misma noche, la casa de Hanna se ha convertido en una réplica de Maxim's, incluyendo las bailarinas entre las que se cuenta Valencienne (“Ja, wir sind es, die Grisetten“) Danilo recibe un telegrama donde se le informa de la inminente ruina del país y le pide a Hanna que dejé a Camille. Ella acepta, para felicidad de Danilo. Zeta encuentra el abanico comprometedor y jura divorciarse de su esposa para casarse con Hanna y salvar a Pontevedro, pero ésta le dice que perderá su fortuna si se vuelve a casar. Oyendo esto, Danilo confiesa su amor por ella y ella le hace saber que perderá su herencia pues está estipulado que pasará a manos de su nuevo marido. Valencienne recupera el abanico y le asegura su fidelidad a Zeta leyéndole lo que había contestado a la declaración de Camille: "soy una esposa respetable, una dama de honor”.

Franz Lehar - No. 12 “Zwei königkindern“ - Die lustige Witwe


Franz Lehar - No. 14 “Ja, wir sind es, die Grisetten“ - Die lustige Witwe

LA VIUDA ALEGRE - La ninfa que se enamoró de un mortal -Año XV. Nº 968

Alexander Mann - El largo grito de los juncos en Even - 1896  (Colección privada)

 

Pintura

Mann prefería la arcadia del campo y se sintió muy atraído por la quietud de los desérticos y lentos canales de la Inglaterra rural. El tema de esta obra hace referencia a la fantástica creencia de que hay que arrancar un silbido del tallo de la caña de un junco y aprender a tocar su misteriosa música si se desea convocar al pueblo de las hadas.

Música

Los libretistas pusieron mano en una comedia de Melhiac, el escritor de Offenbach que, al año de su estreno en París, se presentó en el Carl-Theater de Viena y desde entonces encontró gran aceptación. La principal alteración que se hizo en el original fue un cambio de lugar con consecuencias folklóricas premeditadas. La lucha en torno a la viuda millonaria que, en la comedia de Melhiac, desplegó el cuerpo diplomático de una pequeña ciudad alemana, en el libreto para Lehár, la llevan a cabo montenegrinos (enseguida se los rebautizó a pontevedrinos por razones de política exterior. Die Lustige Witwe (La viuda alegre), opereta en dos actos con música Franz Lehár y libreto de Victor Léon y Leo Stein, fue estrenada en Viena el 28 de diciembre de 1905.

En la tarde del día siguiente varios huéspedes están reunidos en el jardín de la mansión de Hanna. Ella interrumpe la música para cantar la balada de Vilja, una ninfa que se enamoró de un mortal (“Es lebt eine Vilja“)

Franz Lehar - No. 7 "Es lebt eine Vilja" - Die lustige Witwe

LA VIUDA ALEGRE - Entre el deber y el placer -Año XV. Nº 967

Jean-Louis Forain - Una noche en Maxims - 1907  (Colección privada)

 

Pintura

Forain fue famoso por los dibujos satíricos que hizo para la prensa a lo largo de casi cincuenta años. Su imaginación satírica provocó admiración y, a partir de 1888, publicó habitualmente su comedia de costumbres. Creado en 1893 por Maxime Gaillard, un camarero de café, el pequeño bistrot Maxim’s comenzó a atraer, en sus inicios, siguiendo la estela de la comediante Irma de Montigny, una clientela mundana y elegante, y se convirtió en un lugar de encuentro apreciado por el tout-Paris de la Belle Époque.

Música

Die Lustige Witwe (La viuda alegre), opereta en dos actos con música Franz Lehár, estrenada en Viena el 28 de diciembre de 1905, supuso una pacífica revolución en el género de la ópera ligera, u opereta. Con libreto en de Victor Léon y Leo Stein, ayudó a devolver a la gente a los teatros en una época en que las operetas se estaban volviendo cada vez más serias y en la que el propio Lehar comenzaba a desvelar un estilo de drama más Pucciniano. El libreto, en principio, estaba destinado a Richard Heuberger, a quien, a partir de El Baile de la Ópera, se consideró un especialista de las frivolidades parisinas de fractura vienesa, pero fue adjudicada a Lehár, compositor más joven y vital.

