LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – El castillo de Špilberk -Año XIII. Nº 767

Pierre Eugene Grandsire - Vista de Brno con el castillo Spilberk - 1854

 

J. V. Rein - Vista de Špilberk desde Františkov - 1820-50

Pintura

El Castillo de Spilberk de Brno,representado en esta ilustración por Grandsire, fue construido en el siglo XIII, inicialmente tuvo las funciones de fortificación y residencia real y pasó a ser el más importante castillo de Moravia. Situado en lo alto de una colina boscosa junto al centro histórico de Brno, en 1645 demostró ser una fortificación inexpugnable al resistir el asedio del por entonces potente ejército sueco. En 1783 el emperador José II ordenó la construcción de las primeras celdas en esta fortificación, pero fue el 1820, tras las guerras napoleónicas cuando Spilberk dejó de ser una fortaleza militar para transformarse en una gran cárcel.

Música

Los organizadores del festival de gimnasia Sokol le pidieron a Leoš Janáček "un poco de música" y el compositor aprovechó la oportunidad para escribir una obra titulada Sinfonietta Militar, dedicada "a las Fuerzas Armadas checoslovacas". Más tarde, Janáček eliminó la palabra "Militar" del título, y la obra ahora se conoce simplemente como Sinfonietta. El gran director de orquesta Václav Talich llevó a cabo su estreno en Praga, el 26 de junio de 1926.

El primer movimiento presenta una fanfarria orquestal a cargo de los metales. Se suceden varios temas cada vez más rápidos, que se desarrollan fuera de la fanfarria original, antes de la conclusión. El segundo movimiento representa el castillo de Špilberk, con sus mazmorras, ahora controlado por el pueblo checo. Se inicia con un tema de baile en los oboes, pero pronto se introduce un tema lírico. Ambos temas son enviados en un viaje salvaje, en un desarrollo que inesperadamente se detiene, con calma, murmullos pastoriles en las cuerdas y el arpa apoyando melodías líricas. El tema de la danza vuelve a cerrar el movimiento.

Leoš Janáček - Movimientos I y II - Sinfonietta

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Acuarelas -Año XIII. Nº 766

Joaquín Sorolla - Paseo junto al mar - 1909  (Museo Sorolla, Madrid)

Pintura

El agua y la arena de la orilla, resueltos por Sorolla en largas pinceladas azules, malvas y turquesa, se convierten en un abstracto telón de fondo para las refinadas figuras de su esposa y su hija María. La sugestión de la brisa en el ondular de los vestidos intensifica la impresión de fugacidad momentánea en la toma, a lo que contribuye también el uso de encuadre eminentemente fotográfico que corta la pamela de Clotilde y deja una franja vacía de arena en la parte inferior. Aunque el escenario es el mismo, el tono es muy diferente al de las otras escenas de playa valencianas. Lo que aquí vemos responde plenamente al género iconográfico conocido como el “paseo elegante”, protagonizado por personas acomodadas y bien vestidas que se acercan a la orilla del mar.

Música

Se conoce con el título de Dos Aquarelles al arreglo para orquesta de cuerda, realizado en 1932 por Eric Fenby, de las canciones originales To be Sung of a Summer Night on the Water (para ser cantadas en una noche de verano en el agua) que Frederick Delius compuso en 1917.

En el otoño de 1932, con el compositor ya ciego y paralítico, parte de las canciones originales fueron arregladas para orquesta de cuerda como “Dos Aquarelles” por Eric Fenby, un joven e intrépido músico de Yorkshire al que Delius dictó un sorprendente número de sus obras finales. Lo obsesivo en la versión coral se convierte en caricias y consuelo en los arreglos para cuerdas. Se trata de una mera sutileza musicológica que les impide entrar en la lista de obras del compositor: las “dos Aquarelles” son tan cercanas al Delius puro como fue posible teniendo en cuenta que fueron realizadas por otra mano, aunque bajo la supervisión del compositor.

