RETRATOS DE MUJER - Salomé -Año XVI. Nº 963

William Clarke Wontner - La tañedora de saz - 1903  (Colección Pérez Simón, Ciudad de México)

 

Pintura

Wontner fue un pintor relativamente menor que formaba parte del movimiento neoclásico en Inglaterra, dirigido por Alma-Tadema. Su estilo favorecía a las mujeres seductoramente lánguidas frente a los fondos de mármol clásicos u orientales. Sus telas fielmente envueltas sobre modelos europeos patentes, de alguna manera crearon un aire de orientalismo. El saz o bağlama se refiere a una familia de instrumentos de cuerda o cordófonos, descendiente de la antigua pandura, de tipo laúd con mástil largo, que se toca en varias regiones como Turquía, Irán, Irak, Siria y los Balcanes. Se puede tocar con plectro o con los dedos.

Música

Salome, schönste Blume des Morgenlands. Orientalischer foxtrot (Salomé, la flor más bella del Oriente. Foxtrot oriental) es una canción escrita por Robert Stolz en 1920, con letra de Arthur Rebner. La canción toma su título y se inspira en el personaje del Nuevo Testamento, responsable de la muerte de Juan el Bautista.

El símbolo del erotismo oriental es la figura de Salomé, cuyo mito es problemático, especialmente en lo que respecta a sus encantos. Con la muerte de Salomé, el texto muestra que, en el exotismo, la fascinación y la amenaza van de la mano. La poderosa atracción sexual de Oriente se encuentra conectada a la brutalidad de los habitantes, lo cual hace que los encantos de la extraña sean un poco peligrosos y por lo tanto más atractivos.

Robert Stolz - Salome, schönste Blume des Morgenlands - Orientalischer foxtrot


Robert Stolz - Salome, schönste Blume des Morgenlands - Orientalischer foxtrot (orquesta)

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Tranquilidad -Año XVI. Nº 955

John Atkinson Grimshaw - Noche con luna - 1880  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

Este cuadro es un magnífico ejemplo del estilo personal creado por Grimshaw, que se especializó en pintar avenidas iluminadas por la luz de la luna, calles en sombra y caminos mojados por la lluvia, con el fin de crear composiciones atmosféricas de marcado sello individual. La casa que se ve en este óleo es probablemente ficticia, inventada por el artista, basándose en una combinación de estilos que observaría y asimilaría. A menudo incluía una figura solitaria que añadía a la escena una sensación de contemplación y ambigüedad, invitando al espectador a imaginar una narrativa, a analizar los pensamientos y los sentimientos del personaje y a meditar sobre su caminar en una noche perdida y solitaria. Transmite una sensación de aislamiento y, a la vez, de libertad, al representar a una mujer que, abandonando los convencionalismos, camina de noche a solas con sus pensamientos.

Música

El pianista y compositor alemán Carl Bohm escribió la antigua canción alemana de amor Still wie die Nacht (Tranquilo como la noche), Op.326, No.27, sobre un texto anónimo, antes de 1913.

Bohm es considerado como uno de los principales compositores alemanes del siglo XIX. Como Schubert, fue más que un escritor de lieder, componiendo en la mayoría de los géneros. Su música de cámara, en su mayoría cuartetos y tríos de piano, fueron muy populares no sólo entre los aficionados, sino también entre los grupos de profesionales que, en sus giras, se veían en la necesidad de agradar y encandilar a su público.

Carl Bohm - Still wie die Nacht, Op.326, No.27

EL MISTERIO DE LA NOCHE – A media noche -Año XVI. Nº 954

Luis Rigalt y Farriols - Paisaje nocturno con monasterio en ruinas - c. 1850  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

En este paisaje crepuscular de Rigalt ubicado en las orillas de un lago, protagonizan la escena los restos de un monasterio gótico iluminado por la luna, escondida tras la mole arquitectónica del torreón fortificado. El foco de luz incide expresivamente sobre el interior de las ruinas, en una clara referencia al universo interior de la persona, a lo más recóndito, dejando en penumbra el exterior del edificio, cuyas formas, invadidas por la naturaleza, se enmascaran ante la evidencia de su potencialidad destructora e irreversible.