Cuando salen, Zeta recibe a Hanna (“Bitte, meine Herren“), quien se da plena cuenta del interés que tiene en su herencia y le asegura que no hay de qué preocuparse. Pronto llega Danilo quien se siente muy incómodo cuando se entera de la presencia de Hanna y se hace evidente que los dos estuvieron enamorados cuando él era un joven soldado y que su relación se interrumpió por la prohibición de su tío. El viejo amor revive pero Danilo jura que no se casará con Hanna por su fortuna, mientras ella promete no casarse mientras él no le diga que la ama. Zeta le dice a Danilo que es su deber salvar el reino casándose con Hanna pero este empieza a buscar candidatos que sean apropiados para la viuda (“O Vaterland“) Se anuncia el próximo baile donde las damas escogen su pareja y varios hombres desean que Hanna sea la suya; sin embargo, esta prefiere a Danilo, quien se niega diciendo que no sabe bailar, pero después ofrece vender su puesto por diez mil francos que donará a la caridad. Tal cantidad espanta a los pretendientes, así que a solas con Hanna éste le ofrece bailar pero ahora es ella quien se niega y Danilo termina bailando solo.

Franz Lehar - No. 3 “Bitte, meine Herren“ - Die lustige Witwe


Franz Lehar - No. 4 “O Vaterland“ - Die lustige Witwe

RETRATOS DE MUJER - Ana María -Año XIV. Nº 961

 

Ferran Xumetra - Aldeana de Alonsótegui - 1885 

Pintura

Esta Cromolitografía debida a Xumetra retrata una aldeana de Alonsótegui (en euskera y oficialmente Alonsotegi), municipio de la provincia de Vizcaya, País Vasco, España. El actual Alonsótegui aparece en los años 1990 al segregarse de Baracaldo, municipio al que estaba unido desde finales del siglo XIX. Alonsótegui está a una distancia aproximada al centro de Bilbao de 8 kilómetros.

Música

El Caserío es una zarzuela de principios del siglo XX escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, con música de Jesús Guridi. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 11 de noviembre de 1926.

Ana Mari está enamorada de Joshe Miguel, pero este no fija en ella su atención. Para evitar el casamiento de su tío, José Miguel anuncia a Ana Mari que se dedicará a enamorar a las jóvenes que aquél escoja por novia. Entonces Ana Mari se ofrece como futura esposa de su tío, lo que sirve para encender en Joshe Miguel un verdadero amor por ella (“Yo no sé qué veo en Ana Mari”)

Jesús Guridi - Romanza 'Yo no sé que veo en Ana Mari' - El Caserío


Jesús Guridi - Acto II. Preludio - El Caserío

OKLAHOMA – Amor y muerte en la pradera -Año XVI. Nº 959

Thomas Cole - Cruz al atardecer - c. 1848  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

Esta obra presenta una imponente cruz en primer plano, a cuya izquierda y un poco alejado se yergue un campanario. Tras estas dos construcciones se extienden un valle y unas montañas que recortan el horizonte. La luz que emana el sol poniente, que se proyecta en forma de abanico, adquiere un carácter fantástico, y entra en diálogo con la cruz más próxima al espectador, que genera su propia luz. El dramatismo y teatralización son propios de la obra de Cole, que suele buscar un efecto moralizante. Por otro lado, el carácter inacabado de la pintura nos permite apreciar el dibujo subyacente y la preparación de color naranja que Cole aplicó en la franja inferior de la composición.

Música

El musical Oklahoma!, escrito por el compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein II, se estrenó el 31 de marzo de 1943 en el St. James Theatre de New York. Hasta entonces los musicales empleaban actores que pudiesen cantar, pero Rodgers y Hammerstein buscaron cantantes que supiesen actuar, lo cual marcó una diferencia notoria, ya que se primaba la música y letras, sobre la actuación. Llegaron a sugerirles a Shirley Temple como Laurey y Groucho Marx como Ali Hakim, pero afortunadamente los compositores con el apoyo del director Rouben Mammoulian, consiguieron contratar a gente que se adecuase a sus papeles aunque fueran desconocidos, pero que pudiesen cantar e interpretar el papel, tal como fue escrita la partitura, lo cual también era algo inusual para la época.

Laurey compra una "poción mágica" (en realidad, una botella de sales aromáticas) a Ali Hakim, un vendedor ambulante sin escrúpulos que le garantiza que le revelará su verdadero amor. Ella reflexiona sobre dejar atrás sus sueños de amor y unirse al hombre que ama ("Out of My Dreams") Curly y Jud participan en una feroz guerra de ofertas en la subasta, y Curly vende todas sus posesiones más preciadas para recaudar dinero: su montura de su caballo, e incluso su arma. Sin ellos, Curly ya no puede ser un vaquero y tendrá que convertirse en un agricultor. Jud, contrariado por haber perdido, trata discretamente de matar a Curly, pero su plan es frustrado. Tres semanas más tarde, Laurey y Curly se casan y todo el mundo se regocija por la creación inminente del estado ("Oklahoma!") Aparece Jud con intenciones asesinas, pero Curly esquiva el golpe y Jud cae sobre su propio cuchillo y muere.