Frederick Delius - Aquarelle no.1


Frederick Delius - Aquarelle no.2

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Escenas surrealistas -Año XII. Nº 659

 

Raoul Dufy - Le Bœuf sur le toit - 1920

Pintura

Esta litografía de Dufy (original en color) colgaba de la pared del bar-restaurant Le Bœuf sur le toit. Esta imagen fue publicada por Edouard Dupont en el álbum de la Vogue musicale, no. 1. El famoso cabaret parisiense, Le Bœuf sur le toit, que tomó su nombre del ballett de Milhaud, abrió sus puertas en 1921 y se convirtió en un lugar de encuentro para Jean Cocteau y sus asociados.

Música

Le boeuf sur le toit, Op. 58 (El buey sobre el tejado) es un ballet surrealista compuesto por Darius Milhaud, fuertemente influenciado por la música popular brasileña. Toma su título de un viejo tango brasileño, una de las cerca de 30 melodías citadas en la composición. También es el nombre de un legendario cabaret parisino frecuentado por Milhaud y otros miembros del grupo de los Seis.

Parece ser que esta pieza fue originalmente escrita para violín y piano, como parte de la banda sonora de una película muda de Charles Chaplin, que no llegó a buen puerto. Luego la amplió un poco, la orquestó e hizo un ballet. Un ballet surrealista. Basado en escenas brasileñas que no siguen un orden muy concreto. Se desarrolla en un bar, en el que aparecen tipos peculiares: una mujer vestida de hombre, un boxeador, un enano, un policía que muere decapitado por el ventilador del techo...

Darius Milhaud - El buey sobre el tejado (fragmento)

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Entretenimiento -Año XI. Nº 658

Roger Fry - Retrato de Edith Sitwell - 1918  (Colección privada)

 

Pintura

Edith Louisa Sitwell (1887–1964) fue una poetisa y crítica británica. Sus rasgos eran cautivadores, tal vez no hermosos, tal vez ni siquiera cercanos. Fry representa sus ojos profundos, que destacan del conjunto, cubiertos por la sombra de la frente, penetrando la mirada de su observador.

Música

El "entretenimiento" Façade, en el cual se recitan poemas de Edith Sitwell sobre un acompañamiento instrumental de William Walton, fue interpretado por primera vez en privado, en la casa de la familia Sitwell en Londres, el 24 de enero de 1922. El estreno en público tuvo lugar en el Aeolian Hall de Londres, el 12 de junio de 1923. En ambas ocasiones, la autora recitó los versos y el compositor dirigió al conjunto musical. Walton dispuso dos suites de su música para orquesta completa. Cuando Frederick Ashton pensó convertir Façade en un ballet, en 1931, Sitwell no deseaba que sus poemas formaran parte de él, y fueron utilizadas las suites orquestales.

El estreno público del "entretenimiento" fue un auténtico escándalo. La interpretación consistió en una serie de poemas, que Sitwell recitaba a través de un megáfono que sobresalía de una pantalla de decoración mientras que Walton dirigía la música de acompañamiento a un conjunto de seis instrumentistas. La prensa en general fue condenatoria. Uno de los titulares contemporáneos decía: "Tonterías que se pagan para ser escuchadas". Entre el público estaban Evelyn Waugh, Virginia Woolf y Noël Coward. Este último estaba tan indignado por la naturaleza vanguardista de los versos Sitwell y la puesta en escena, que salió aparatosamente durante la ejecución. A los intérpretes tampoco les gustó la obra. El clarinetista incluso llegó a preguntar a Walton “si le había hecho algo alguna vez”. Sin embargo, la obra fue pronto aceptada, y, en una década, su música fue utilizada para el ballet Façade, con coreografía de Frederick Ashton.

William Walton - Canción Popular - Façade

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Rumanía en música -Año XI. Nº 657

Nicolae Grigorescu - Los pescadores de Granville  - 1889  (Colección privada)

 

Pintura

Grigorescu retrata una joven sentada a la orilla del mar, cerca de las rocas, donde olas espumosas rompen en la orilla. La chica está vestida modestamente, con una sencilla blusa blanca y una falda, con su pelo oculto por una boina francesa. Está descalza y en su mano izquierda sostiene una cesta y lo que parece ser una pala, artículos usados, probablemente, para la pesca. La joven parece descansar, hacer una pausa en el trabajo. La cara de la joven aparece de perfil y el contorno de las manos y las piernas solamente se sugieren por unas pinceladas.