Música

Las Rückert-Lieder son cinco canciones para voz y orquesta o piano, compuestas entre 1901 y 1902 por Gustav Mahler, basándose en poemas escritos por Friedrich Rückert. En concreto “Um Mitternacht” (“A medianoche”) está fechada en el verano de 1901.

La única canción del ciclo que no es lírica es "Um Mitternacht." El texto épico y filosófico de esta canción se refleja en forma de himno más bien austero para conjunto de vientos, metales, timbales, arpa y piano. Mientras el cantante contempla el destino de la humanidad, la orquesta le acompaña con líneas contrapuntísticas de movimientos amplios. Un gran coro de metales subraya el depósito del destino de la humanidad en las manos de Dios para el culminante final. Siendo menos canción y más oda Sinfónica, la obra parece demasiado grande para un único solista vocal. El último verso, en particular, es una reminiscencia de las grandes sinfonías corales/orquestal de Mahler.

Gustav Mahler - No.4. Um Mitternacht - Ruckert Lieder

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Incorformismo -Año XVI. Nº 952

Zacarías González Velázquez - Alegoría de la noche - 1818  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Esta pintura de González Velázquez, que decora el techo de una alcoba, representa a Diana, diosa de la luna, mientras cubre con su manto a la Noche, cuyo geniecillo lanza sus flechas a Morfeo, que dormita con sus adormideras en la mano. El genio del lucero Vespertino vuela sobre él, sujetando una lechuza, símbolo de la Noche, mientras una ninfa arroja sobre la tierra el rocío.

Música

El número final de un conjunto de cuatro canciones para voces masculinas, publicado originalmente en 1823, Die Nacht, D. 983c (Opus 17, núm. 4), fue compuesto por Franz Schubert, probablemente en algún momento de 1822. El autor del poema nunca ha sido identificado con certeza real; pudo ser el trabajo de F. W. Krummacher, el conocido teólogo y filósofo, un hombre cuyas palabras nunca antes habían sido y nunca más serían puestas en música por Schubert.

“Die Nacht” (“la noche”), que no guarda relación musical o textual ni con el D. 358 ni con el D. 534 (dos Lieder titulados también “Die Nacht”), está escrito en cuatro partes. El texto transmite sentimientos de paz —ej. "Qué hermosa eres, bienvenida tranquila y celestial paz"— y Schubert lo trata de una manera no muy diferente al famoso, entonces recientemente compuesto, villancico de Navidad "Noche de paz" (una canción casi seguro desconocida para Schubert, pero cuyo texto tiene algunas similitudes superficiales)

Franz Schubert - Die Nacht (Op.17, No. 4)

BERLÍN – Los tres centavos -Año XVI. Nº 935

Jackson Pollock -Hombre con cuchillo - c.1938-40  (Tate Gallery, Londres)

 

Pintura

Pollock estaba empezando a encontrar su propio estilo individual cuando hizo este trabajo. La imagen sorprendentemente violenta de tres figuras entrelazadas se derivó de una obra perdida del pintor mexicano José Clemente Orozco que muestra la lucha fraterna entre Caín y Abel. La exploración de Pollock del tema puede reflejar su interés en los mitos arquetípicos explorados en el psicoanálisis junguiano. El tema también puede referirse a la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, que envolvió a Europa mientras Estados Unidos observaba con horror.

Música

Die Dreigroschenoper (La ópera de los tres centavos) es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht. Fue adaptada de La ópera del mendigo de John Gay, ópera-balada inglesa del siglo XVIII, y es una crítica marxista del mundo capitalista. Se estrenó el 31 de agosto de 1928 en Berlín, en el Theater am Schiffbauerdamm con Lotte Lenya.

Prólogo
Una cantante callejera entretiene al público con la balada (Bänkelsang), titulada "Die Moritat von Mackie Messer" ("Balada de Mac el Navaja") Al acabar la canción, un hombre bien vestido sale del público y entra en escena. Es Macheath, alias "Mac el Navaja".

