EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES – Cacareos de un ave común -Año XIV. Nº 826

Pablo Picasso - Mujer con gallo - 1938  (Museo de Arte, Baltimore)

 

Pintura

A Picasso le encantaban toda clase de animales. Su peculiar bestiario estaba formado por aves —palomas, gallos y búhos— así como por perros, gatos, toros, caballos y cabras que aparecen reiteradamente en sus obras. En este caso representa un gallo en el momento anterior a su muerte a manos de una mujer sentada, que lo sujeta con fuerza de las alas con una mano, mientras en la otra sostiene un recipiente destinado, presumiblemente, a recoger su sangre. En el suelo se encuentra el cuchillo con el que el animal será sacrificado.

Música

No se sabe la fecha exacta de la publicación que realizó el compositor francés Jean-Philippe Rameau, a sus propias expensas, de sus Nouvelles Suites de Pièces de Clavecin. La mejor aproximación la sitúa entre febrero de 1726 y el verano de 1727. A esta colección pertenece la Suite en Sol mayor/sol menor al que pertenece el movimiento titulado La Poule (la gallina)

En palabras de Olivier Baumont, clavecinista que ha explorado el universo musical francés de los siglos XVII y XVIII, virtuoso intérprete de la obra para tecla de Rameau «la gigantesca Gallina es un brillante y terrorífico ensayo sobre la malicia». En ella reproduce el cacareo de una gallina en el corral y sigue las evoluciones del ave en el transcurso del día, desde sus correteos enloquecidos al nervioso picoteo del grano. El maestro repite machaconamente el Bajo Fundamental en los acordes en ostinato de la mano izquierda, mientras la derecha desgrana las modulaciones que permite el acorde mayor en todas sus inversiones. El salto intensamente repetido, acorde tras acorde, en la sucesión armónica, es un intento de genio para conseguir que los obtusos oponentes a sus teorías interioricen los sonidos del acorde fundamental, tan natural como los movimientos de un ave común y tan abundante como la gallina.

Jean-Philippe Rameau - La Poule - Suite en Sol Mayor

EL RESPLANDOR DEL BARROCO - Emulando al laúd -Año XII. Nº 717

Michelangelo Merisi da Caravaggio - El tañedor de Laúd - 1595-96  (Hermitage, San Petersburgo)

 

Pintura

Ésta es una obra temprana de Caravaggio, en la que buscó, sobre todo, transmitir la realidad y la solidez del mundo circundante. En ella podemos ver los elementos propios del estilo del maestro, que tuvo una amplia influencia en otros artistas. La figura de un joven vestido con una camisa blanca se destaca claramente contra el fondo oscuro. La fuerte luz lateral y las sombras proporcionan a los objetos un peso y volumen casi tangible. Caravaggio estaba interesado en la singularidad del mundo circundante y hay características marcadamente individuales no sólo en la cara del joven sino también en los objetos que componen la naturaleza muerta: la pera dañada, la grieta en el laúd, las arrugadas páginas de la partitura. La melodía escrita en esas páginas corresponde a la de una canción de moda, por entonces, titulada "Sabes que te amo", de Jacques Arcadelt. El amor, como tema de obra, también se puede apreciar por otros objetos. Por ejemplo, el laúd agrietado era una metáfora del amor que fracasa, como aparece en la obra de Tennyson "Idilios del rey": «Es la pequeña grieta en el laúd, por la que poco a poco enmudecerá la música» (Merlin y Vivien)

Música

El Preludio en Do menor, BWV 999, es una obra compuesta para laúd sólo por Johann Sebastian Bach, probablemente a finales de los años 1710 o principios de los 1720, cuando Bach vivía en Köthen, y puso la mayor parte de sus energías en la música instrumental.