Richard Rodgers - Out of My Dreams - Oklahoma!


Richard Rodgers - Oklahoma! - Oklahoma!

OKLAHOMA – Optimismo a caballo -Año XVI. Nº 957

Thomas Eakins - Vaqueros en Badlands - 1888  (Colección privada)

 

Pintura

Este óleo de Eakins fue concebido directamente a partir de estudios fotográficos preparatorios realizados por el artista durante un viaje por el territorio de Dakota, en el T-Ranch situado al noroeste de Dickinson. Allí pudo inspirarse de la gente que encontró y sus trabajos fueron fruto de las reacciones que le provocó la nueva cultura de los cowboys de la cual estaba muy impresionado. El término «badlands» tiene un doble origen: por un lado, el pueblo Lakota llamó a la topografía “mako sica”, literalmente «malas tierras», y los cazadores franceses “les mauvaises terres à traverser”, «las tierras malas para cruzar». Las badlands se forman en áreas de infrecuentes pero intensas lluvias y escasa vegetación, receta perfecta para una erosión devastadora. El paisaje se caracteriza por sus cuestas empinadas, su tierra suelta y arcilla, hecho que impide viajar cómodamente por él. Cañones, cárcavas, barrancos, canales, chimenea de hadas (columnas de roca con formas en sus picos) y otras formas geológicas del estilo son comunes, como aquí se representan.

Música

“Green grow the lilacs” fue una obra de teatro escrita por Lynn Riggs, que se estrenó con escaso éxito en 1931 en el Theatre Guild de New York y se olvidó hasta que diez años más tarde, uno de los productores de dicho teatro tuvo la idea de, insertando algunas canciones y bailes del folk americano, convirtirla en un musical que devolviera el éxito al Theatre Guild que no levantaba cabeza hacía tiempo. Para ello entró en contacto con Richard Rodgers y Lorenz Hart, quienes ya estrenaran en dicho teatro The Garrick Gaieties en 1925. Lorenz Hart al poco de comenzar a trabajar en el tema, ya con serios problemas con el alcohol y sin interés por seguir escribiendo, manifestó a Rodgers que no le atraían las historias fuera de la época actual y que los granjeros del argumento le parecían cursis y aburridos, por lo que se marchó de vacaciones a Méjico, deseando a Rodgers y Hammerstein II, mucha suerte en su nuevo proyecto. Oklahoma! es el primer musical escrito por el compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein II y se estrenó el 31 de marzo de 1943 en el St. James Theatre de New York.

El cowboy Curly McLain se regocija ante el bonito día que tiene por delante mientras pasea por la granja de Laurey Williams ("Oh, What a Beautiful Mornin") Esa noche va a tener lugar una subasta de cestas de comida, preparadas por las chicas, para recaudar fondos para una escuela. El hombre que se haga con cada cesta se comerá el almuerzo con la chica que lo preparó. Curly pide a Laurey que vaya con él, pero ella se niega, sintiendo que Curly ha esperado demasiado. Éste trata de convencerla diciéndole que la llevará en el mejor carro que pueda comprar ("The Surrey with the Fringe on Top"), pero ella se burla de él.

Richard Rodgers - Oh, what a beautiful mornin' - Oklahoma!


Richard Rodgers - The surrey with the fringe on top - Oklahoma!

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Tranquilidad -Año XVI. Nº 955

John Atkinson Grimshaw - Noche con luna - 1880  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

Este cuadro es un magnífico ejemplo del estilo personal creado por Grimshaw, que se especializó en pintar avenidas iluminadas por la luz de la luna, calles en sombra y caminos mojados por la lluvia, con el fin de crear composiciones atmosféricas de marcado sello individual. La casa que se ve en este óleo es probablemente ficticia, inventada por el artista, basándose en una combinación de estilos que observaría y asimilaría. A menudo incluía una figura solitaria que añadía a la escena una sensación de contemplación y ambigüedad, invitando al espectador a imaginar una narrativa, a analizar los pensamientos y los sentimientos del personaje y a meditar sobre su caminar en una noche perdida y solitaria. Transmite una sensación de aislamiento y, a la vez, de libertad, al representar a una mujer que, abandonando los convencionalismos, camina de noche a solas con sus pensamientos.

Música

El pianista y compositor alemán Carl Bohm escribió la antigua canción alemana de amor Still wie die Nacht (Tranquilo como la noche), Op.326, No.27, sobre un texto anónimo, antes de 1913.

