NAVIDAD – Hoy ha nacido Cristo -Año XVI. Nº 943

El Greco - La Sagrada Familia con Santa Ana y San Juanito - c. 1600  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Este cuadro del Greco nos muestra una María de cuerpo entero y sentada, centrando la composición. Es una joven de rostro ensimismado, cubierta por el característico manto azul; sostiene en su regazo al Niño mientras acoge bajo su brazo derecho a Santa Ana, tocada ésta con un velo blanco y rizado. La santa se inclina hacia el Niño, y a diferencia de otras versiones en las que aparece dormido, aquí éste le devuelve la mirada. La madre de la Virgen se dispone a envolver al pequeño con un paño blanco que sostiene con ambas manos. Al otro lado, emergiendo tímidamente tras la Virgen, San José observa la escena. El Greco lo ha representado como un hombre maduro, no anciano, un santo activo y vigoroso que viste chaleco verde sobre camisa blanca y capa ocre-amarillenta, una ropa propia de un trabajador artesano castellano de la España de finales del siglo XVI, que cuadraba bien con el filius fabri que algunos textos de la época proyectaron del santo. Delante de éste y próximo a la Virgen, el pequeño San Juan se convierte en un acompañante un tanto más desligado de la escena, y no sólo por dirigir su mirada a un punto inconcreto fuera del cuadro, también el tratamiento pictórico que le ha otorgado el artista le convierte en una figura desdibujada y de una escala reducida en relación con el resto de las figuras. Está desnudo, a pesar de que se insinúa la tradicional piel de camello a su espalda, y lleva consigo un cuenco de vidrio con fruta; el índice izquierdo próximo a la boca parece reclamar silencio. Todo el grupo está constreñido en un estrecho espacio culminado por celajes que se ciernen sobre las cabezas de los personajes.

Música

Publicado en 1575, el motete Hodie Christus natus est es una de las primeras obras policorales de Giovanni Pierluigi da Palestrina, tipo de escritura musical que el compositor no cultivó demasiado. Esta técnica no es la más característica de su estilo pero en ella muestra una maestría semejante a la del resto de su producción.

Hoy ha nacido Cristo.
Hoy ha aparecido el salvador.
Hoy cantan los ángeles en la tierra
Y se alegran los arcángeles.
Hoy los justos dicen exultantes:
Gloria a Dios en las alturas.

Giovanni Pierluigi da Palestrina - Hodie Christus natus est

CANCIONES - Monodia cortesana medieval -Año XIV. Nº 795

Anónimo - Alfonso X, el Sabio. Libro des Juegas - 1283  (Biblioteca del monasterio de San Lorenzo de El Escorial)

 

Pintura

El Libro de los juegos o Libro del ajedrez, dados y tablas es un manuscrito iluminado de finales del siglo XIII encargado por el rey Alfonso X de Castilla entre 1251 y 1283. El libro consta de 98 páginas, con 150 ilustraciones en color, y es uno de los manuscritos más importantes para la investigación de los juegos de mesa. En esta ilustración aparece Alfonso X el Sabio con sus colaboradores del escritorio real. Alfonso X y su corte.

Música

Alfonso X reunió, en el siglo XIII, una colección de más de 400 cantigas, la primera de las cuales es un Prólogo en el que teoriza sobre la actividad de trovar. Este "Prologo das Cantigas de Santa María ementando as cousas que á mester eno trobar" apoyaría explícitamente la idea de la autoría personal del monarca. No obstante, la cuestión de la autoría no está resuelta aún, pero con el tiempo y las investigaciones va creciendo la idea de una participación directa del rey.

Para ello hacen falta, dice, dos requisitos: “entendimento” (conocimiento del asunto) y “raçon” (saber decirlo, o sea, tener práctica en versificación, rima, música, etc.) La melodía discurre en una métrica de cinco tiempos no contemplada por los teóricos de la época, pero habitual en los territorios musulmanes y cristianos de la Edad Media e incluso posteriormente. Más de la cuarta parte de estas cantigas sigue esta métrica.

Alfonso X - Prólogo das Cantigas de Santa María

DESDE EL ALMA - Misa de pescadores -Año XIII. Nº 775

Mihály Munkácsy - Cristo ante Pilatos - 1881  (Deri Museum, Debrecen)

 

Pintura

La dramática representación de Cristo frente a Poncio Pilato (Juan 18:33-37) forma parte de una trilogía realizada por Munkácsy, que explica la historia de la pasión de Cristo. "Quise representar a Dios que se revela en forma humana." - explicó uno de los artistas más significativos de la historia húngara del arte. Las pinturas muestran el conflicto entre Cristo y sus acusadores y finalmente el cumplimiento de la palabra, la muerte de Cristo en la Cruz.

