NAVIDAD - Noche de paz -Año I. Nº 44

Rafaello Sanzio - Sagrada Familia del Cordero - 1507  (El Prado, Madrid)

Esta obra está inspirada en el dibujo preparatorio de Leonardo da Vinci para el altar mayor de la Annunciata de Florencia. La tabla de Rafael muestra a la Virgen, el Niño y el cordero, pero santa Ana ha sido sustituida por san José. Más importante que este cambio puntual es que Rafael modificase el significado de la escena, al mostrar a la Virgen ayudando a su hijo a abrazar al cordero ante la mirada, atenta y reflexiva, de san José quien participa del significado premonitorio de la acción. La comunicación entre los personajes viene subrayada mediante la disposición de los cuerpos y la dirección de las miradas. La inclusión en el plano medio de una escena secundaria con la huida a Egipto, sugiere que el tema principal alude a un descanso en el camino.

Stille Nacht, heilige Nacht, fue interpretado por primera vez el 24 de diciembre de 1818 en la iglesia de San Nicolás (Nikolaus-Kirche) de Oberndorf en Austria. La letra había sido compuesta en 1816 por Mohr en Mariapfarr (una pequeña aldea en la región del Lungau cerca de Salzburgo en Austria) y la música por Franz Gruber el mismo día de su estreno.

Franz Gruber dejó escrito, el 30 de diciembre de 1854, en su "Authentischen Veranlassung" die Entstehungsgeschichte des Weihnachtsliedes "Stille Nacht! Heilige Nacht!" (La auténtica historia sobre el origen del villancico Noche de Paz): “Fue el 24 de diciembre del año 1818, cuando Joseph Mohr, por entonces pastor de la nueva parroquia de San Nicolás en Oberndorf, cerca de Salzsburgo (Austria), entregó a Franz Gruber, organista de la parroquia y maestro de escuela en Arnsdorf, un poema con la petición de que le pusiera música para un conjunto formado por dos voces solistas, coro y acompañamiento de guitarra”. Mas tarde el mismo día, el 24 de diciembre, Gruber le entregó a Mohr su composición. A éste le gustó lo que vio, e incluyó la canción en la misa de Navidad de aquella noche. Mohr cantó la parte del tenor y acompañó con la guitarra, mientras Gruber cantó los graves. De acuerdo con lo que escribió Gruber, la canción encontró una “aprobación general de todos los asistentes” (la mayoría trabajadores en barcos y astilleros y sus familias). Gruber no mencionó los hechos que le inspiraron. Una de las suposiciones más aceptadas es que el órgano de la iglesia estaba fuera de servicio desde hacía tiempo, motivo por el que Mohr y Gruber compusieron una canción para ser acompañada por guitarra. La primera traducción al español fue registrada por el pastor protestante alemán, afincado en España. Don Federico Fliedner escribe en noviembre de 1871 a su futura esposa Jeanie Brown: "Aunque son las 2 de la mañana te tengo que comunicar mi alegría. Acabo de traducir tres himnos de Navidad al español, por eso he quedado tanto tiempo levantado, pues si uno recibe la musa de la poesía no la deja escapar." Uno de ellos era Noche de Paz.

Franz Gruber - Noche de Paz

UNA MIRADA AL ORIENTE - Ana y el rey de Siam -Año I. Nº 38

Desconocido - Royalty, Mural Painting, Wat Suwannaram, Bangkok

Wat Suwannaram (Wat Suwan) está situado en la orilla oeste del Canal Bangkok Noi. El templo data del período Ayutthaya y se llamó originalmente Wat Thong. El rey Rama I ordenó que el templo fuera completamente renovado y cambió su nombre por el de Wat Suwannaram. Somdej Krom Phra Rajawang Boworn Mahasurasinghanart ordenó la construcción de un crematorio para la realeza y los altos funcionarios. Las cremaciones de tales personajes se llevaban a cabo tradicionalmente fuera de los muros exteriores de la ciudad. El crematorio continuó en uso hasta el reinado del rey Rama IV. Durante las renovaciones de Wat Suwannaram, en el tercer reinado, el Rey tuvo a los mejores artistas de la época compitiendo entre sí en la pintura de los murales en el phra ubosot. La mayoría de las escenas muestran las Historias de Jataka (las vidas anteriores de Buda)