Música

La dos Rapsodias Rumanas de Georges Enescu fueron compuestas en París y estrenadas conjuntamente en un concierto en el Athenaeum Rumano de Bucarest, que también incluyó el estreno de su Primera suite para orquesta, Op. 9, el 8 de marzo de 1903. La Rapsodia nº 1, Op. 11, en La mayor había sido completada el 14 de agosto de 1901, cuando el compositor contaba tan sólo 19 años de edad.

Enescu afirmó que eran "tan sólo unas pocas canciones colocadas juntas sin pensar ", pero los bocetos supervivientes muestran que había determinado cuidadosamente el orden en que aparecen las melodías, y la mejor configuración instrumental para cada una de ellas. La Primera Rapsodia merece su reconocimiento universal, por ser una sucinta recopilación del estilo de la música gitana rumana, así como por el despliegue magistral de su virtuosismo. En esta obra hace uso de una serie de canciones folklóricas y danzas rumanas, dispuestas para producir una aceleración incesante de los tempi que conduce al clímax.

Georges Enescu - Rapsodia Rumana nº 1

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Exultante y juguetón -Año XI. Nº 656

Lorenzo Lippi - Alegoría de la música - 1648-50  (Colección privada)

 

Pintura

Esta representación de Lippi de una joven en pleno acto de composición musical, es sobria, con un inteligente uso de la luz. En ella se puede observar, al fondo, un violoncello barroco.

Música

Sabemos, de puño y letra de Rossini, que sus Seis sonatas para cuerdas fueron escritas en 1804, cerca de Ravenna, Italia, cuando todavía era muy joven. Si se da crédito a sus comentarios, que añadió a los manuscritos mucho más tarde, tan sólo tenía 12 años cuando compuso este "horrendo" conjunto de sonatas. También afirma que no tenía ningún entrenamiento formal en armonía y que compuso el conjunto completo en tres días.

Al igual que Felix Mendelssohn, Giacomo Rossini escribió sus Sonatas para cuerdas cuando era apenas un adolescente. Cada una de ellas comienza invariablemente con un estado de ánimo exultante y juguetón, como si el joven compositor hubiera estado muy familiarizado con las oberturas de las óperas de Mozart. Una melodía de baile, con encantadoras y deslumbrantes variaciones, concluye la Sonata para cuarteto de cuerda núm. 3 en do mayor. Resaltan las alegres travesuras de los violonchelos y contrabajos, inusuales en esa época.

Giacomo Rossini - Final - Sonata para cuerda Nº 3

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Nostálgico sentimiento español -Año IX. Nº 497

Gustave Courbet - El guitarrista - 1844  (Colección privada)

Pintura

Pintor de paisajes y retratos durante el recorrido de su producción, Courbet desarrolla un estilo claramente naturalista que con posterioridad evoluciona hacia el realismo más puro. Opuesto frontalmente a la idealización, aboga por una muestra fidedigna del ambiente entroncado exclusivamente con lo real. Hasta la revolución de 1848 tan sólo tres de sus cuadros habían sido aceptados por el salón hasta la fecha, lo tres autorretratos: Autorretrato con perro negro, el Guitarrista y el hombre de la correa de cuero. Éstos tenían el mérito de hacer al artista tan visible como su obra.

Música

La obra más conocida de Salvador Bacarisse es el Concertino para guitarra y orquesta en la menor, opus 72, compuesta en 1957.

Es una pieza de grandes rasgos clásicos y románticos. El Allegro es de carácter claramente renacentista. La Romanza despliega un nostálgico sentimiento español. El scherzo, muy marcado, nos recuerda los ritmos de Joaquín Rodrigo. El rondó final se asemeja a una mazurca. El tema principal introducido primero por la orquesta va evolucionando paulatinamente hasta los potentes acordes finales.