Música

La Messe des pêcheurs de Villerville (Misa de los pescadores de Villerville) es una Missa Brevis escrita por Gabriel Fauré en colaboración con su antiguo alumno André Messager. La primera interpretación tuvo lugar en Villerville, el 4 de septiembre 1881, acompañado por un armonio y un violín. El concierto fue a beneficio de la asociación de pescadores.

Los compositores trabajaron juntos en la misa en el verano de 1881. Las secciones de la misa son: 1. Kyrie (Messager), 2. Gloria Benedictus (Fauré), 3. Sanctus (Fauré), 4. O Salutaris (Messager) y 5. Agnus Dei (Fauré). Messager orquestó las cuatro primeras secciones y la última Fauré.

Gabriel Fauré & André Messager - Santus - Messe des pêcheurs de Villerville


Gabriel Fauré & André Messager - Agnus Dei - Messe des pêcheurs de Villerville

DESDE EL ALMA - Jesús, mi alegría -Año XII. Nº 715

Simone Martini- Cristo en la cruz - c. 1340  (Fogg Art Museum, Cambridge)

 

Pintura

Esta crucifixión, debida a Martini, capta a la perfección la silenciosa dignidad y el sufrimiento de Cristo. Suspendido de la cruz, el cuerpo desplomado de color ceniciento resalta contra el fondo dorado de estilo bizantino. La agonía de la pasión de Cristo se evoca mediante la fragilidad de su envoltorio mortal: los brazos y piernas largos y demacrados, la delicada y exquisita cara inclinada a un lado, el velo casi transparente que lo cubre, y la piel cérea que acentúa los copiosos regueros de sangre que brotan de las heridas de las manos y los pies.

Música

Jesu, meine Freude es un motete compuesto por Johann Sebastian Bach. El título completo de la obra es Motete N º 3 en Mi menor, BWV 227. Seis motetes fúnebres son atribuibles a Bach (BWV 225-230), escritos para la iglesia de Santo Tomás, en Leipzig, entre 1723-7. Sus tres primeros movimientos son: 1. “Jesu, meine Freude” – “Jesús, mi alegría” (primera stanza), 2. “Es ist nun nichts Verdammliches” – “No hay condenación” (basado en la Carta a los Romanos 8:1,4) y 3. “Unter deinem Schirmen” – “Bajo tu amparo” (segunda stanza)

El tercero es el más antiguo, más largo, más complejo musicalmente y, con razón, el más popular de los seis motetes, y fue escrito en Leipzig en 1723 para el funeral (el 18 de julio 1723) de Johanna Maria Käsin, la esposa del jefe de correos de esa ciudad.

Johann Sebastian Bach - Jesu, meine Freude - Motete N º 3 en Mi menor, BWV 227

DESDE EL ALMA - Encantos del Viernes Santo -Año XI. Nº 652

Georges Rochegrosse - Parsifal en el jardín mágico de Klingsor, Le Chevalier aux Fleurs - 1894  (Museo d'Orsay, París)

 

Pintura

El momento representado por Rochegrosse es aquel en que Parsifal, el casto héroe predestinado para reconquistar el Santo Grial, acaba de abatir a los guardianes del castillo del mago Klingsor. Se aleja por el jardín encantado, haciendo oídos sordos a las llamadas de las jovencitas-flor, de las mujeres fatales con cuerpos a penas cubiertos por narcisos, peonías, rosas, lirios, tulipanes, violetas u hortensias.

Música

Wagner llamó a su última ópera «Bühnenweihfestspiel» («Festival Escénico Sacro») Basada en el poema épico medieval (del siglo XIII) “Parzival” de Wolfram von Eschenbach, sobre la vida de este caballero de la corte del Rey Arturo y su búsqueda del Santo Grial, Parsifal es una mezcla de simbolismos cristianos, paganos y budistas, en la que la idea central es la del hombre purificado por la piedad y conducido hacia el amor por su prójimo. Wagner concibió la obra en abril de 1857 pero sólo la completó 25 años después, estrenándose en el Festival de Bayreuth el 26 de julio de 1882.

Parsifal mira alrededor y comenta la belleza del prado (“Wie dünkt mich doch” – “¡Cuán hermosa está hoy la pradera!”) Gurnemanz, un veterano Caballero del Grial, explica que hoy es Viernes Santo, cuando todo el mundo se renueva (“Das ist... Karfreitagszauber” – “Son los encantos del Viernes Santo”) Parsifal es coronado rey del Grial.

Richard Wagner - Wie dünkt mich doch 'Encantos del Viernes Santo' - Parsifal

MIRANDO HACIA ATRÁS – Rodrigo Díaz de Vivar -Año XI. Nº 610

Vicente Cots - Primera hazaña del Cid - 1864  (El Prado, Madrid)

Pintura

Este cuadro de Cots representa la escena en la que el Cid, en actitud desafiante, muestra la cabeza cortada del conde Lozano, como venganza a la ofensa hecha por el conde de Gormaz a su padre, Diego Laínez, sentado a una mesa junto a otros aterrados comensales.