Fanny Holtzmann, una famosa agente de artistas, poseedora de una copia del best-seller de Margaret London, "Ana y el rey de Siam" (1944), que había sido llevada con éxito al cine en 1946, buscaba llevarla al teatro. Tanto Cole Porter como Noel Coward, famosos compositores de la época, declinaron escribir la partitura, argumentando que no encontraban nada que les inspirara en la historia de una mujer que llega a Siam en la década de los sesenta como institutriz de los numerosos hijos del monarca siamés. Finalmente llegó a parar a manos de R. Rodgers quien, a pesar de sus dudas, se convenció al ver la pasión que su libretista O. Hammerstein tenía por la historia. La obra se estrenó en Broadway el 29 de marzo de 1951. The King and I es una opereta y el asunto moral es aquí la esclavitud. La trama romántica es la respuesta americana a Das Land des Lächelns: mujer occidental se encuentra con un potentado oriental y ¿hasta qué punto pueden llegar a entenderse? Musicalmente, sin embargo, no alcanza el nivel de la obra de Lehar, y las canciones de amor están asignadas a la pareja secundaria, esta vez la pareja dramática.

En la década de los 1860, el rey de Siam - en su intento de llevar la cultura occidental A su país – contrata a Anna Leonowens, una atractiva maestra de escuela Inglesa, para que enseñe a sus príncipes y princesas. Al llegar a Siam con su hijo Louis, ella trata de disipar sus temores y los de su hijo silbando una canción. Una vez en el palacio, Ana se sorprende al enterarse de que ella y su hijo no tendrán una casa propia, como le había sido prometido por el Rey. También es testigo de la llegada de Tuptim, traída de Birmania por Lun Tha, como un regalo para el rey de Siam, quien dedica una canción a su nuevo amo (My Lord and Master) El Rey está satisfecho con Tuptim, y hace oídos sordos a las quejas de Ana por tener que vivir en el palacio. A continuación, llama a sus sesenta y siete príncipes para satisfacer a Ana. Ellos aparecen formando una impresionante procesión. Después de salir, Lady Thiang despierta la simpatía de Anna hacia Tuptim explicando que Tuptim y Lun Tha están profundamente enamorados y que, una vez que Lun Tha regrese a Birmania, nunca volverán a verse. Anna se conmueve, pues jamás puede olvidar lo mucho que había amado a su marido Tom, ahora muerto.

R. Rodgers - My Lord and Master - The king and I

MISTERIOSA CHINA - La princesa china -Año I. Nº 37

Zhou Fang -Damas de la corte con tocados de flores en el pelo - s. VIII (Museo Provincial de Liaoning, Shenyang)

Zhou Fang -Damas de la corte con tocados de flores en el pelo - s. VIII (detalle)

 

Pintura

Este desarrollo horizontal atribuido a Fang representa cinco damas del palacio y una criada que se divierten en una escena de jardín. En la primera sección, dos damas de la corte juegan con un perro adorable, una de ellas burlándose con un plumero. En la sección central, una tercera dama del palacio representada en escala jerárquica (más grande debido a su estatus superior) es seguida por una sirvienta sosteniendo un abanico de mango largo. Ella mira una flor roja que sostiene en su mano y se prepara para adornar su cabello con ella. Una grulla pasa frente a la dama. Otra dama de la corte, que se muestra en un tamaño relativamente pequeño, da un paseo con las manos juntas, lo que agrega una sensación de profundidad y variación a la composición del rollo. Al lado de un árbol de magnolia en flor, que crece junto a una piedra de jardín, la última dama en la imagen atrapa una mariposa y su atención cambia a un perro que parece correr hacia ella. Las representaciones del ocio y las diversiones que disfrutan las mujeres aristocráticas pueden verse como un reflejo de su vida ociosa y despreocupada en el palacio.