Salvador Bacarisse - Concertino para guitarra y orquesta, op. 72

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Dinámicas complejas -Año IX. Nº 496

Gustav Klimt - Musik-II - 1898  (Perdida)

Pintura

La Música se muestra como una musa trágica acompañada de la lira, el instrumento de Apolo. En el sepulcro de piedra que observamos detrás de la Música encontramos dos figuras: en la izquierda aparece Sileno, el compañero de Dionisos, y en la derecha se sitúa la Esfinge. La figura de la Música dirige su penetrante mirada hacia el espectador. Su cabello se adorna con flores y viste a la moda clásica. Utilizar figuras humanas para personalizar ideas abstractas no era ninguna novedad ya que se venía realizando desde el Renacimiento; la novedad está en reflejar a la Música como una mujer fatal tan habitual en la pintura de Klimt. Desgraciadamente, las pinturas del Palacio Dumba fueron quemadas por los nazis en el Castillo Immendorf en 1945, para evitar que fuera saqueado por las tropas soviéticas en su avance hacia Berlín.

Música

La Sinfonía concertante para violín, viola y orquesta en mi bemol mayor, K. 364/320d, fue escrita por Wolfgang Amadeus Mozart en 1779. El segundo movimiento es un Andante.

En el momento de su composición Mozart estaba realizando un viaje por Europa, que incluía Mannheim y París. Las complejas dinámicas orquestales de la composición reflejan la cada vez mayor competencia técnica de la orquesta europea en ese momento, y estaba fuertemente infuido por la visita de Mozart a la orquesta de la corte de Mannheim durante su viaje europea de 1777 a 1779. Mozart había estado experimentando con el género de la sinfonía concertante y esta obra puede considerarse como el ejemplar más exitoso de este género a medio camino entre la sinfonía y el concierto.

Wolfgang Amadeus Mozart - II. Andante - Sinfonía Concertante en Mi b Mayor para violín, viola y orquesta, KV 364

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Serenata isabelina -Año VIII. Nº 453

Philip Alexius de Laszlo - Princess Elizabeth of York - 1933  (Colección privada)

Pintura

Retrato de la Reina Isabel II del Reino Unido, cuando era Princesa Isabel de York y contaba siete años de edad.

Música

Elizabethan Serenade (Serenata isabelina) es una composición, a caballo entre lo clásico y lo popular, de Ronald Binge. Cuando fue interpretada por primera vez, por la orquesta Mantovani en 1951, llevaba el simple título Andante cantabile.

El compositor cambió el título de esta obra para reflejar el optimismo de la nueva época isabelina que se iniciaba con la coronación de la reina Isabel II de Inglaterra en 1952.

Ronald Binge - Elizabethan Serenade

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Cultura canaria -Año VIII. Nº 452

Valentín Sanz y Carta - La tarde en La Laguna - c. 1868-75  (Museo de Bellas Artes, Tenerife)

Pintura

Desde el año 1868 en adelante fue cuando Sanz y Carta se lanzó a los campos de Tenerife tras el estudio de la naturaleza, muy particularmente en los parajes de la vega de La Laguna, sus bosques y llanuras del Rodeo, como lugares próximos a Santa Cruz y apropiados a su manera de sentir la belleza. Casi todos los paisajes en el primer periodo están hechos en los alrededores de este enclave. Siempre habló con elogio de aquella vega. En los finales de 1898 se lamentaba: «Me han echado a perder La Laguna».

Música

El estreno de Cantos Canarios del compositor tinerfeño Teobaldo Power se produjo en agosto de 1880.

La meteórica carrera del autor lo hará pasar por Tenerife, Cuba, Madrid, Lisboa, Madeira, Málaga. Entre estos viajes y debido a su delicada salud pasa una temporada en su Tenerife natal, concretamente en el pueblo lagunero de Las Mercedes, donde compone los Cantos Canarios, trascendental e irreemplazable texto musical en la cultura canaria, que recoge fragmentos de los más famosos aires populares de las Islas y adapta a la música clásica con gran acierto.