Como con la mayoría de las obras para laúd de Bach, tiene que considerarse la idea de que el Preludio fuera compuesto realmente para un Lautenwerk (una versión modificada del clave, emulando al laúd) en vez de para un laúd real (aunque el punto carece de importancia si se considera que las obras para laúd de Bach, hoy en día, casi nunca se interpretan ni al clavecín ni con el laúd, sino con la guitarra, que hace tiempo las ha absorbido en su repertorio)

Johann Sebastian Bach - Prelude in C Minor BWV 999 (Lautenwerk)

EL RESPLANDOR DEL BARROCO - Ejercicios artísticos -Año XII. Nº 713

Jan Steen - Joven tocando el clavicordio - c. 1659  (National Gallery, Londres)

 

Pintura

Una joven tocando el virginal, o como aquí, un clavicordio, fue uno de los temas más populares entre los pintores holandeses del siglo XVII. Y como, en otras pinturas contemporáneas, en el instrumento aparece inscrita una cita popular de la Biblia: ACTA VIRUM / PROBANT (La acciones prueban al hombre), que puede ser un comentario ingenioso e irónico a esta escena de coqueteo más bien pasiva. En la parte interior del instrumento se puede leer: "Soli Deo Gloria" (Sólo gloria a Dios)

Música

Los Seis Pequeños Preludios BWV 933-938 son un grupo de piezas escritas por el compositor alemán Johann Sebastian Bach para clavecín. Todos ellos son breves estudios de interés pedagógico, compuestos alrededor del período de 1717 a 1720. No fueron publicados hasta 1802. Se trata de piezas cortas que requieren un profundo conocimiento de la técnica, compuestas principalmente con fines instructivos, y que no estaban destinadas para su interpretación.

Bach compuso el Pequeño Preludio en Do mayor, BWV 933 para que sus estudiantes se familiarizaran con el teclado, de modo que no se publicó hasta 1802. Este preludio está dividido en dos secciones cortas repetidas, seguidas por una variación de cada sección, y tiene como objetivo adquirir una independencia completa de las manos.

Johann Sebastian Bach - Pequeño Preludio en Do mayor, BWV 933

AL BAILE – Cuaderno de danzas -Año VII. Nº 396

Duncan Mackellar - The Minuet - c. 1908  (Museo de Glasgow)

Duncan Mackellar representa la antigua danza tradicional de la música barroca, originaria de la región francesa de Poitou, que alcanzó su desarrollo entre 1670 y 1750. El minueto se convirtió rápidamente en el baile cortesano por excelencia, sus pasos gráciles y aparentemente sencillos dotaban a esta danza de una enorme elegancia, a pesar de tener patrones complejos y ser necesaria una ejecución precisa para realizar los pasos de acuerdo a la música.

El Minueto en sol mayor BWV Anh. 114 es una pieza para teclado incluida en 1725 en el Cuaderno de Anna Magdalena Bach. Hasta 1970 fue atribuida a Johann Sebastian Bach, sin embargo se ha identificado que pertenece a una suite para clavecín del organista alemán Christian Petzold.

El cuaderno en cuestión, que pertenecía a la segunda esposa de Johann Sebastian Bach, Anna Magdalena, es una compilación de música de varios compositores de finales del siglo XVII y principios del XVIII, entre ellos François Couperin, Georg Böhm, Johann Sebastian Bach y, posiblemente, algunos de sus hijos. La mayoría de las entradas en el cuaderno de 1725 fueron realizadas por la misma Anna Magdalena, y algunas fueron aportadas por Johann Sebastian y varios amigos de la familia Bach. Sólo se identifican unos pocos compositores en el mismo. El Minueto en Sol mayor y su compañero son dos de las muchas obras anónimas incluidas.

Christian Petzold & Johann Sebastian Bach - Minueto en Sol Mayor BWV Anh 114

GUITARRAS Y TECLADOS – El herrero armonioso -Año VII. Nº 381

Joseph Wright of Derby - Una forja de hierro - 1772  (Tate Britain)

La mayoría de las escenas domésticas de Wright de Derby se caracterizan por la iluminación artificial como bien podemos observar en esta forja de hierro, cuya luz procede de la barra de hierro recién forjada. A su alrededor observamos los gestos del herrero y de los miembros de su familia -la mujer y los niños asustados por el proceso de forja-, creando espectaculares contrastes lumínicos que recuerdan a los trabajos de los pintores holandeses de la escuela de los caravaggistas de Utrecht. La estancia se muestra de manera espectacular, envuelta en sombras que nos permite contemplar los toscos muros de piedra y la potente viga de madera que sujeta todo el entramado de la forja, forjas que se empezaron a utilizar durante el siglo XVI y que continuaron hasta la producción industrial. Las herramientas, los vestidos y las actitudes están captados con un detalle extraordinario.