Música

Le Cid (El Cid) es una ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto en francés de Adolphe-Philippe D'Ennery, Édouard Blau y Louis Gallet basada en la tragedia homónima obra de Pierre Corneille. Fue representada por primera vez en el Teatro de la Ópera de París el 30 de noviembre de 1885. Rodrigo Díaz fue una figura histórica y legendaria de la Reconquista, cuya vida inspiró el más importante cantar de gesta de la literatura española, el Cantar de mio Cid. Ha pasado a la posteridad como el Campeador o el Cid.

ACTO III
Es de noche en el campamento militar, Rodrigo está solo, totalmente derrotado, ha perdido a Jimena, algunos soldados han desertado y la victoria parece cada vez más lejana, el guerrero entona una plegaria, "Ô souverain, ô juge, ô père" en la que cristianamente, con resignación, se somete a los designios divinos. Es el momento de los acontecimientos sobrenaturales: Rodrigo tiene una visión del apóstol Santiago en la que escuchan voces celestiales que, acompañando al apóstol, declaran que la victoria contra los moros será una realidad.

Jules Massenet - Ô souverain, ô juge, ô père - Le Cid

DESDE EL ALMA - Stabat Mater -Año X. Nº 591

Bartolomé Esteban Murillo - Dolorosa - 1660-70  (El Prado, Madrid)

Pintura

La Virgen, de busto y levemente girada hacia la izquierda, surge desde el fondo neutro gracias a la iluminación dirigida al rostro, que entra por el lateral, hacia el que se inclina la figura. Lleva, debajo del velo que le cubre la cabeza, una toca blanca que rodea la cara y el cuello y cuyo borde despegado origina zonas de sombras. El rostro de María corresponde al modelo femenino habitual en Murillo, aquí con expresión apenada pero serena, sin crispaciones exageradas y con los ojos hinchados por el llanto y todavía llenos de lágrimas.

Música

El joven Giovanni Battista Pergolesi acabó el Stabat Mater, que le había encargado la Cofradía de los Caballeros de la Virgen de los Dolores, en el monasterio de los padres capuchinos de Pozzuoli, un pueblo cerca de Nápoles, adonde había ido a curarse de la tisis. Allí murió el 16 de marzo de 1736. Se trata de una secuencia para la fiesta de los siete dolores de la Bienaventurada Virgen María. Tomó un texto de un autor del siglo XIII, Jacopone da Todi.

Modelo para la música religiosa del futuro (para muchos la obra mas transida de emoción de la música religiosa del siglo XVIII), sustituye el tratamiento dramático usual en este tipo de composición por un lenguaje melódico depurado, cargado de una intensidad sentimental más propia del melodrama profano. El dueto con que se abre la obra: “Stabat Mater dolorosa/ Iuxta crucem lacrimosa/ Dum pendebat filius”

Giovanni Battista Pergolesi - I. Stabat Mater dolorosa - Stabat Mater

EL ALMA RUSA - Temas litúrgicos -Año X. Nº 573

Anónimo - Icono ruso sobre la Resurrección - s. XVI  (Museo de Iconos de Recklinghausen)

Pintura

Desde tiempos remotos la iconografía típica en la Iglesia de Oriente del misterio de la Resurrección del Señor era la representación de Cristo en el abismo del infierno resucitando a Adán y Eva y a otros justos del antiguo Testamento. En un rayo de luz, que se reproduce en este icono con una mandorla azul, Cristo aparece con una vestidura blanca brillante. Permanece de pie sobre los batientes cruzados de la puerta del infierno, mientras caen hacia abajo las cerraduras y las llaves en la oscuridad del inframundo. Cristo toma de la muñeca a Adán y lo saca de la tumba, mientras que Eva, vestida con un traje rojo, se arrodilla detrás de él orando, mientras alza sus manos. Las dos figuras coronadas detrás de Adán son David y Salomón, que son conducidos por Juan el Bautista, el último de los profetas. Detrás de Eva se encuentra Moisés, con las tablas de la ley en sus manos, hablando con otros dos antepasados. Sobre la mandorla de Cristo, dos ángeles sostienen la Cruz y el Cáliz, mostrando que la muerte en sacrificio de Cristo era requisito previo para la salvación de la humanidad.

Música

La Obertura de la gran Pascua rusa, Op. 36 (Svetliy prazdnik, también conocida como Obertura para el festival de la Pascua rusa) es una obertura concierto compuesta por el compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov entre agosto de 1887 y abril de 1888, dedicada a la memoria de Modest Músorgski y Aleksandr Borodín, dos miembros del grupo de Los Cinco. Se subtitula «Obertura sobre temas litúrgicos». El estreno tuvo lugar en San Petersburgo a finales de diciembre de 1888.