Teobaldo Power - Cantos canarios

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Fantasía isabelina -Año VIII. Nº 450

Marcus Gheeraerts - Queen Elizabeth I (Retrato Ditchley) - 1592  (Galería Nacional de Retratos, Londres)

Pintura

El retrato muestra a la reina Elizabeth I de pie sobre la bola del mundo, con los pies en Oxfordshire. Las nubes de un cielo de tormenta se despiden para revelar el sol, y las inscripciones en la pintura dejan claro que el tema simbólico del retrato es el perdón. Las tres inscripciones latinas fragmentadas pueden interpretarse como: (izquierda) 'Ella da y no espera'; (derecha) 'Ella puede, pero no toma venganza', y (abajo a la derecha) 'Al abandonar se engrandece (?)". El soneto (derecha), tal vez compuesto por el patrocinador Sir Henry Lee, aunque fragmentado, puede ser prácticamente reconstruido. Su tema es el sol, símbolo de la monarca.

Música

La Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis, también conocida como Fantasía Tallis, es una obra para orquesta de cuerdas compuesta por el compositor británico Ralph Vaughan Williams. Fue compuesta en 1910 y revisada en 1913 y 1919.

El nombre de esta obra alude al compositor original de la melodía principal en la que se basa, Thomas Tallis (1505?-1585). Vaughan Williams se inspiró frecuentemente en la música del Renacimiento inglesa y muchas de sus obras están vinculadas a piezas de este período. La palabra "Fantasía" alude a una elaboración libre en forma de variaciones de la melodía principal.

Vaughan Williams - Fantasia sobre un Tema de Thomas Tallis

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Fama extraordinaria -Año VIII. Nº 449

Klimt - Musik I - 1895  (Neue Pinakothek, Munich)

Pintura

Se trata de un tema querido por el autor, que lo reelaborará varias veces; utiliza a la tañedora de lira al menos en otras dos ocasiones. En este cuadro aparece también otra de las figuras predilectas del artista y de todo el mundo simbolista por su carácter enigmático: la de la esfinge, utilizada por Klimt en la alegoría de la Escultura. Mitad mujer y mitad león, este ser de la mitología egipcia reúne en sí el mundo animal y espiritual, o, si queremos, el instinto y la razón, los dos polos principales de la filosofía de la época. El cuadro es, en efecto, casi una summa de las teorías que consideraban la música superior a las otras artes por ser la única que no necesita mediación de palabras o imágenes para transmitir al hombre el conocimiento; sostenían además que la cultura era la fuente de salvación de la humanidad y los artistas de la Secesión, guiado por Klimt, atenderán pronto esta solicitación, haciendo del arte una nueva religión, utopía que se quebrará con el estallido de la Primera Guerra Mundial.

Música

El Septeto o Septimino Op. 20 de Beethoven es una obra de juventud. El nombre, septeto, se debe a estar escrito para siete instrumentos: violín, viola, violonchelo, contrabajo, clarinete, trompa y fagot. Fue dedicado a la Emperatriz María Teresa y publicado en 1802. Desde un primer momento obtuvo una acogida muy favorable, contribuyendo al prestigio del joven alemán en Viena.

Escrito en seis movimientos, llegó a tocarse tanto que Beethoven pensó en sustituir los instrumentos de viento por otro violín, otra viola y otro violonchelo. El minueto alcanzó una fama extraordinaria, hasta el punto de que Beethoven lo incluyó en la Sonata Op. 49 núm. 2 para piano.

Ludwig van Beethoven - Adagio Cantabile - Septimino Op. 20

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO – Felices sentimientos -Año VII. Nº 373

Gunnar Berndtson - Verano - 1893  (Museo de arte de Turku)

Verano combina el paisaje finlandés y la vida burguesa del siglo XIX. Esta visión romántica de un día de verano soleado contrasta con la realidad de la vida finlandesa en aquella época, predominantemente agrícola y con lugares todavía sumidos en la pobreza. El humor lánguido del cuadro habla de la vida de la clase alta, y de sus posibilidades de pasar el tiempo sin hacer nada. En la mayor parte del campo, los meses de verano se dedicaban al cultivo y la siembra. Da la impresión de que la figura femenina ha sido interrumpida por el chico de la barca cuando estaba leyendo, o tal vez se trate de una madre o niñera cariñosa. La atención al detalle es impecable: se ven las rocas bajo el agua, el brumoso sol de verano se refleja en la superficie del lago y los pliegues de la ropa de la figura central son complejos y realistas.

Finlandia, opus 26, es un poema sinfónico escrito por el compositor finlandés Jean Sibelius. Fue escrito originalmente en 1899 y posteriormente revisado en 1900.