Kurt Weill - Overtüre und Moritat über Macki Messer - Die Dreigroschenoper

CANCIÓN DE CUNA - Alegría de las madres -Año XVI. Nº 914

Ferdinand Georg Waldmüller -Alegría de una madre - 1857  (Colección privada)

 

Pintura

Waldmüller representa en esta escena una madre jugando con sus hijos. La brillante luz directa modela las figuras. La coloración de la piel más oscura del adulto es diferente de la de los niños, cuyos pies descalzos están sucios. El color de las prendas es fuerte, su materialidad se caracteriza por pinceladas frescas y específicas. La naturaleza muerta que aparece en el fondo no parece haber sido inventada, sino tomada de la vida cotidiana. La atención especial del pintor se dirige a los niños, especialmente a los de las clases no educadas, cuya naturaleza es particularmente mostrada sin alteraciones.

Música

Félix Lavilla, uno de los más destacados pianistas de la segunda mitad del Siglo XX, especializado en el repertorio vocal, además de compositor, maestro, solista y director de orquesta, publicó en 1965 sus Cuatro canciones españolas: Fandango, Vasca, Nana, Asturiana.

Lavilla alternó su brillante carrera de concertista inicial con la composición, que estudia con Joaquín Turina, y la dirección de orquesta con Carlo María Giulini, con quien mantuvo un especial vínculo y amistad durante toda su vida. Estuvo casado con la mezzosoprano Teresa Berganza de 1957 a 1977, a quien acompañó en giras por el mundo durante todos esos años.

Félix Lavilla - Nana - Cuatro canciones españolas

CANCIONES - Atardecer sobre el mar escandinavo -Año XIV. Nº 798

Nikolái Roerich - Solveig canta en la cabaña - 1912  (Museo Roerich, Moscú)

 

Pintura

El talento polifacético y versátil de Roerich se reveló también en sus trabajos para los espectáculos teatrales tales como «Peer Gynt». Este decorado, que representa la cabaña de Solveig en el bosque, fue diseñado para una producción de la obra de Ibsen.

Música

Escrita en 1875, y estrenada como música incidental de la obra escénica de Henrik Ibsen, el 24 de febrero de 1876, la partitura de Peer Gynt consta de veintiséis movimientos. Más tarde, en 1888 y 1891, Edvard Grieg extrajo varios movimientos, hasta dejar los ocho definitivos, divididos en dos grupos: Suite nº 1, Op. 46, y Suite nº 2, Op. 55.

La conmovedora “Canción de Solveig” corresponde al número 19 de la música incidental original y luego se repite, con distinta letra, en el 23. Concebida para voz de soprano, ésta es nuevamente sustituida en la suite por los violines, perdiendo gran parte de su encanto. La cuerda domina casi por completo este número, expuesto con una mansedumbre brumosa, evocadora de un atardecer tranquilo sobre el mar escandinavo. En ella Solveig expresa su fe en que su amado Peer, en esos momentos al otro lado del mundo, regresará a buscarla, aunque pase el invierno, desaparezca la primavera, y con el fin del verano termine el año. Y si acaso él ha muerto, seguirá esperándole allí, hasta el momento en que puedan reunirse para siempre.

Edvard Grieg - Canción de Solveig - Peer Gynt op. 23


Edvard Grieg - IV. Canción de Solveig - Peer Gynt Suite No. 2, op. 55

CANCIONES - Sol de poniente -Año XIV. Nº 797

Vincent van Gogh - Campo de trigo con cuervos - 1890  (Museo Van Gogh, Amsterdam)

 

Pintura

En primer plano contemplamos el punto de unión de los tres caminos que parten hacia diferentes direcciones; entre ellos, limitados con una línea verde que corresponde con las hierbas y la maleza, hallamos los campos de trigo en todo su esplendor, iluminados por la luz nocturna que tanto atrajo a van Gogh durante toda su vida. Casi la mitad superior de la tela está ocupada por un cielo oscuro, excepto dos manchas arremolinadas que se aclaran ligeramente. Los cuervos revoletean por el trigal, obtenidos con trazos negros que acentúan su esquematismo. La factura rápida y empastada ocupa toda la superficie del lienzo, poniendo de manifiesto todo su más extremo sentimiento. El propio Vincent admitió que quería expresar tristeza y una extremada soledad cuando realizó este trabajo, pero al mismo tiempo quería mostrar lo que él consideraba «sano y fortificante del campo».