El autor nunca olvidó los sonidos, que escuchó en su niñez, procedentes de las campanas del monasterio de Tikhvin, cruzando el río hasta su casa. Y no quedó menos impactado por el fervor y la resonancia de la Pascua Ortodoxa, clímax de las celebraciones litúrgicas del año. Escribió su obertura tomando temas litúrgicos del Obikhod (antigua colección de cantos), incorporando también, para mayor efecto, el lado más “legendario y pagano” de la Pascua.

Nikolái Rimski-Kórsakov - Obertura de la gran Pascua rusa, Op. 36

DESDE EL ALMA - Laudes -Año IX. Nº 534

Simon Vouet - Presentación de Jesús en el Templo - c. 1640  (Louvre, París)

Pintura

Este episodio de la infancia de Cristo se recoge en el Evangelio según San Lucas. Como era costumbre, los padres de Jesús fueron al templo a presentar a su recién nacido, el Señor, y a realizar el sacrificio de las dos palomas. En el transcurso de esta ceremonia Simeón anuncia a la multitud que el niño traerá luz a los Gentiles y a María que su corazón será atravesado con una flecha (anuncio del sacrificio de Cristo). Vouet ilustra la escena en una composición en forma de pirámide, frente a una columna que evoca la arquitectura del templo. El colorido, cálido y claro, brillando bajo una gama de luz dorada, resalta la lírica armonía y las líneas oblicuas que dominan la composición.

Música

Las Vesperae Solennes de Confessore, KV 339, es una de las obras religiosas mejor producidas por Mozart en su periodo salzburgués. Bajo la tutela del conde arzobispo de Salzburgo Hieronymus von Colloredo, el maestro debía componer a petición para diversas ocasiones litúrgicas. Parece ser que compuso la obra con ocasión de las primeras vísperas de la fiesta de San Ruperto el 24 de septiembre de 1780, o bien con ocasión de la fiesta de San Virgilio el 28 de septiembre. Ambos son patrones de la catedral de Salzburgo.

El fragmento más célebre de la Vesperae de Confessore es el "Laudate Dominum", para solista, orquesta y coro. Es una laude, basado en parte en el Salmo 117, que, cantado en latín, tiene el siguiente texto:

Laudate Dominum omnes gentes;
Laudate eum, omnes populi.
Quoniam confirmata
Super nos misericordia ejus,
Et veritas Domini manet in aeternum.
Gloria Patri et Filio et Spiritui Sancto.
Sicut erat in principio, et nunc, et semper.
Et in saecula saeculorum.
Amen.

Wolfgang Amadeus Mozart - Laudate Dominum - Vesperae solennes de Confessore KV 339

DESDE EL ALMA - San Juan Bautista -Año IX. Nº 533

Fra Filippo Lippi - Banquete de Herodes - ca. 1452-65  (Catedral de Prato)

Pintura

En esta obra de Lippi, un fresco ubicado en la Catedral de Prato, vemos un banquete presidido por el rey Herodes al que ninguno de los invitados faltó, como puede apreciarse del tumulto de personas que se agolpan en la mesa, ataviados elegantemente para el evento, y comen copiosamente, ahítos y ebrios, con la intención final de rematar la noche con el martirio de San Juan Bautista. La escena se compartimenta en dos espacios: la de la izquierda donde Salomé está danzando al lado de los monarcas y la de la derecha donde ella ya tiene en sus manos la cabeza codiciada del santo decapitado. La forma de plantear la escena, el exceso de arabescos y decorados, la delicadeza del movimiento de los vestidos fueron fuente de inspiración para obras de Botticelli.

Música

Compuesta para la fiesta de San Juan Bautista, sobre un libreto de autor desconocido, la Cantata BWV 167 de Juan Sebastian Bach, Ihr Menschen, rühmet Gottes Liebe (Hombres, proclamad el amor de Dios), fue estrenada en Leipzig posiblemente el 24 de junio de 1723. El Evangelio de ese día (San Lucas 1, 57 a 80) -la circuncisión de Juan y la profecía de su padre Zacarías- se refleja en el libreto.

Después de un recitativo para bajo la obra finaliza con un vigoroso coral, “Sei lob und preís mit ehren” (“Gloria, alabanza y honor”), que difiere, no sólo por su extensión, de los corales habituales: contiene una parte independiente, más un preludio, un postludio e interludios entre las partes vocales.

Juan Sebastian Bach - Sei lob und preis mit ehren - Cantata BWV 167

DESDE EL ALMA - Oratorio de la Ascensión -Año VIII. Nº 473

Jacopo Tintoretto - La Ascensión - c. 1576-81  (Scuola Grande di San Rocco, Venecia)

Pintura

Cristo asciende a los cielos rodeado de ángeles con las alas extendidas, portando ramos de palma y de olivo, dando la impresión de salirse del lienzo por su parte superior. Su vigorosa figura parece avanzar hacia el espectador mientras que el apóstol, en la zona inferior de primer plano, parece echarse hacia atrás ante la inesperada aparición, creando el efecto de reunirse con los compañeros que rodean la mesa, en un plano medio. Moisés y Elías hablando en la lejanía, en la soleada llanura, completan la escena plasmada por Tintoretto.