Bohm es considerado como uno de los principales compositores alemanes del siglo XIX. Como Schubert, fue más que un escritor de lieder, componiendo en la mayoría de los géneros. Su música de cámara, en su mayoría cuartetos y tríos de piano, fueron muy populares no sólo entre los aficionados, sino también entre los grupos de profesionales que, en sus giras, se veían en la necesidad de agradar y encandilar a su público.

Carl Bohm - Still wie die Nacht, Op.326, No.27

EL MISTERIO DE LA NOCHE – A media noche -Año XVI. Nº 954

Luis Rigalt y Farriols - Paisaje nocturno con monasterio en ruinas - c. 1850  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

En este paisaje crepuscular de Rigalt ubicado en las orillas de un lago, protagonizan la escena los restos de un monasterio gótico iluminado por la luna, escondida tras la mole arquitectónica del torreón fortificado. El foco de luz incide expresivamente sobre el interior de las ruinas, en una clara referencia al universo interior de la persona, a lo más recóndito, dejando en penumbra el exterior del edificio, cuyas formas, invadidas por la naturaleza, se enmascaran ante la evidencia de su potencialidad destructora e irreversible.

Música

Las Rückert-Lieder son cinco canciones para voz y orquesta o piano, compuestas entre 1901 y 1902 por Gustav Mahler, basándose en poemas escritos por Friedrich Rückert. En concreto “Um Mitternacht” (“A medianoche”) está fechada en el verano de 1901.

La única canción del ciclo que no es lírica es "Um Mitternacht." El texto épico y filosófico de esta canción se refleja en forma de himno más bien austero para conjunto de vientos, metales, timbales, arpa y piano. Mientras el cantante contempla el destino de la humanidad, la orquesta le acompaña con líneas contrapuntísticas de movimientos amplios. Un gran coro de metales subraya el depósito del destino de la humanidad en las manos de Dios para el culminante final. Siendo menos canción y más oda Sinfónica, la obra parece demasiado grande para un único solista vocal. El último verso, en particular, es una reminiscencia de las grandes sinfonías corales/orquestal de Mahler.

Gustav Mahler - No.4. Um Mitternacht - Ruckert Lieder

LA BOHEME – Amor y celos -Año XVI. Nº 941

Luigi Morgari - Escena de la ópera 'La Boheme' - s. XX  (Colección Cívica de Achille Bertarelli, Milán)

 

Pintura

Escenografía para la escena de Mimi y Rodolfo en la aduana de Enfer del acto III de la ópera La Boheme de Puccini.

Música

La viuda de Illica murió en 1957 y sus papeles fueron entregados al Museo de Parma. Entre ellos estaba el libreto completo de La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. Se descubrió entonces que los libretistas habían preparado un acto que Puccini decidió no usar en su composición. El "acto desaparecido" se encuentra en la línea temporal entre la escena en el café Momus y el Acto III y describe una fiesta al aire libre en las habitaciones de Musetta. Su protector ha rechazado pagar la renta debido a sus sentimientos celosos, y el mobiliario de Musetta es trasladado al patio para ser subastado la mañana siguiente. Los cuatro bohemios encuentran en esto una excusa para celebrar una fiesta y preparan vino y una orquesta. Musetta entrega a Mimì un bello traje para que lo luzca y la presenta a un vizconde. La pareja baila una cuadrilla en el patio, lo que provoca los celos de Rodolfo.

ACTO III
En la aduana de Enfer, los vendedores ambulantes pasan la barrera y entran en la ciudad. Entre ellos está Mimí, tosiendo violentamente. Intenta encontrar a Marcello, quien vive en una pequeña taberna cercana donde él pinta anuncios para el tabernero. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (“Mimì?! Speravo di trovarvi qui”) El pintor, a fin de arreglar la cosa, llama a Rodolfo, que también se encuentra en la taberna. Las cómicas expresiones de la querella de Marcello y Mussette contrastan vivamente con las melancólicas palabras de Mimí y Rodolfo, quienes sin fuerzas para romper el tierno lazo que los une, se reconcilian y deciden afrontar con triste resignación el porvenir que el destino les depare (“Dunque è proprio finita!”)