Música

Turandot se estrenó en la Scala de Milán el 25 de abril de 1926 con la particular anécdota de que el propio director, Arturo Toscanini, en la escena de la muerte de Liù, paró la orquesta y se dirigió a los asistentes al estreno diciéndoles: "Aquí se acaba la ópera del maestro, es en esta página cuando murió". El resto de la ópera fue compuesta, a partir de bocetos, por Franco Alfano, que respetó las ideas de Puccini.

La ópera empieza con el edicto donde se establece que la princesa se casará con aquel príncipe que sea capaz de desvelar los tres enigmas que ella propondrá; en caso contrario, morirá. Un príncipe, que escucha como Turandot le pide que "no tiente la fortuna", insiste en su intención de resolver los tres enigmas. Uno a uno, los va resolviendo ante el aplauso del público presente. Cuando se resuelve el tercer enigma surge la sorpresa: la princesa pide que "no se le entregue en los brazos del extranjero, como una esclava, muerta de vergüenza" El príncipe, que prefiere que la princesa no se muestre hostil, le sugiere que resuelva un enigma: si dice su nombre antes del alba él morirá. Ella acepta esta solución mientras que el Emperador, harto de tanta muerte, le desea suerte.

ACTO III, cuadro 1 - Noche. Jardines del Palacio
Turandot ordena que haya pena de muerte a todo el mundo que sepa el nombre del príncipe y no lo diga. Los guardias recorren las calles pidiendo que nadie duerma en Pekín. El príncipe canta entonces el aria Nessun dorma (Nadie duerma) Tras una larga conversación, el príncipe logra besarla, quebrando la rígida actitud de la vengativa monarca, al punto de que acepta su derrota, pidiéndole que no la estreche entre sus brazos. Finalmente, el príncipe, con resignación le revela su nombre. Es el amanecer, y suenan las trompetas de palacio. Tras la aclamación del pueblo al Emperador llega el momento en el que Turandot debe desvelar el nombre del príncipe extranjero: "Il suo nome è ...Amor" (Su nombre es… Amor) El pueblo se muestra exultante de que la princesa haya alcanzado el amor y lo celebra.

Giacomo Puccini - Nessun Dorma - Turandot

MISTERIOSA CHINA - El país de las sonrisas -Año I. Nº 36

Yan Liben - El Emperador Taizong concede audiencia al embajador del Tibet - 640    (Museo del Palacio Imperial de Beijing)

 

Pintura

Esta obra maestra clásica de Yan Liben, Silla Imperial llevada por Cortesanas, registra la ocasión grandiosa en la que el rey del Tíbet envió a sus emisarios a a Chang'an para buscar a su futura mujer en el decimocuarto año del Reinado Zhenguan de la dinastía Tang (el año 640) En la parte derecha del rollo de pintura, está el Emperador Taizong de la dinastía Tang (reinó entre 627 y 649) que se sienta en silla imperial portada por las damas. A su izquierda hay tres personajes, el más cercano es el funcionario protocolario. Lu Dongzan, el emisario, está en el centro, y el más lejano es el intérprete. La figura del Emperador Taizong de la dinastía Tang es el centro de la pintura. El emperador Taizong de la dinastía Tang, que se sienta en una silla imperial, está rodeado de muchas damas, con un aspecto hermoso y ojos vivos y un semblante serio, manteniendo su prestigio de monarca, portándose con serenidad absoluta, lo que muestra completamente un porte elegante de un emperador sabio. Hay nueve damas, algunas abren un paraguas, algunas llevan la silla imperial, algunas tienen en la mano un gran abanico. Cada dama tiene una postura diferente. Sus formas encantadoras, suaves y hermosas realzan la forma robusta y serena del Emperador Taizong de la dinastía Tang, añadiendo un colorido hermoso a esta escena política e histórica. Los enviados del Tibet muestran la obediencia a través de la postura respetuosa. La pintura no tiene el fondo, tomando la imitación de los personajes como el cuerpo principal.