Música

Lobet Gott in seinen Reichen (Alabado sea Dios en su Reino), BWV 11, también conocido como el Oratorio de la Ascensión, especificado por Johann Sebastian Bach como ‘Oratorio En Festo ascensionis’ (‘Oratorio para la fiesta de la Ascensión’). Fue compuesto probablemente en 1735 para el servicio a la Ascensión y estrenada el 19 de mayo 1735. El coral conclusivo es un soberbio movimiento concertante para todos los instrumentos, al cual se incorpora el coro con la melodía del himno confiada a las sopranos.

El título de oratorio se justifica, sin embargo, por la intención que tuvo el compositor de apartarse del esquematismo formal de los textos de cantata; y por la presencia de un "evangelista" (tenor) que "recita" musicalmente la historia de la Ascensión. Esta historia está formada por la reunión de relatos bíblicos tomados de San Lucas, San Marcos y los Hechos de los Apóstoles, a los que se agregan textos no bíblicos y dos estrofas corales de himnos tradicionales del protestantismo.

Johann Sebastian Bach - Wann soll es doch geschehen - Oratorio de la Ascensión BWV 11

DESDE EL ALMA - San Pablo -Año VIII. Nº 472

Adam Elsheimer - San Pablo en Malta - c. 1600  (National Gallery, Londres)

Pintura

Este cuadro de Elsheimer muestra la historia descrita en capítulo 28 del libro de los Hechos de los apóstoles. San Pablo y sus seguidores naufragan en la isla de Malta, en el mar Mediterráneo. Los habitantes de la isla, para calentar a los supervivientes, prenden un fuego. De las ramas de la hoguera, salta una serpiente hacia el brazo de San Pablo, como vemos en el área inferior izquierda de la obra. Los malteses, ante el evento, piensan que Pablo es un asesino que recibe un castigo divino por sus fechorías; pero, tranquilamente, el protagonista se sacude la serpiente sin sufrir ningún daño, por lo que los malteses cambian de opinión y se convencen de que el naufrago viene en nombre de Dios.

Música

Paulus (San Pablo), Op. 36, es un oratorio de Felix Mendelssohn. Empezó su composición en 1834 y la obra se estrenó el 22 de mayo de 1836 en el Festival Musical de la Baja Renania en Düsseldorf. El libreto, escrito por el compositor en colaboración con Julius Schubring, un amigo de la infancia, recoge pasajes del Nuevo Testamento (principalmente del libro de los Hechos de los Apóstoles) y del Viejo Testamento.

El Oratorio, que consta de dos partes, comienza con una introducción (Núm. 1-3), y continúa con el martirio de San Esteban, la conversión de San Pablo y su bautismo (Núm. 12-22). A esta primera sección pertenece el coro núm. 10 “Siehe! wir preisen selig, die erduldet” (“Ved cómo ahora aclamamos bienaventurados a los que padecieron (Santiago 5, 11)”)

Felix Mendelssohn - Nr. 11 Chor "Siehe! Wir preisen selig, die erduldet haben" - Paulus

DESDE EL ALMA - Flor de azahar -Año VIII. Nº 471

Masaccio - Virgen con el niño - 1426  (National Gallery, Londres)

Pintura

El Niño, que descansa sobre el regazo materno mientras se chupa el dedo mojado con el zumo de las uvas que Él y la Virgen sostienen (una alusión a la eucaristía), está nimbado con un halo elíptico. El grado de naturalismo, sin precedentes que Masaccio concede a su obra se manifiesta sobre todo por el uso de la luz. Una fuente lumínica a la izquierda insufla en el panel una sensación de volumen altamente corpóreo, tanto por mediación de las superficies iluminadas directamente como por las zonas colindantes de sombra intercaladas en la escena.

Música

Cavalleria rusticana (Nobleza rústica o Caballerosidad rústica) es un melodrama en un acto con música de Pietro Mascagni y libreto en italiano de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci, basado en un relato del novelista Giovanni Verga. Considerada una de las clásicas óperas del verismo, se estrenó el 17 de mayo de 1890 en el Teatro Constanzi de Roma.

El telón se alza sobre la plaza principal del pueblo. Se ve, al fondo a la derecha una iglesia y a la izquierda, la taberna y la casa de Mamma Lucía, donde ella vive con su hijo Turiddu. Los hombres corren al reclamo de amor de las mujeres, como vuela el pájaro al reclamo de su amada. Todo el pueblo está reunido en la iglesia, delante de la taberna de Mamma Lucia. Los parroquianos van entrando en la iglesia. Canta un coro "Gli aranci olezzano" ("El aire es dulce con la flor de azahar"), que se interpreta frecuentemente en conciertos de coros de ópera, y un himno a la Virgen María. Algunos campesinos entran en la iglesia, otros van paseando mientras su canto disminuye.