Giacomo Puccini - “Mimì?! Speravo di trovarvi qui” - La boheme


Giacomo Puccini - “Dunque è proprio finita!” - La boheme

LA BOHEME – Alegría de vivir -Año XVI. Nº 940

Alfred Pages - La vie de boheme - s. 1885  (Colección privada)

 

Pintura

Está considerada una de las obras maestras más destacadas de Pages. La vida bohemia es aquella vida despreocupada que busca la alegría de vivir, los placeres mundanos y las compañías agradables. Su modo de vida en la sociedad francesa y sobre todo en la ciudad de París, hacia mediados del siglo XIX, inspiró un movimiento cultural con obras literarias y teatrales. La gente bohemia vivía la noche, en los salones, en los cafés y en los bulevares de la ciudad de París. Rechazaban la búsqueda de la riqueza, viviendo únicamente para las artes, siguiendo las órdenes de las pasiones interiores, independientemente de si obtenían ingresos o no..

Música

Amor y celos, una despreocupada alegría de vivir y crudas decepciones, desdicha y felicidad, esperanza y muerte. En La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, el compositor, en colaboración con sus libretistas Giacosa e Illica, incide en las “pequeñas cosas” cotidianas, de una manera tierna, casi conmovedora, sin degenerar en ningún momento en un sentimentalismo exagerado.

ACTO II
En la terraza del Café Momo, los artistas se reúnen para celebrar la Nochebuena. Aparece la ligera Musseta, una ex amante de Marcelo, prendida del brazo de un rico e infeliz anciano llamado Alcindoro. Mussetta canta su famoso vals (“Quando m'en vò” - "Cuando voy") Todos salen llevando triunfalmente en hombros a la cantante, dejando al abandonado Alcindoro con el susto de ver crecida su cuenta.

Giacomo Puccini - Quando m'en vò - La boheme

MARGARITA – Por los anchos campos -Año XVI. Nº 936

Fritz Syberg - El amor por la tarde - 1889-91  (Museo Nacional de Estocolmo)

 

Pintura

Este cuadro de Syberg representa a una pareja que se corteja junto al camino tras un día de trabajo. Apartados del grupo, sus brazos se encuentran en una actitud defensiva pero, no obstante, expresan empatía. La carretera de detrás sugiere el camino implícito del matrimonio mientras que las nubes simbolizan la agitación y los distintos caracteres del amor. El sendero de la izquierda constituye tanto la vía de huida como de acceso del hombre: tanto el camino de vuelta a casa como el camino que por el que regresará para mantener un intercambio similar.

Música

Wo die Lerche singt (El canto de la alondra), opereta en tres actos compuesta por Franz Lehar, con libreto de A. Willner y de Heinz Reichert, se estrenó en el Teatro Real de Budapest, el 1 de febrero de 1918.

Un grupo de pintores ha disfrutado de sus vacaciones de verano en el campo y están a punto de regresar a Budapest. Sólo Sándor se queda atrás. Se ha enamorado de la aldeana Margit, a quien su abuelo llama cariñosamente “Margitka”. Para Sándor es un ruiseñor y ha comenzado a pintarla, pero no sabe que Margit está esperando el regreso de su prometido Pista, que está ocupado en la siega junto con otros jóvenes de la aldea.

Franz Lehar - Durch die weiten Felder - Wo die Lerche singt

LA ROSA DEL AZAFRÁN – Diferencias insalvables -Año XVI. Nº 930

Vincent Van Gogh - Bodegón con una canasta de azafrán - 1887  (Museo Van Gogh, Amsterdam)

 

Pintura

Naturaleza muerta debida a Van Gogh que representa una canasta con bulbos de azafrán. El artista estaba convencido de que el dibujo era la base, la raíz de todo, creía con firmeza que, para ser un gran pintor, uno tenía que aprender a dibujar antes de añadir color. A lo largo de los años llegó a dominar claramente el dibujo y empezó a usar más color.

Música

La rosa del azafrán es una zarzuela en dos actos y seis cuadros, con texto original de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y música de Jacinto Guerrero, que se estrenó el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid. El tema es clásico: el amor entre dos personajes de diferentes clases sociales. El nombre de la zarzuela se debe al azafrán (crocus sativus) que es una planta con raíz bulbosa, de flores moradas y estigmas rojos que se usa para condimentar y para teñir de amarillo, también posee algunas propiedades medicinales. Se hace referencia en el libreto a que el amor es tan frágil como esta flor peregrina otoñal, "que brota al salir el sol y muere al caer la tarde".

Reaparece Juan Pedro, quien no había olvidado a Sagrario, ni ella a él, pero la diferencia por el status era tan obvia, que no permitía el amor entre ellos (Romanza de Sagrario “No me duele que se vaya”) Juan Pedro le pide ayuda a Custodia, quien al ver que ambos sufrían injustamente, halla la solución: Juan Pedro se haría pasar por el hijo de Don Generoso, y al mismo tiempo esto podría ayudar a Don Generoso a recuperar la cordura.