Música

Lehar y Puccini desarrollaron sus argumentos chinos durante la década de 1920, más o menos trabajando en paralelo, y trabarían una fuerte amistad. Lehar trabajaba en Die Gelbe Jacke, la versión original de Das Land des Lächelns (El país de las sonrisas), mientras Puccini lo hacía en Turandot. En 1923 Puccini asistió a una representación de Die Gelbe Jacke en el Theater an der Wien, que no estaba teniendo mucho éxito. Es posible que el público encontrase el contraste entre un rico decorado y el llamativo vestuario y las propias circunstancias sociales de la época demasiado chocante. Puccini, por su parte, no vivió para completar su Turandot. Lehar asistió al estreno de esta obra en el teatro la Scala de Milán en 1926. Y dos años más tarde decidió reformar su obra y convertirla en el éxito mundial en que se convirtió Das Land des Lachelns, estrenada en el Metropoltheater de Berlín, el 10 de octubre de 1929.

Mientras Sou-Chong está destacado en la embajada de China en Viena conoce a Lisa y se enamoran. Juntos deciden casarse. Sou-Chong recibe la noticia de que debe regresar a Pekin para cumplir sus obligaciones como Príncipe. Lisa le acompañará.

ACTO II – Pekin. Salón del palacio del Príncipe Sou-Chong
Tschang, un estricto defensor del mantenimiento de los valores tradicionales, recuerda a su sobrino Sou-Chong sus obligaciones. Incluso él intenta presentarle cuatro novias, porque las normas y la tradición dictan que un hombre del rango de Sou-Chong debe casarse con cuatro mujeres. De acuerdo con las leyes del país, su matrimonio con Lisa es inválido. Sou-Chong se despide de su tío con horror, dado que es Lisa la única mujer a la que ama (Dein ist mein ganzes Herz) Tschang, sin embargo, informa a Lisa de la próxima boda del Príncipe con una esposa china y tres concubinas. No hay, por tanto, lugar en el palacio para otra esposa. Lisa entonces da un últimatum a Sou-Chong: si no desiste de sus planes de boda, le abandonará. Ambos se dan cuenta de lo irreconciliable de sus caracteres y sus culturas, que no les permiten un futuro común. Lisa deja atrás al Príncipe, con su consentimiento, en medio de un inmenso dolor.

Franz Lehar - No. 11 Dein ist mein ganzes Herz - Das Land des Lachelns

MISTERIOSA CHINA - ¿Quién conoce a los chinos? -Año I. Nº 35

Hua Yan - Paisaje de otoño - 1729  (Freer Gallery of Art)

Pintura

La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la pintura china clásica, a través de ella se transmiten las concepciones micro y macro cósmicas chinas del universo. No es un arte figurativo que se haya modelado después, sino el resultado del sentimiento experimentado por el pintor que, tras la contemplación del paisaje, lo plasma en la pintura. En el caso de la pintura de paisajes “montaña y agua”, la armonía de los elementos yin - yang, el juego de las condiciones atmosféricas, de los estratos geológicos, de las texturas informes en blanco y negro tienen, como fundamento, una apropiación expresionista de la naturaleza muy alejada de la mimesis o imitación exacta, como sucede con la estética occidental. La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la pintura de paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas aparecen de forma muy reducida, situadas en un marco cosmológico completo. Únicamente en las pinturas cuyo objeto central son los vegetales, los animales, o los seres humanos se introduce el color en la pintura.