Pietro Mascagni - Gli aranci olezzano - Cavalleria rusticana

DIVINA PERFECCIÓN - Plegaria -Año VIII. Nº 447

Andrea Mantegna - Ecce homo - c. 1500  (Museo Jacquemart-André, París)

Pintura

"He aquí el hombre", palabras que pronunciara Pilatos, prefecto de la provincia romana de Judea, cuando presentó a Cristo, coronado de espinas, a los judíos. Cristo es representado aquí por Mantegna de la cabeza a los hombros, desnudo, cubierto de marcas de flagelación, muñecas unidas, con una cuerda enrollada alrededor de su cuello y atada en la parte delantera. Se encuentra entre cuatro personas con expresiones de aspecto siniestro. Las dos del primer plano, cuyos dedos se tensan sobre los hombros, ocultan casi por completo a las otras dos. Sus horribles muecas, caras con narices ganchudas y bocas sin dientes, contrastan con el rostro de Cristo que expresa sorpresa y dolor aceptado. No aparecen elementos que muevan a la piedad (restos de sangre, contracciones musculares), simplemente una cara pálida, que refleja una digna resignación. Cristo se representa desnudo, lo cual es muy raro en las escenas de "Ecce homo". El tratamiento del color y la luz acentúan el perfil escultórico de las figuras.

Música

Toda la intensa actividad musical de Thomas Tallis se desarrolla en Inglaterra y más concretamente en Canterbury, en donde ingresa en la capilla real en 1543, bajo los reinados de Enrique VII, Eduardo VI e Isabel I. I call and cry to thee, O Lord empezó su vida como pieza instrumental y años más tarde Tallis le añadió letra.

El hecho de que Tallis fuera padrino del recusado William Byrd y la naturaleza de sus composiciones confirman su fidelidad a la Iglesia católica romana, en una época de tan rápidos cambios religiosos. Sin embargo Tallis, como músico de profesión, proporcionó música para la nueva liturgia inglesa, aunque la mayor parte acompañada con textos en latín. El motete “O sacrum convivium” tiene dos textos diferentes en lengua inglesa, uno de los cuales es “I call and cry to thee, O Lord”. Parece ser que se trata de la adaptación de una pieza instumental, a la que se le añadió un texto en latín que fue posteriormente sustituido por la versión inglesa.

Thomas Tallis - I call and cry to thee, O Lord

DESDE EL ALMA - Gloria -Año V. Nº 295

Desconocido - Pantocrator, Abside de Sant Climent de Taüll - ca. 1123

La pequeña basílica de Sant Climent de Taüll se halla en el valle catalán de Boí, una zona famosa por sus soberbios frescos románicos. La semicúpula del ábside central está adornada con su tradicional Pantocrátor o Maiestas Domini, en el que Cristo aparece con toda su majestad rodeado por los cuatro evangelistas. En esta asombrosa composición, la gran figura de Cristo está sentada, la mano derecha alzada en un gesto de bendición y la izquierda sujetando un libro en el que están escritas las palabras "Ego sum lux m(un)di" ("Yo soy la luz del mundo") Sus pies reposan sobre un hemisferio decorado con hojas de acanto, una alusión al mundo terrenal y al arco iris del Libro de las Revelaciones. Los cuatro evangelistas (que no aparecen) están representados por ángeles alados.

Como pocas de las composiciones de Vivaldi para la iglesia pueden ser fechadas sobre la base de la evidencia escrita o estilística, los orígenes del Gloria en Re mayor, RV 589, permanecen desconocidos (por lo menos otra composición de este título ha sobrevivido, y una tercera está aparentemente perdida). El trabajo pudo haberse iniciado durante el primer periodo de actividad de Vivaldi en el Ospedale de la Pietá, o pudo haber sido escrito en el año 1725 para el matrimonio de Luis XIV de Francia, aunque la partitura para dos solistas femeninas (soprano y alto) tiende a sugerir las condiciones de interpretación en el Ospedale de las niñas.

En lugar de ser concebido como una parte de la misa en latín, el Gloria es un trabajo independiente, una composición cíclica de un diseño amplio consistente en doce movimientos autocontenidos (Allegro-Gloria in excelsis Deo es el Coro inicial). Estilísticamente, es muy semejante a una misa de concierto. Los oboes y las trompetas imparten un esplendor festivo a los movimientos externos y al Quoniam, mientras que los otros movimientos, son tomados por los solistas o por el coro, acompañados por cuerdas con un bajo continuo (órgano). La única excepción es el corazón de la composición, el Domine Deus, con su música de cámara para soprano, oboe y continuo.