Haendel publicó sus ocho primeras suites para clave en 1720. Entre ellas hay un movimiento, concretamente el último de la Suite nº5 en Mi mayor HWV 430, compuesto por un aria y cinco variaciones, que se ha hecho famoso por sí solo y al que se conoce como The Harmonious Blacksmith (El herrero armonioso)

Hay varias leyendas que explican el origen del título siendo la más verosímil aquella según la cual el herrero armonioso sería William Lintern, un aprendiz de herrero de Bath que posteriormente se dedicó a la música y que abrió una tienda en la que vendía partituras de Haendel y otros compositores. Al parecer, Lintern publicó el movimiento en cuestión bajo el título "The Harmonious Blacksmith" porque ese era su apodo (el de Lintern) y la pieza en cuestión era su favorita y la que más solía interpretar al clave.

Georg Friedrich Haendel - Aria 'El herrero armonioso' - Suite nº5 en Mi mayor HWV 430

GUITARRAS Y TECLADOS – Vendaval de virtuosismo -Año VII. Nº 380

Johannes Vermeer - Mujer de pie ante un Virginal - c. 1670-72  (National Gallery, Londres)

El centro de la pintura encuentra a una mujer observando al espectador. Una silla, cuadros, piso de azulejos, zócalos y una ventana la envolverán en un escenario claramente burgués. Los cuadros en la pared no pueden identificarse, pero se entiende que el de la izquierda representa un paisaje y el de la derecha se le atribuye a Cesar van Everdingen, quien representó a Cupido sosteniendo una carta. Vermeer logra excelentes efectos con los colores, sin embargo en esta obra su paleta será limitada. Este cuadro da espacio a tonos brillantes, blancos, azules, amarillos, un tono de verde. Esto permite que el artista logre captar los detalles, por ejemplo, de la vestimenta de la mujer, de los marcos sobre la pared del fondo y hasta de la luz que entra en el ambiente y nos permite observar ese instante. Un dato de color lo entrega el tono azul ultramarino, un pigmento bastante costoso en esa época y que se encuentra en los detalles de la silla que se ve en primer plano. Esto pudo haberle dado más valor a la obra. El óleo es muy preciso en sus líneas rectas (pared, suelo, cuadros) y en sus líneas curvas (mujer, paisaje). Esto garantiza la exactitud de la escena que contiene en las sombras y en las luces un reflejo justo y casi fotográfico de la imagen. La perspectiva del artista devuelve una representación del mundo que es posible y visible.

Antonio Soler y Ramos fue un compositor y clavecinista español, representante de la escuela española de música para teclado del siglo XVIII, y seguidor de la corriente musical introducida en España por el italiano Domenico Scarlatti. Es popularmente célebre su Fandango en re menor, R. 146, un aire de la rítmica danza española, compuesto en 1760.

Aunque Soler ocasionalmente empleó la forma de tema y variaciones, ninguna obra se puede comparar en magnitud al Fandango, su obra más conocida: Se basa en el omnipresente patrón armónico del ostinato, una hipnótica secuencia de doce notas que aparece regularmente en la mano izquierda, y que soporta una exhaustiva explotación de los recursos del clave: Quiebros, citas enmascaradas y giros de todas clases (tanto rítmicos como armónicos), relámpagos de escalas, acordes y centellas, un vendaval de virtuosismo que levanta las faldas del monje y le hace bailar por los claustros del monasterio.

Antonio Soler - Fandango en re menor, R. 146

GUITARRAS Y TECLADOS – Cuerdas percutidas -Año VII. Nº 379

Nicolas Poussin - Santa Cecilia - 1627-28  (El Prado, Madrid)

Virgen y mártir, Santa Cecilia ha sido venerada desde la Antigüedad cristiana considerada desde el siglo XVI como patrona de la música ya que, según la leyenda, mientras los músicos tocaban en su boda su corazón cantaba sólo a Dios, tras haber hecho voto de castidad. La santa suele ser representada con un instrumento musical o en el momento de su martirio, cuando un verdugo intentó decapitarla sin conseguirlo.

Das wohltemperierte Klavier (El Clave bien temperado), es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática. Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fue publicado en vida del autor. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos. Lo que sí sabemos es que el primer volumen (que comprende los preludios y fugas del BWV 846 al BWV 869) fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801.