Música

Beau Soir (Hermoso atardecer) es una canción francesa escrita por Claude Debussy. Se trata de una musicalización de un poema de Paul Bourget. Debussy tenía entre veinte o veintiún años, cuando escribió esta canción (ca.1883), y su música está marcada por la estética de la época.

Cuando al sol poniente los ríos se vuelven de color rosa
y un tibio escalofrío recorre los campos de trigo,
el consejo de ser feliz parece brotar de las cosas
y subir hacia el corazón turbado.
Un consejo de disfrutar el encanto de estar en el mundo,
mientras que se es joven y el atardecer es hermoso,
porque nosotros nos iremos como se va esta onda,
ella al mar, nosotros a la tumba.

Claude Debussy - Beau Soir

CANCIONES - La canción del arpista -Año XIV. Nº 796

John William Godward - La ausencia hace que en el corazón crezca el cariño - 1912  (Colección privada)

 

Pintura

A mediados de 1911, Godward se traslada «precipitadamente» a Roma, acompañado de «su modelo italiana». El artista se siente fascinado por la magnificencia clásica de Roma y Nápoles. La gran mayoría de sus obras presentan a mujeres con un vestido clásico, que contrasta con los elementos del paisaje o arquitectónicos. Los títulos reflejan la fuente de inspiración de Godward: la civilización clásica, sobre todo la de la Antigua Roma (de nuevo un tema que le une artísticamente con Alma-Tadema), aunque la antigua Grecia a veces cuenta, proporcionando así lazos artísticos, aunque de forma más limitada, con Leighton. Se dice que muchos de los nombres de los cuadros, se corresponden con una larga lista de nombres greco latinos que poseía el artista y que los ponía un tanto al azar.

Música

Pyotr Ilyich Tchaikovsky compuso una serie de Seis canciones para voz y piano, op. 6, a finales de 1869. La última de estas canciones es la melancólica "Sólo el que conoce la nostalgia". Se basa en el poema de Lev Mei "La canción del arpista", que, a su vez, traduce el poema de Goethe “El aprendizaje de Wilhelm Meister”. Dedicada a Alina Khvostova, la canción fue estrenada en Moscú en 1870.

¡Sólo el que conoce la nostalgia
sabe lo que sufro!
Solo y separado
de toda la alegría,
veo el firmamento
en esa dirección.
¡Oh! quien me quiere y me conoce
está muy lejos.
Estoy mareado, me queman
mis entrañas.
¡Sólo el que conoce la nostalgia
sabe lo que sufro!

Pyotr Ilyich Tchaikovsky - Sólo el que conoce la nostalgia - Seis canciones para voz y piano, op. 6


Pyotr Ilyich Tchaikovsky - Sólo el que conoce la nostalgia (orquestal) - Seis canciones para voz y piano, op. 6

CANCIONES - Monodia cortesana medieval -Año XIV. Nº 795

Anónimo - Alfonso X, el Sabio. Libro des Juegas - 1283  (Biblioteca del monasterio de San Lorenzo de El Escorial)

 

Pintura

El Libro de los juegos o Libro del ajedrez, dados y tablas es un manuscrito iluminado de finales del siglo XIII encargado por el rey Alfonso X de Castilla entre 1251 y 1283. El libro consta de 98 páginas, con 150 ilustraciones en color, y es uno de los manuscritos más importantes para la investigación de los juegos de mesa. En esta ilustración aparece Alfonso X el Sabio con sus colaboradores del escritorio real. Alfonso X y su corte.

Música

Alfonso X reunió, en el siglo XIII, una colección de más de 400 cantigas, la primera de las cuales es un Prólogo en el que teoriza sobre la actividad de trovar. Este "Prologo das Cantigas de Santa María ementando as cousas que á mester eno trobar" apoyaría explícitamente la idea de la autoría personal del monarca. No obstante, la cuestión de la autoría no está resuelta aún, pero con el tiempo y las investigaciones va creciendo la idea de una participación directa del rey.