Antonio Vivaldi - Gloria in excelsis Deo - Gloria RV 589

DESDE EL ALMA - Belleza falsa -Año V. Nº 294

Tiziano - La Asunción de la Virgen - 1516-18  (Basílica de Santa María dei Frari, Venecia)

 

Pintura

La pintura está configurada en tres niveles: en la parte inferior están los apóstoles, aturdidos y agitados por el increíble evento. En el centro, la Virgen, extremadamente ligera, inmersa en la luz y rodeada de una multitud de Ángeles. En la parte superior, el Padre que, en una actitud serena y de majestuosa dignidad, atrae la mirada de la Virgen. La geometría de la pintura, marcada por el triángulo de colores rojos, nos lleva a mirar hacia arriba, hacia la parte superior; la luz, por el contrario, provienen de la vida, el amor, la alegría que caen desde arriba. Emana brillante del Padre, corre a través de la Virgen y los Ángeles en un aura dorada; finalmente, se convierte en el azul del cielo. En la parte inferior, en medio de la pintura, podemos encontrar firma de Tiziano: Ticianus (en latín)

Música

El Ave María de Giulio Caccini es una pieza de enorme popularidad. Fue compuesta en 1970 por Vladimir Vavilov, autor ruso especializado en crear obras falsamente atribuidas después a otros renombrados compositores.

Vavilov realizó en 1972 una grabación de su Ave María para el sello ruso Melodiya, en la cual se reflejaba que el autor de la misma era "anónimo". No se conoce con exactitud por qué la obra se ha atribuido a Caccini, máxime si se repara en que su estilo es completamente extraño al del célebre compositor italiano, nacido hacia 1550 y que trabajara en la corte de Florencia al servicio de los Medici.

Giulio Caccini - Ave Maria

DESDE EL ALMA – Corazón y boca y actos y vida -Año IV. Nº 238

Piero della Francesca - La Resurrección de Cristo - h. 1463  (Pinacoteca Civica, Sansepolcro)

Este fresco se centra en la figura erguida de Cristo, cuya frontalidad denota la firmeza y la solemnidad del espíritu cristiano. A partir de la vertical dominante que divide la pintura en dos partes, della Francesca sitúa el invierno en el lado izquierdo y el verano en el derecho. Si se observa de izquierda a derecha se entiende que el cambio de estaciones representa el renacimiento de Cristo. En la parte inferior yacen los soldados dormidos. Visto de abajo a arriba, se puede interpretar el paso de la pasividad a la acción (Cristo está a punto de encaramarse a la cornisa y salir literalmente de la escena), del sueño al movimiento: Cristo posee voluntad propia y vida eterna.

La Cantata BWV 147 de Johann Sebastian Bach lleva el título Herz und Mund und Tat und Leben (Corazón y boca y actos y vida). Escrita durante su primer año en Leipzig, en 1723, su parte más conocida es el décimo movimiento transcrito bajo el título "Jesús Alegría de los Hombres" (éste y el sexto movimiento tienen la misma melodía, con texto diferente)

Mucha de la música de la cantata proviene del período de Bach en Weimar. La versión anterior (BWV 147a) carecía de los recitativos, pero incluía el coro de apertura y las cuatro arias incorporadas en la versión posterior. En Leipzig, Bach añadió tres recitativos y el famoso movimiento coral con que concluye cada una de las dos partes. Inspirada en la Visitación de la Virgen María (Isaias 11: 1-5; y Lucas 1: 39-56) es una alabanza a Jesús Maestro, a María y en general a la Creación.

Johann Sebastian Bach - Jesús Alegría de los Hombres - Cantata BWV 147

DESDE EL ALMA – Oficio de tinieblas -Año IV. Nº 237

Michelangelo Caravaggio - El Descendimiento - 1600-04  (Museo Vaticano)

 

Pintura

Caravaggio no representa en realidad la Sepultura ni el Descendimiento de la manera tradicional, ya que el Cristo no está descrito al ser bajado a la tumba, sino cuando, en presencia de mujeres devotas, es colocado por Nicodemo y Juan sobre la Piedra de la Unción, es decir, la piedra tumbal con la que se cerrará el sepulcro. Alrededor del cuerpo de Cristo se colocan la Virgen, María Magdalena, Juan, Nicodemo y María de Cleofas, quien alza los brazos y los ojos al cielo en un gesto de altísima tensión dramática.

Música

El compositor italiano Gregorio Allegri compuso su Miserere mei, Deus (Ten piedad de mí, oh Dios), basado en el Salmo 51, durante el pontificado del Papa Urbano VIII , probablemente durante el año 1630, para su uso en la Capilla Sixtina durante los maitines, como parte del Oficio de Tinieblas, el Miércoles Santo y el Viernes Santo. Tal interpretación se hacía a la luz de trece velas que representaban a Jesús y los doce apóstoles y que se iban apagando una a una hasta acabar en completa oscuridad. Era tal el efecto que se conseguía con la unión de la música y la liturgia que el Papa Urbano VIII, quien había encargado la obra a Allegri, prohibió su transcripción y su ejecución fuera del Vaticano bajo pena de excomunión.