Jacinto Guerrero - No.10 Romanza de Sagrario - La Rosa del Azafrán

VENECIA – Duerme tranquila -Año XVI. Nº 927

Bernardino Licino – Retrato de una dama – 1524  (Galleria Giorgio Franchetti alla Ca' d'Oro, Venecia)

 

Pintura

Licinio fue, ante todo, retratista, donde alcanzó cotas de gran realismo. La mujer rubia del retrato a medio cuerpo está representada a la manera típica del artista- en el pedestal, en el lado izquierdo del espectador, puede verse el año de la ejecución de la pintura.

Música

La Dogaresa es una zarzuela en dos actos de Antonio López Monís, con música de Rafael Millán, estrenada en el Teatro Tivoli de Barcelona, el 17 de septiembre de 1920.

La acción se sitúa en la época medieval en una Venecia gobernada por un viejo Dux que pretende convertir a la joven Marietta en su consorte, su Dogaresa, aunque el verdadero amado de Marietta es el gondolero Paolo (No. 2 Romanza, “Ya muerto está mi amor en flor”) Rosina, esposa de un buen amigo de este, trama un plan según el cual Paolo debe acudir de noche con su góndola al palacio y huir con Marieta (No. 9 Serenata,“¡Ah! Ya duerme Venecia tranquila”)

Rafael Millán - No.2 Romanza - La Dogaresa


Rafael Millán - No.9 Serenata - La Dogaresa

VENECIA – El puente de los suspiros -Año XVI. Nº 924

John Singer Sargent - Puente de los suspiros, Venecia - c. 1903-04  (Brooklyn Museum of Art, Nueva York)

 

Pintura

Sargent visitaba Venecia todos los años y, por tanto, es la ciudad que más plasmó en sus obras. En sus acuarelas, el artista dibujaba sobre todo el cambio constante de la luminosidad en el agua de los canales de la ciudad y los palacios barrocos y lo hacía desde una góndola, por lo que son las vistas de un espectador en movimiento. Sargent utilizó varias técnicas para crear luces y reflejos en este trabajo. La más obvia es la aplicación de empaste blanco en los gondoleros y figuras en el barco. El artista creó la luz reservando el papel blanco que forma la parte superior del arco; una línea dura de pigmento azul indica donde la pintura húmeda del cielo se encuentra con el papel seco y reservado. Los reflejos más sutiles fueron creados por raspado en seco, especialmente en el edificio de color canela más allá del arco y la línea de flotación debajo. La eliminación de pintura húmeda es evidente alrededor de la proa de la góndola y en el cielo a la derecha del arco.

Música

Le pont des soupirs (El puente de los suspiros) es una opéra bouffe u opereta con música de Jacques Offenbach y libreto de Hector-Jonathan Cremieux y Ludovic Halévy. Se estrenó en versión de dos actos en el Théâtre des Bouffes Parisiens, París el 23 de marzo de 1861.

El biógrafo de Offenbach, Alexander Faris, señala similitudes entre esta obra y “Los gondoleros” de Sullivan, de 1889. Comenta que "en ambas obras hay coros à la barcarolle para los gondoleros y contadini [en] tercetos y sextetos. Offenbach incluye una narración sobre la cobardía de un almirante veneciano en la batalla, mientras Gilbert y Sullivan incluyen a su duque de Plaza Toro-quien dirigió su regimiento desde la retaguardia". Ambos también parodian la cachucha con un exceso de ritmo". La obra contiene múltiples serenatas bajo el balcón de la protagonista como “La Rève”.

Jacques Offenbach - La Reve - Le pont des soupirs


Jacques Offenbach - Couplets de los gondoleros - Le pont des soupirs

VENECIA – Sin moverse de casa -Año XVI. Nº 923

Pierre Auguste Renoir - Gran Canal en Venecia - 1881  (Museo de Bellas Artes, Boston)

 

Pintura

Cuando se exhibieron por primera vez los cuadros venecianos de Renoir, un crítico los calificó como "la serie más escandalosa de matices feroces que cualquier calumniador de Venecia pueda imaginar". Constituyeron una desviación radical de la veduta veneciana tradicional: pinturas sobrias que destacan los famosos monumentos de la ciudad. Apenas reconocible como el tramo del canal entre el palacio de Ca 'Foscari y el puente de Rialto, la pintura de Renoir disuelve las fachadas de piedra en un patrón transparente de color que no es más material que el agua o las nubes.