Para ello hacen falta, dice, dos requisitos: “entendimento” (conocimiento del asunto) y “raçon” (saber decirlo, o sea, tener práctica en versificación, rima, música, etc.) La melodía discurre en una métrica de cinco tiempos no contemplada por los teóricos de la época, pero habitual en los territorios musulmanes y cristianos de la Edad Media e incluso posteriormente. Más de la cuarta parte de estas cantigas sigue esta métrica.

Alfonso X - Prólogo das Cantigas de Santa María

CANCIÓN DE CUNA - Efecto hipnótico -Año XIII. Nº 758

Evert Pieters - Alimentando al bebé - s. XX

Pintura

En esta escena de género interior, abundantes en la obra del artista, Pieters representa una madre alimentando a su bebé, en presencia de otro de sus hijos. Hermosa muestra de un amor que siempre, a través del tiempo, es y será incondicional: "Amor de madre".

Música

La colección de Seis Canciones, op. 16, que datan de 1872, fue la segunda serie de canciones de Tchaikovsky. Incluye primer elemento una “Canción de cuna”, con texto de Apollon Maykov.

La canción de cuna cuenta con un acompañamiento del piano, en rítmico balanceo, que algunos encuentran que tiene un efecto hipnótico, mientrasque a otros les parece algo tedioso, en su aparente falta de variedad. Su melodía, sin embargo, es cautivadora en su rusa melancolía y su belleza inquietante. Si la parte del piano se convierte en un poco obsesiva, es, sin embargo, eficaz para producir una atmósfera oscura, que suena etérea y sobrenatural, apenas mostrando el esqueleto de una canción de cuna sencilla. Una variante del tema vocal aparece dos veces y es más brillante y cálida, pero no puede romper el estado de ánimo nocturno, puesto que el piano sigue estando largamente sumido en la penumbra repetitiva y rítmica.

Tchaikovsky - Canción de cuna Op. 16 nº 1


Tchaikovsky - Canción de cuna Op. 16 nº 1 (piano)

LAS ESTACIONES - Noche de invierno -Año XIII. Nº 723

Caspar David Friedrich - Paisaje invernal con iglesia - 1811  (Museo de Arte e Historia del Arte, Dortmund)

 

Pintura

Friedrich realiza un cuadro religioso de contenido paisajístico, en la certeza panteísta de la presencia de Dios en el mundo a través de la naturaleza. De este modo, el espíritu entrenado puede hallar la fe en la naturaleza, en una relación espiritual privada, fuera de los templos, fuera de la iglesia medieval. A pesar de su costumbre de emplear dibujos anteriores sobre motivos reales, el artista realiza en esta obra su primer edificio gótico inventado. Al igual que en Cruz en las montañas, la estructura de las agujas góticas se repite en los abetos entre los que se halla, vuelta hacia el caminante - Friedrich - que ha abandonado sus muletas, la cruz. Dichos abetos simbolizan al creyente; la catedral gótica, alzándose entre la bruma, a una distancia indeterminada, es una aparición de la ciudad celestial, la Jerusalén divina, siempre representada como una arquitectura lejana, flotante y casi inalcanzable (Greifswald a la luz de la luna)

Música

Winterreise, D.911, Op.89 (Viaje de invierno) es un ciclo de lieder compuesto por Franz Schubert, sobre poemas de Wilhelm Müller. Es una de las obras que compuso en el último año de su vida, en 1827, y el conjunto de canciones sobre el que más trabajó.

“Gute Nacht“ (“Buenas noches“), “Fremd bin ich eingezogen...“, en re menor. Es el lied de mayor duración. Comienza diciendo “Llegué como un extraño, como un extraño me marcho", marcando así el aire de tristeza y aislamiento que predominará en toda la obra. Fue feliz (“la joven habló de amor, la madre incluso de matrimonio”), pero su historia de amor, por razones no concretadas, tiene que acabar. Una noche de invierno, se despide del lugar y de su amada. Él se despide de su amada, aún dormida, dándole las buenas noches. Se trata de un lied en ritmo de caminante, como indica el propio Schubert: “moderado, en movimiento de caminar”.

Franz Schubert - I. Gute Nacht - Winterreise, op. 89, D. 911

LAS ESTACIONES - Maniobras otoñales -Año XIII. Nº 722

Carlos de Haes - El Otoño (Árboles y casas) - c. 1862  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Este aguafuerte de de Haes muestra una tapia con dos casas a la izquierda -una de las casas con chimenea alta-; camino hacia la derecha, casi al centro; árboles detrás de las casas y al lado derecho del camino.