Con doce años, de camino a Nápoles, los Mozart se detuvieron en Roma coincidiendo con la Semana Santa. Mozart y su padre asisitieron la madrugada del Miércoles Santo de 1769 a la interpretación del Miserere de Allegri en la Capilla Sixtina, atraídos por la inaccesibilidad y la consiguiente fama de una música de la que todos hablaban pero que muy pocos habían escuchado. Al acabar el oficio regresaron a su alojamiento y el jóven genio transcribió de memoria los doce minutos de música polifónica al papel pautado, violando así la prohibición papal. Los Mozart continuaron con sus viajes por Europa y en uno de ellos se cruzaron con el historiador británico Dr. Charles Burney, a quien dieron una copia de la partitura para que la publicara en Londres. La reacción del Papa Clemente XIV cuando se enteró del robo efectuado por el niño prodigio no fue la excomunión, como hubiese sido de esperar, sino llamarle a Roma para alabar su maestría musical y concederle la orden de la Espuela de Oro.

Gregorio Allegri - Miserere mei, Deus

DESDE EL ALMA – Pan del Cielo -Año IV. Nº 236

Juan de Juanes - La Última Cena c. 1555-62  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Inspirada en Leonardo, tanto por lo que se refiere al espacio como a la elocuente expresividad de los apóstoles, el pintor valenciano centró la escena en torno a Jesús, sereno y triunfante, en el momento de consagrar la sagrada hostia. El cáliz que aparece en el centro de la mesa reproduce el que se guarda en la catedral de Valencia, considerado el auténtico vaso utilizado por Jesucristo en la Última Cena. La jarra y la jofaina del primer término aluden al Lavatorio de los pies, previo a la Cena. Todos los Apóstoles llevan nimbo con su nombre excepto Judas Iscariote, aunque su nombre aparece en el banco que ocupa. Tiene la barba y el cabello rojos, según la tradición, viste de amarillo -color simbólico de la envidia-, y oculta a sus compañeros la bolsa del dinero.

Música

Panis Angelicus es uno de los cinco himnos escritos por Santo Tomás de Aquino para la Fiesta de Corpus Christi como parte de la liturgia completa de la Fiesta, incluyendo oraciones para la Misa y la Liturgia de las Horas. En 1872, César Franck arregló el tema para tenor, órgano, arpa, cello y contrabajo y lo incorporó en su Messe à troi voix.

Los llamados “años oscuros” de Cesar Franck se prolongan desde 1849 a 1872, año en que es nombrado profesor de órgano en el conservatorio. La ópera nunca estrenada Le valet de ferme (El gañán), el poema sinfónico Redención, dos Misas y varias piezas de inspiración religiosa, entre ellas el famoso Panis angelicus, pertenecen a una etapa cuya cima, las Seis piezas para órgano de 1862, supone el comienzo de su reconocimiento fuera de los muros de Sainte-Clotilde, la iglesia de cuyo órgano Cavaillé-Coll sería titular hasta su muerte.

César Franck - Panis Angelicus - Messe à troi voix

DESDE EL ALMA – Religiosidad -Año IV. Nº 235

Bartolomé Murillo - La Inmaculada Concepción de Soult - 1678  (El Prado, Madrid)

Murillo creó una fórmula de gran éxito para la representación de la Inmaculada, con la Virgen vestida de blanco y azul, las manos cruzadas sobre el pecho, pisando la luna y con la mirada dirigida al cielo. Al mismo tiempo le otorga un claro impulso ascensional que la sitúa en un espacio celestial lleno de luz, nubes y ángeles. Así aunaba dos tradiciones iconográficas: la de la Inmaculada y la de la Asunción. La de los Venerables se distingue de la mayoría de las Inmaculadas de Murillo por su actitud triunfante y el acusado movimiento de ascensión y por carecer absolutamente de sus atributos tradicionales.

El Ave María escrita por el compositor romántico francés Charles Gounod en 1859, consiste en una melodía superpuesta sobre el Preludio Nº 1 en Do mayor, BWV 846, del Libro I de El clave bien temperado, que había sido compuesto por Juan Sebastián Bach unos 137 años antes.

Gounod se distinguió como uno de los más prolíficos y respetados compositores franceses, destacando tanto en su obra operística como en la religiosa. De la primera producción sobresale su Fausto y de la religiosa su inmortal Ave María. En esta última faceta se encuadra también el himno que compuso para la Ciudad del Vaticano. Su vida personal fue de gran religiosidad hasta el punto de haber querido convertirse en sacerdote.

Charles Gounod / Johann Sebastian Bach - Ave Maria