Música

La zarzuela en un acto y cuatro cuadros, El carro del sol, con texto de Maximiliano Thous y música de José Serrano, fue estrenada el 4 de julio de 1911, en el Gran Teatro de Madrid.

Esta zarzuela, calificada por algunos como "verdadera ópera cómica española", presenta un abanico de melodías, de diversos lugares, sin moverse del sitio, gracias a las posibilidades que el libreto ofrece al compositor. Así escuchamos motivos exóticos morunos en la canción mahometana, música andaluza en la romanza de Antonio, o música con sabor italiano en el coro de gondoleros y en la canción veneciana de Angelita "Pensando en el que la quiere".

José Serrano - Cancion Veneciana - El Carro del Sol

CANCIÓN DE CUNA - Visión exótica -Año XVI. Nº 915

 

Paul Gauguin - Maternite II - 1899  (Colección privada)

Pintura

Esta obra, pintada por Gauguin mientras vivía en el distrito de Punaauia en Tahití, es una oda a la fertilidad. El tema de esta pintura es la maternidad, y el artista lo ha resuelto con una interpretación rica y altamente personalizada. La pintura se terminó en el momento en que Pahura, la amante polinesia de 17 años de edad de Gauguin, dio a luz al hijo de la pareja en abril de 1899. La figura que amamanta al bebé en la parte inferior derecha de la composición simboliza este acontecimiento, mientras que con las dos asistentes y la generosidad de los grandes frutos y flores, se reitera la belleza y la abundancia de la naturaleza. En esta obra, a diferencia de la conservada en el Museo Hermitage de San Petersburgo sobre el mismo tema, la composición excluye los detalles narrativos y se reduce a las imágenes de las tres mujeres, creando una declaración más audaz sobre la importancia de la maternidad.

Música

La Créole es una ópera cómica en tres actos de 1875 con música de Jacques Offenbach. El francés libreto fue por Albert Millaud, con material adicional por Henri Meilhac. Se estrenó en el Théâtre des Bouffes Parisiens, Salle Choiseul en París, el 3 de noviembre.

ACTO III
Dora (la Créole), la hija de un fallecido propietario de una plantación en Guadalupe, ha sido llevada a La Rochelle como nueva criada del comandante Adhémar de Feuillemort y souvenir de sus viajes. En Guadalupe, ella había sido amante de René, y ambos redescubren su mutuo amor. Pero el comandante tiene la intención de casar a René con Antoinette, quien, a su vez, ama a Frontignac. Los cuatro jóvenes amantes conspiran juntos para escapar de las cadenas del comandante. Dora arrulla al comandante, para que se duerma, con una visión de su tierra natal.

Jacques Offenbach - Berceuse - La Creole

CANCIÓN DE CUNA - Alegría de las madres -Año XVI. Nº 914

Ferdinand Georg Waldmüller -Alegría de una madre - 1857  (Colección privada)

 

Pintura

Waldmüller representa en esta escena una madre jugando con sus hijos. La brillante luz directa modela las figuras. La coloración de la piel más oscura del adulto es diferente de la de los niños, cuyos pies descalzos están sucios. El color de las prendas es fuerte, su materialidad se caracteriza por pinceladas frescas y específicas. La naturaleza muerta que aparece en el fondo no parece haber sido inventada, sino tomada de la vida cotidiana. La atención especial del pintor se dirige a los niños, especialmente a los de las clases no educadas, cuya naturaleza es particularmente mostrada sin alteraciones.

Música

Félix Lavilla, uno de los más destacados pianistas de la segunda mitad del Siglo XX, especializado en el repertorio vocal, además de compositor, maestro, solista y director de orquesta, publicó en 1965 sus Cuatro canciones españolas: Fandango, Vasca, Nana, Asturiana.

Lavilla alternó su brillante carrera de concertista inicial con la composición, que estudia con Joaquín Turina, y la dirección de orquesta con Carlo María Giulini, con quien mantuvo un especial vínculo y amistad durante toda su vida. Estuvo casado con la mezzosoprano Teresa Berganza de 1957 a 1977, a quien acompañó en giras por el mundo durante todos esos años.

Félix Lavilla - Nana - Cuatro canciones españolas

RUSIA IMAGINADA – La mujer rusa -Año XVI. Nº 911

Vladímir Burliuk - Campesina ucraniana - 1910-11  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

Burliuk nos acerca al mundo y las costumbres del campesinado de las regiones del sur del imperio, hoy Ucrania, a través de un lenguaje colorista y sintético y un estilo derivado tanto del puntillismo de Seurat y Signac como del arte popular ruso. La precisión con la que el pintor representa el estampado del vestido que luce la joven y los collares de abalorios de colores, son consecuencia de su interés por la etnografía propia del lugar.