Música

Robert Stolz compuso la canción Auf der Heide blüh’n die letzten Rosen (“En el brezal florecen las últimas rosas“), con texto de Bruno Balz, para la película Herbstmanöver (RSWV 500), en Viena, el 11 de marzo de 1935.

Esta “canción al estilo popular“ se asemeja mucho a las canciones populares tradicionales. El compositor contó alguna vez la anécdota de cómo su amigo, el director de orquesta Karl Böhm, vivió durante muchos años con la errónea convicción de que era una auténtica pieza del folklore (hasta que Stolz le iluminó) Y el no menos célebre director de orquesta Herbert von Karajan aseveró: «Es una de las canciones alemanas más bellas».

Robert Stolz - Auf der Heide blüh'n die letzen Rosen - Herbstmanöver

CANCIONES - Saludo matinal -Año XII. Nº 716

John William Godward – The Old, Old Story - 1903  (Colección privada)

 

John William Godward – The Old, Old story II - 1904

Pintura

Godward produjo entre los años 1903 y 1904 dos obras con este título que representan escenas familiares de cortejo de sendas parejas de jóvenes enamorados, una historia tan antigua como la vida misma. Los colores, que se mantienen prácticamente inalterados a lo largo de toda su producción, se aplican a base de sucesivas capas transparentes (veladuras) y toques precisos, lo que favorece la extrema nitidez del conjunto.

Música

Mattinata (Mañana) fue la primera canción compuesta expresamente para una casa discográfica, the Gramophone Company (hoy en día HMV). Compuesta por Ruggero Leoncavallo en 1904, está dedicada al tenor Enrico Caruso, quien fue el primero que la grabó en 1904, con el compositor al piano.

Se trata de un saludo de un amante a su amada. Él la llama a despertar y a venir con él. El alba se viste de blanco, dando alegría a la tierra. El narrador le pide al objeto de su afecto que se vista de igual forma y le de alegría a él: "Ove no sei, la Luca Manca, ove tu sei, nasce l'amor!" ("¡Dónde no estás, la luz no puede brillar, dónde estás, nace el amor!")

Ruggero Leoncavallo - Mattinata

SOBRE EL AMOR Y DESAMOR – Tu beso es mi tesoro -Año XII. Nº 703

Edvard Munch - El beso - 1897  (Galería nacional, Oslo)

 

Pintura

En esta pintura al óleo de Munch, se muestra a una pareja en la obscuridad, con sólo un rayo de luz atravesando una ventana que se encuentra en su mayoría cubierta por una cortina. Las figuras se abrazan mientras aparentemente se fusionan en una sola, sus caras se unen en una forma sin facciones. El artista eligió pinceladas largas y de alguna manera toscas, que parecían trazos más manchados que pintados.

Música

Luigi Arditi fue un compositor, director de orquesta y violinista italiano. De 1858 a 1869 fue director de orquesta en el teatro Her Majesty de Londres, convirtiéndose en el director de orquesta favorito de Madame Patti, quien en ocasiones cantaría la obra más alabada del autor, el vals vocal II Bacio (El Beso), basado en un poema de Gottardo Aldighieri.

En los labios si pudiera
te daría un dulce beso.
Todo te diría de la dulzura del amor.
Siempre sentada cerca tuyo,
mil alegrías te diré,
¡Ah! te diré.
Y los pálpitos
que responden a mi corazón escucharás.

Piedras preciosas y perlas no deseo,
no vago por otro afecto.
Tus ojos son mi deleite,
tu beso es mi tesoro.
¡Ah! ¡ven! ¡no te demores más!
¡a mi!
¡Ah ven ! ¡de la embriaguez de un abrazo
yo vivo!
¡Ah!

Luigi Arditi - Il bacio

BELLE EPOQUE – El placer del amor -Año XII. Nº 673

Lawrence Alma-Tadema - Not at home (My sister is not in) - 1879  (Walter Arts Museum, Baltimore)

 

Pintura

Una doncella romana cierra una cortina en un intento poco convincente de ocultar a su hermana de un pretendiente. Los ricos patrones británicos de Alma-Tadema podían relacionarse fácilmente con los individuos que retrata: miembros de la clase alta en una época de abundancia.