Esta pieza fue compuesta con motivos patrióticos, para movilizar a la oposición popular a la revocatoria de la autonomía finlandesa por el gobierno del Imperio ruso. Se hicieron famosos los diferentes títulos que fue recibiendo la obra para burlar la censura zarista, entre ellos "Felices Sentimientos al Amanecer de la Primavera en Finlandia". Posiblemente la pieza más famosa del poema sinfónico es el himno final, conocido como himno "Finlandia". Éste himno fue convertido en una pieza orquestal separada por el propio Sibelius, y en 1941 Veikko Antero Koskenniemi escribió la letra por la que hoy es conocido.

Jean Sibelius - Finlandia, Op. 26 (versión para coro masculino y orquesta)

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Sin palabras -Año IV. Nº 206

Daniel Maclise -The Origin of the Harp - c. 1842  (Manchester Art Gallety)

Pintura oval de una ninfa de mar, desnuda, metamorfoseándose en un arpa. Está de pie a la entrada de una gruta, con el agua hasta las rodillas, descansando su brazo derecho en una roca que sobresale verticalmente y se eleva un poco más alto que su cabeza, formando así, junto al brazo, el contorno de un arpa. Su pelo largo, que fluye con el agua, cae con sus rizos sobre este brazo hacia el mar, formando las cuerdas del arpa.

Vocalise, Op. 34, Nº 14 es una canción de Sergei Rajmáninov, publicada en 1912 como última de sus catorce canciones, Op. 34. Escrita para voz (soprano o tenor) con acompañamiento de piano, no contiene palabras, pero es cantada con cualquier una vocal (de elección de la cantante).Fue dedicada a la soprano Antonina Nezhdanova.

Tras el éxito de su Concierto nº 2, y plenamente recuperado de su crisis anímica y creativa, Rajmáninov anuncia en 1902 su casamiento con su prima Natalia Aleksándrovna Sátina. Debido a que la Iglesia Ortodoxa prohíbe los matrimonios entre primos, este enlace generaría muchos problemas. Afortunadamente para Rajmáninov, la intervención de una de sus tías y la celebración de la ceremonia en una capilla militar hicieron oficial su matrimonio. Eran sin duda los mejores tiempos para el artista. Comienza aquí su triple carrera, como compositor, pianista y director, que le llevaría a adquirir una fama sin precedentes. Fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y 1906, y realizó varias giras por todo el mundo como pianista. A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta nº 2, Rajmáninov escribiría obras maestras como su Segunda Sinfonía (1907), La isla de los muertos y sus Concierto para piano y orquesta nº 3 y nº 4 (1909), Las campanas (1913), y numerosas piezas para piano, entre las que se encuentra Vocalise.

Sergei Rachmaninov - Vocalise Op.34 No.14

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Obsesión. -Año IV. Nº 205

Valentin Serov - Retrato Ida Rubenstein - 1910  (Museo estatal ruso, San Petersburgo)

La carrera de Serov se extendió durante un largo periodo por lo que su estilo y temas variaron considerablemente, yendo de los retratos de la voluptuosa sociedad a estudios de niños realizados con gran sensibilidad. Completamente distinto de cualquiera de estos trabajos fue este famoso estudio de la bailarina, realizado en pintura al temple y carboncillo sobre lienzo, que pintó casi al final de su vida. El nombre de Ida Rubinstein se relaciona inevitablemente con la Belle Époque, aquel periodo de transformación económica y social, de belleza y de libertad creativa e intelectual anterior a la Gran Guerra.

El Bolero (en francés Boléro) es una obra musical creada por el compositor francés Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de ese mismo año. Ballet compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX.

Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva, en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa. Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM).