Música

Katiuska es una opereta en dos actos, con música de Pablo Sorozábal y libreto de Emilio González del Castillo y Manuel Martí Alonso. Se estrenó el 27 de enero de 1931 en el Teatro Victoria de Barcelona. Destacan las romanzas de Katiuska “vivía sola” o “noche hermosa”, y la vibrante y apasionada de Pedro “la mujer rusa”.

La obra iba a llamarse Katiuska, pero como alguien había registrado previamente el título en la Sociedad de Autores, tuvieron que añadir la coletilla de “la mujer rusa”, que luego fue cambiada por “la Rusia roja”, por motivos propagandísticos-políticos. Tras la guerra civil, despojaron el nombre de coletillas, también por motivos nada literarios ni musicales, aunque, esta vez, de signo contrario. La trama se desarrolla tras la Revolución rusa, presentando a los comunistas y a los nostálgicos del régimen zarista. Todo ello aliñado con una historia de amor. Un comisario del pueblo, Pedro Stakof, se siente dividido entre su amor por Katiuska, perteneciente a la familia imperial rusa, y sus deberes como bolchevique.

Pablo Sorozábal - La mujer rusa - Katiuska


Pablo Sorozábal - Noche hermosa - Katiuska

RUSIA IMAGINADA – El Zarévich -Año XVI. Nº 910

Wassily Kandinsky - Domingo, Vieja Rusia - 1904  (Museo Boymans van Beuningen, Rotterdam)

 

Pintura

Kandinsky se formó inicialmente como abogado y economista. En 1896 decidió dedicarse al arte. A partir de 1910 se hizo famoso por sus escritos teóricos y como pionero del arte abstracto. En el período anterior realizó pequeñas pinturas figurativas como esta escena histórica con caballeros y feligreses frente a los muros de una ciudad.

Música

Der Zarewitsch (El zarévich) es una opereta en tres actos con música de Franz Lehár y libreto de Heinz Reichert y Béla Jenbach. Se estrenó en el Deutsches Künstlertheater de Berlín, el 21 de febrero de 1927.

El primer ministro y el Gran Duque están preocupados de que el Zarewitch, quien está ya en edad de casarse, no muestre interés por las mujeres. Idean la estratagema de presentarle a una joven, disfrazada con el uniforme de los Circasianos. Sonia canta, anhelante, mientras espera a que le presenten al Zarewitch (“Einer wird kommen” – “Alguien vendrá”) Durante su encuentro el Zarewitch descubre que su acompañante es, en realidad, una mujer, pero la acepta y querría que estuviera siempre a su lado (“Bleib bei mir” – “Quédate junto a mi”)

Franz Lehar - Einer wird kommen - Der Zarewitsch


Franz Lehar - Bleib bei mir - Der Zarewitsch

NAVIDAD – Misterio de la piedad -Año XV. Nº 881

Pietro da Cortona - La Natividad - c. 1658  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

El soporte de esta pintura está compuesto por cuarenta y tres pequeñas placas de venturina y tres de pizarra. La venturina, denominada así porque su producción dependía principalmente de la suerte o ventura, es una pasta de vidrio que imita los efectos de la piedra procedente de India y Rusia a la que da nombre. Se comenzó a elaborar a principios del siglo XVII en la ciudad veneciana de Murano, añadiendo óxido de cobre a la pasta de vidrio transparente. Así se conseguían característicos brillos de intensidad variable, que da Cortona aprovechó para evocar el cielo estrellado.

Música

Telemann compuso la cantata Kündlich gross ist das gottselige Geheimnis (Verdaderamente es grande el misterio de la piedad) TWV 1:1020, destinada al día de Navidad, obra de madurez situada alrededor de 1760, cuando el músico, ya septuagenario, seguía incansablemente componiendo para las cinco iglesias principales de Hamburgo.

La cantata, sobre un texto del clérigo T. H. Schubart, menos ‘poético’ y más apegado a las citas bíblicas, hace referencia a la fe y la piedad divina. Aunque se aprecia una mayor complejidad musical, la estructura es la tradicional: brillantes introducciones orquestales solemnes corales, para ser cantadas por los asistentes a la ceremonias, y, luciendo como gemas rutilantes las arias ‘da capo’ de los solistas, llenas de adornos y coloraturas

Telemann - I. Kündlich gross ist das gottseilige Geheimnis - TWV 1, 1020


Telemann - II. Erstaunet, forschende Gedanken - TWV 1, 1020