Música

Plaisir d'amour (El placer del amor) es una clásica canción de amor francesa escrita en 1784 por Jean Paul Égide Martini. Tomó el texto de un poema de Jean de Florian, que aparece en su obra “Célestine”. Hector Berlioz arregló la pieza para orquesta (H134) en 1859. El compositor es reconocido por haber sido el primero en publicar canciones con acompañamiento del piano en lugar de utilizar el continuo típico de su época.

El placer del amor no dura más que un instante.
La pena de amor dura toda la vida.
Lo dejé todo por la ingrata Sylvie.
Me deja y se va con otro amante.
El placer del amor no dura más que un instante.
La pena de amor dura toda la vida.
Mientras que este agua fluya dulcemente
hacia ese arroyo que bordea la pradera,
te amare, me decía Sylvie.
El agua todavía fluye. Ella ha cambiado.
El placer del amor no dura más que un instante
La pena de amor dura toda la vida.

Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour (con piano)


Hector Berlioz - Plaisir d'amour H 134

BELLE EPOQUE – Un italiano en la corte británica -Año XII. Nº 669

Robert Walter Weir - Bahía de Nápoles - c. 1830  (Museo de Bellas Artes, Boston)

 

Pintura

El punto de vista se encuentra probablemente en las inmediaciones del Monasterio Camaldoli, situado en el punto más alto de la ciudad. En la pintura de Weir, el Monte Vesubio, que había entrado en erupción recientemente en 1822, aparece en el centro. Las cúpulas de la ciudad de Nápoles son visibles enfrente del volcán, y la fortaleza de la isla de Castello dell'Ovo se proyecta hacia la bahía. Las sombras oscuras en el primer plano realzan el efecto de la luz brillante en los edificios del monasterio y la neblina envolvente del Vesubio. Los monjes, las ovejas y los visitantes, como sujetos regionales típicos, sirven para reforzar la naturaleza "italiana" de la escena.

Música

La canción popular napolitana Marechiare, para voz y piano (u orquesta), con letra del poeta napolitano Salvatore Di Giacomo, fue compuesta por Paolo Tosti entre 1870 y 1915.

Junto con Mattinata, Ideale y Addio, Marechiare se ha mantenido como una de las canciones más perdurables de Paulo Tosti. Al igual que en las otras canciones, se respira el estilo italianizante y el vigor que quería transmitir el compositor a sus contemporáneos, y que finalmente le llevó a su nombramiento como profesor de música de la familia real británica (de hecho, murió sir Pablo Tosti). Los muchos años de Tosti como maestro de la voz son evidentes en esta canción, que, a pesar de su valentía y el impulso rítmico, es sumamente agradecida para la voz.

Paolo Tosti - Marechiare (voz y piano)


Paolo Tosti - Marechiare (voz y orquesta)

MARGARITA – La flor del oráculo -Año XI. Nº 629

William-Adolphe Bouguereau - Las margaritas - 1894  (Colección Privada)

 

Pintura

En este retrato de aspecto fotográfico, Bouguereau representa a una niña, sentada en un banco, que luce un vestido azul. El título hace referencia a la flor que sostiene en la mano y al ramillete que aparece sobre el banco. La margarita simboliza la inocencia y la pureza. También puede simbolizar un nuevo comienzo. Transmite amor leal, y específicamente alegría.

Música

El ciclo Blumenlieder (Canciones acerca de flores), 20 canciones para voz y piano, op. 500 fue compuesto por el compositor austriaco Robert Stolz entre diciembre de 1927 y abril de 1928, sobre textos de Bruno Hardt-Warden. La mayoría de estas canciones son pequeñas piezas de teatro que describen un aspecto de la naturaleza humana con emoción o ironía.

Orakelblume (Margarita, la flor del oráculo)

¡Lo que tú profetizas a las jóvenes, flor del oráculo!
¡a menudo deriva en mentira y pena, flor del oráculo!
Pero mientras haya jóvenes,
tirarán de ti y tirarán de ti,
porque estarán siempre enamoradas:

¡Me ama de corazón,
me rechaza…
me ama sobre todas las cosas,
no puede ser…
me ama secretamente,
parece que sólo me ama un poco o nada!