Maurice Ravel - Bolero (versión reducida)

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Ascetismo y austeridad -Año IV. Nº 204

Edgar Degas - Jóvenes espartanos - 1860  (National Gallery, Londres

Desconocemos el significado exacto de este cuadro, siendo la opinión que sería una alusión a la rigidez del sistema educativo de Esparta o a la eugenesia - asesinato de niños deformes o enfermizos - realizada habitualmente desde el monte Taygetus, monte que se aprecia al fondo de la escena, para preservar la fortaleza de la raza. Un grupo de niñas a la izquierda del lienzo se enfrenta dialécticamente con los niños de la derecha. Ambos grupos, en primer plano, dominan la composición, observándose en segundo plano otro nuevo grupo, esta vez de personas adultas que rodean al anciano filósofo Licurgo, el ideólogo del sistema pedagógico espartano. Los bellos cuerpos desnudos o semidesnudos del primer plano contrastan con los gruesos ropajes de las figuras que se colocan inmediatamente detrás de ellos. Respecto al color, resulta interesante el empleo de tonos muy armónicos, presididos por los amarillos y los ocres, añadiendo algunas tonalidades para contrastar como el negro, el azul o el blanco. Al recurrir a una iluminación de atardecer se intensifica el color amarillento dominante, creándose cierta sensación atmosférica.

Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Después de haber leído Salamboo de Gustave Flaubert, Satie tuvo la idea de crear piezas para piano inspiradas en los bailes de la antigüedad griega. Las piezas fueron publicadas por primera vez por su padre Alfred Satie, pero no conocieron una verdadera popularidad sino a partir de 1910, cuando la joven generación de compositores y de intérpretes franceses de la época descubrieron su música. La primera representación de las dos versiones orquestales de Debussy tuvo lugar en febrero de 1897 y las partituras fueron publicadas en 1898.

Satie eligió el término gymnopédies que designa una danza practicada por jóvenes bailarines desnudos de Esparta. El baile es mencionado sobre todo por Jenofonte en "Los helénicos", Platón en "Las Leyes" y por Plutarco en su "Tratado de la música". La temática griega antigua recorre toda la obra de Satie, desde las "Gnossiennes" hasta "La muerte de Sócrates". Según Jean-Joël Barbier, la palabra pudo ser elegida en alusión a las nociones de ascetismo y de austeridad que se refieren a todo lo que tiene relación con la civilización espartana, dos nociones cercanas a la estética de Satié.

Erik Satie - Gymnopédie No.1


Erik Satie - Gymnopédie No.1 (Orquesta)
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LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Languidez -Año IV. Nº 203

 

H. Tolousse Lautrec - Mujer sentada en un sofá -1897  (Neue Pinakothek, Munch)

Pintura

En esta intrigante pintura al óleo sobre cartón, que revela la habilidad de Lautrec para retratar el carácter, así como su habilidad como dibujante, capta la vulnerabilidad de una mujer no identificada, que fuera una vez hermosa y cuya experiencia en la vida ha endurecido sus rasgos. Una mandíbula marcada contrasta con su mirada lánguida, acentuada por unos maquillados ojos vacíos. Su desvinculación hacia el espectador crea una expresión mundana en su cara, añadiendo complejidad a esta eufemística representación. La habilidad de Lautrec en el eufemismo se ve reforzada por las líneas mínimas con las que sugiere la ropa y el sofá. El impresionante mosaico de pinceladas en blanco, azul y verde, y el deslumbrante rojo del peinado de la mujer, que enmarca la cara y asciende en un voluminoso y descuidado moño, contrasta con el vacío restante de la composición.

Música

El Adagio para cuerdas es una obra musical para orquesta de cuerdas, arreglada por el compositor Samuel Barber a partir de su primer Cuarteto de cuerdas. La obra fue estrenada en un programa de radio, dirigida por Arturo Toscanini, al frente de la Orquesta Sinfónica de la NBC, el 5 de noviembre de 1938, en Nueva York.

El Adagio para Cuerdas de Barber tiene su origen en el segundo movimiento de su Cuarteto de cuerdas nº 1, Opus 11, compuesto en 1936. En enero de 1938, Barber envió la pieza a Arturo Toscanini. El director devolvió la partitura sin comentarios, y Barber se molestó y evitó a este director. Posteriormente Toscanini hizo saber a Barber, a través de un amigo, que tenía previsto interpretar la obra y que la había devuelto por el simple hecho de que ya la había memorizado. También se informó que el director no volvió a tener la música hasta un día antes del estreno.

Samuel Barber - Adagio para cuerda