Música

En 1827, Johann Strauss padre, que contaba con 23 años de edad, escribió una serie de valses y galops. Buscó la inspiración para estas piezas en todo aquello que pudo encontrar, en la música teatral y en las canciones populares de los alrededores de Viena. Lo exótico también atrajo su interés. Esto dio lugar al Chineser-Galoppe, Op.20 (Galop chino), a pesar de que probablemente nunca había visto un súbdito de aquel lejano país.

En Viena se podía estar familiarizado, hasta cierto punto, con las porcelanas chinas y la pintura, pero prácticamente nada se sabía de la música china. Strauss, por tanto, tomó como modelo para su galop la música por entonces conocida en Viena como Turca, tan sólo unos pocos compases, pero no por ello deja de recordar a la marcha Alla turca de Mozart. Esta pequeña pieza ganó popularidad inmediata. Los vieneses disfrutaban a fondo allí donde Strauss y Lanner, a cuya orquesta aún pertenecía, la interpretaban. La primera parte era siempre repetida y cuando el sonido se desvanecía, los bailarines y la audiencia del establecimiento Schwarzen Bock en Wieden, con su salón iluminado con linternas chinas, y más tarde del Zwey Tauben en Heumarkt, aplaudían hasta que Lanner, Strauss y su pequeña orquesta repetían el galop, continuando así hasta que los bailarines quedaban exhaustos. Strauss triunfó. Rápidamente se convirtió en el violinista favorito de música de danza y compositor de la capital. Cuando apareció la edición impresa del Galop chino, se agotó rápidamente. Ahora se escuchaba la música también en las casas de clase media y en los salones domésticos. Los estilos de baile cambiaron, pero el Galop chino nunca se olvidó.

Johann Strauss I - Chineser Galopp; op. 20

MISTERIOSA CHINA - Chinoiserie musical -Año I. Nº 34

Wu Daozi - Tianwangsozitu - 680-740

 

Pintura

Wu Daozi se centró especialmente en la representación de las enseñanzas budistas. Consiguió una buena reputación como artista cuando era joven y fue invitado a convertirse en un pintor imperial. Trabajar en Chang'an, la capital de la dinastía Tang, le dio al artista la oportunidad de experimentar y trabajar con otros artistas prominentes, lo que le ayudó a mejorar sus habilidades con bastante rapidez. Sus pinceladas diferían de las de sus predecesores, mientras que otros usaban líneas delgadas, las pinceladas de Wu estaban llenas de vigor para representar la agitación interna de los sujetos. Sin lugar a duda, el trabajo más famoso de Wu Daozi es la presentación del Buda que se muestra.

Música

Ba-ta-clan es una "chinoiserie musical", una opereta en un acto de Jacques Offenbach basada en un libreto de Ludovic Halévy. Fue estrenada en el Théâtre des Bouffes Parisiens, en Paris, dos días antes de la conclusión del año 1855, el año de la primera Exposición Universal de París. Es la increíble historia de dos franceses, expatriados en un lejano reino chino, que se ven involucrados en un complot para derrocar al rey. Tras múltiples problemas de comunicación, un poco de danza, una canción revolucionaria y un poco de suerte, todo acaba felizmente.

Fe-ni-han, el rey de las 27 materias, ha mandado empalar, por equivocación, a cinco burgueses a quienes, en verdad, debían habérseles reservado honores y distinciones. Y todo se ha debido a que cree ser víctima de una conspiración y porque no habla chino. De hecho es francés, y sus dos más cercanos colaboradores,Ke-ki-ka-ko y Fe-an-nich-ton, son dos parisinos que aparecieron en el reino. El primero es un vividor y la segunda una antigua cantante. Ellos dejaron Paris y decidieron marchar al Lejano Oriente (conducidos allí el uno por la bancarrota y la otra como cantante con una compañía itinerante), al igual que Fe-ni-han, quien todavía teme a los conspiradores (Ba-ta-clan) Pero entonces, su líder Ko-ko-ri-co, quien revela que también es francés, ayuda al rey a escapar movido por el deseo de ocupar su trono.