Robert Stolz - Orakelblume - Blumenlieder op. 500

LUNAS – Luz de plata -Año XI. Nº 614

Vincent Van Gogh - Paisaje con gavillas de trigo y luna naciente - 1889  (Museo Kröller-Müller, Otterlo)

Pintura

Van Gogh trabajó en un grupo de pinturas sobre "El campo de trigo" que podía contemplar desde su celda en el hospital de San Pablo. Desde la sala de estudio podía ver un campo de trigo, rodeado por un muro. Más allá estaban las montañas de Arles. Con unas montañas de un azul intenso y una luna radiante como un sol, esta obra refleja la aguda sensibilidad de Van Gogh a la hora de seleccionar colores para conceder un efecto extravagante a sus creaciones.

Música

Vaga luna, che inargenti (Bella luna que cubres de plata) es una arietta compuesta por Vincenzo Bellini sobre un texto anónimo italiano. Fue publicada en 1838 en Tre ariette inedite junto con otras dos canciones del autor, Il fervido desiderio y Dolente immagine di Fille mia.

Bella luna, que cubres de plata
estas riberas y flores
e inspiras a los elementos
el lenguaje del amor;

solo tú eres testigo
de mi ardiente deseo,
a la que a mi me enamora
cuéntale mis anhelos y suspiros.

Dile que en la lontananza
mi dolor no se puede calmar,
que si nutro una esperanza,
sólo en el porvenir.

Dile también que día y noche
cuento las horas de dolor,
y que una bella esperanza
me conforta en el amor.

Vincenzo Bellini - Vaga luna, che inargenti

LUNAS – A la luz de la luna -Año XI. Nº 613

Ivan Aivazovsky - A moonlit night - 1849  (Hermitage, San Petersburgo)

Pintura

En 1846 Aivazovski construyó su propio taller en su Feodosia natal, ciudad costera, y pasó la mayor parte de su tiempo allí, a puerta cerrada, produciendo una pintura tras otra. No necesitaba ir al aire libre para buscar inspiración- ya había visto tanto de su amado ambiente que era capaz de producir telas con una velocidad sorprendente, casi la de una máquina de impresión. Aivazovski comparó con frecuencia su trabajo con el de un poeta. “El artista que solamente copia la naturaleza se convierte en un esclavo de la naturaleza. Los movimientos de los elementos vivos, un rayo, una ráfaga de viento o el chapoteo de una ola, son imperceptibles para un pincel. El artista debe memorizarlos. La trama de las imágenes se compone en mi memoria, como en la de un poeta; después de hacer un boceto en un trozo de papel, comienzo a trabajar y permanezco junto al lienzo hasta que he dicho todo con mi pincel.” Las mejores pinturas del artista en las décadas de 1840 y 1850 usaban una variedad de colores y eran tanto épicas como románticas en sus temas.

Música

In Moonlight (A la luz de la luna) es una canción escrita por el compositor Inglés Edward Elgar en 1904, tomando como texto el poema "An Ariette for Music. To a Lady singing to her Accompaniment on the Guitar” (1832) de Percy Bysshe Shelley. La canción está adaptada de la sección central de su obertura de concierto In the South (Alassio), donde la melodía del "Canto Popolare" es presentada por un solo de viola con un acompañamiento delicado e imaginativo, lo que podría ser comparado al "... acompañamiento en la guitarra" de Shelley.

En agosto de 1905 apareció la siguiente reseña en el diario londinense "Times": "Sir Edward Elgar está pagando una de las penas de la popularidad, y la adaptación de un tema de su obertura "In the South" al poema de Shelley, que comienza con las palabras ‘Como el esplendor suave de la luna’, es muy probable que alcance el éxito que los editores, los señores Novello & Co., parecen anticipar. El texto, como era de esperar, tiene que sufrir una gran cantidad de modificaciones rítmicas con el fin de adaptarse al "Canto Popolare", pero es poco probable que esto se interponga en el camino del éxito de la canción".

Edward Elgar - In moonlight