El clavecín y el clavicordio, instrumentos que se encontraban, en aquel tiempo, en su época de esplendor —hegemonía que mantendrían hasta finales del siglo XVIII, cuando el pianoforte finalmente se impuso como instrumento de teclado—, eran ambos de uso habitual en Bach. Un gran número de las piezas que Bach compuso para el teclado las pensó con un clavicordio, un instrumento de cuerda percutida que Bach tenía en alta estima porque le permitía acentuar y realzar libremente las voces en distintos planos.

Johann Sebastian Bach - Nº1 Preludio y fuga en do mayor BWV 846 (clavicordio)

Johann Sebastian Bach - Nº1 Preludio y fuga en do mayor BWV 846 (piano)

EL RESPLANDOR DEL BARROCO - Pastoral -Año V. Nº 297

Samuel van Hoogstraten - Las zapatillas - 1654-62  (Louvre, París)

El cuadro muestra el uso característico de van Hoogstraten de los suelos embaldosados, con el fin de acentuar la profundidad de la composición. Los planos alejados subrayan todavía más este efecto, delimitados por el marco del cuadro y los de las puertas y, por fin, las dos imágenes del fondo. Al plasmar parte de la puerta abierta en primer plano, el artista sitúa al observador en la entrada, lo cual acentúa el efecto ficticio del cuadro.

Sólo una minúscula fracción de la producción de Doménico Scarlatti se publicó durante la vida del compositor. Parece que el mismo Scarlatti supervisó la publicación en 1738 de su colección más famosa, una antología de treinta sonatas que tituló Essercizi per gravicemvalo. Aún hoy, la mayoría del repertorio scarlattiano interpretado en concierto está basado en los Essercizi.

Sin embargo, nos han llegado 555 sonatas bipartitas, siendo todas esencialmente de un solo movimiento divididas en dos partes iguales (y repetidas), pero comprenden una gama sorprendente de expresión musical e invención formal. Las dificultades técnicas de sus sonatas (constante uso de la acciaccatura, saltos de manos) han hecho que a menudo se las considere como meros estudios de virtuosismo, pero su calidad está cimentada en que la dificultad está en buena medida al servicio de explorar todos los recursos y capacidades del clavicémbalo. La Sonata en re menor, K.9, L.413 ('Pastorale') está escrita en tempo Allegro.

Doménico Scarlatti - Sonata in D minor L.413 K.9

Doménico Scarlatti - Sonata in D minor L.413 K.9 (piano)

EL RESPLANDOR DEL BARROCO - Sones revolucionarios -Año V. Nº 264

Jan Steen - La lección de clavecín - 1660  (Wallace Collection, Londres)

Un par de amantes dispares constituyen el asunto en este cuadro de Steen: un viejo tonto, que viste un traje pasado de moda, se presenta como profesor de música de una niña remilgada, sentada ante un clavicordio. La gran llave, que cuelga prominente en el centro de la imagen, colocada en una línea por encima de la mano del anciano, implica su deseo. Sin embargo, la pintura situada por encima de ellos, indica que sus avances pasan desapercibidos. En ella se muestra a Venus, la diosa del amor, y a Cupido, el dios del deseo erótico, ambos dormidos.

Una de las piezas más notables en el repertorio de clavecín es Le Tic-Toc-Choc ou Les Maillotins de François Couperin, una “pièce croisée” de su decimoctavo Ordre publicado en su Tercer Libro de 1722. “Tic-Toc” es un término artificial que expresa un pulso, un movimiento repetido, un latido, un caballo que camina, el péndulo de un reloj o un martillo que golpea. Se conoce por “Les Maillotins” a los participantes de una revuelta en París en el año 1382 en protesta por la subida de impuestos para sufragar la Guerra de los Cien Años.

En 1717 Couperin se convirtió en organista y compositor de la corte con el título ordinaire de la musique de la chambre du Roi. Sus tareas en la corte francesa consistían en crear música sacra para las oraciones reales y música de cámara para deleite de los monarcas. Con sus colegas, daba un concierto todas las semanas, normalmente en domingo. Muchos de estos conciertos tenían la forma de suites para violín, viola da gamba, oboe, traverso y clavicémbalo, del cual era un virtuoso intérprete.

François Couperin - Le Tic-Toc-Choc ou les Maillotins