Jacques Offenbach - Quatuor chinois - BA-TA-CLAN

ÁNIMAS – El holandés errante -Año I. Nº 33

Albert Pinkham Ryder - El holandés errante - c. 1896  (Smithsonian American Art Museum)

Las escenas marinas de Pinkham, sumamente subjetivas, reflejan su sentimiento del desamparo humano ante las fuerzas de la naturaleza. Su particular iluminación amarillenta, intensifica la atmósfera de misterio.

Wagner coronó la composición El holandés errante (Der fliegende Holländer) en 1841 con el lema “per aspera adastra” (“por la adversidad hacia las estrellas”) Emocionantes vivencias personales, como su huida a Riga, junto a dolorosos fracasos profesionales en París confluyen en la composición de esta ópera romántica. El libreto fue realizado por el compositor a partir de "Aus den Memorien des Herren von Schnabelewopski" de H. Heine y se centra en la leyenda del holandés errante condenado a navegar eternamente por una maldición infernal hasta ser rescatado por la fidelidad de una mujer. La trama se sitúa en Noruega y se centra en el trágico sacrificio de la joven Senta, que rompe su compromiso con el atormentado Erik para salvar al holandés.

ACTO III – Ensenada de orillas rocosas
Se prepara una fiesta. Llegan las muchachas con cestos de comida y bebida e invitan a la tripulación del Holandés a sumarse a la fiesta, pero tan sólo obtienen un misterioso silencio como respuesta. Insisten varias veces junto a los marineros y terminan recordando con sorna la leyenda del Holandés errante y su tripulación fantasma; las muchachas entregan sus cestos y salen. Los marineros noruegos reanudan su canción con mayor algarabía pero estalla una tormenta en los alrededores del buque fantasma que desemboca en un coro sobrenatural (Hohohoe! Hohohoe!); los marineros noruegos tratan de imponer su canción, conformando un espectacular número de doble coro, aunque al final desisten y abandonan la cubierta horrorizados entre fantasmales risotadas de la tripulación del Holandés.

Richard Wagner - Hohohoe! Hohohoe! - El holandés errante

NOS VAMOS DE MARCHA - La marcha de concierto -Año I. Nº 32

Desconocido - Friso de los arqueros de Susa - Periodo Aqueménida Persa, reino de Darío I, c. 510 a.C. (Louvre, París)

 

Pintura

Aunque los ladrillos vidriados habían sido también utilizados por los asirios, los frisos de ladrillos moldeados y vidriados de Susa tienen su mejor antecedente en Babilonia. De hecho, Darío escribirá que artesanos babilonios se encargaron de los ladrillos de Susa. Este friso de los arqueros persas posee un colorido excepcional. No sólo la riqueza de los trajes, sino también la calidad de la representación y la técnica hacen de éste, con justicia, una de las piezas más famosas del período aqueménida.

Música

La Persischer Marsch, op. 289 fue compuesta por Johann Strauss para la temporada de conciertos de 1864 en Pavlovsk, su noveno verano consecutivo en Rusia. Originalmente titulada Persischer Armee –Marsch (Marcha del Ejército Persa), la nueva obra se dio a conocer ante el público en el Pabellón Vauxhall, en el parque de Pavlovsk, el 11 de julio y demostró ser la más popular de sus composiciones en Rusia ese año, que se interpretó en no menos de 65 ocasiones. La Marcha Persa se convirtió, de hecho, en una de las obras favoritas en vida de su compositor, quien concedió gran importancia al hecho de que en la sección Trío de la obra se cita un tema del himno nacional persa. Johann reconoció que la característica de la marcha es la música programática. Años más tarde, admitió: "Una vez escribí una marcha persa, pero no pude hacerlo como si necesitara una marcha para la calle".

En el otoño de 1864 Johann Strauss cosechó una serie de condecoraciones como recompensa por las varias composiciones que había dedicado a cabezas coronadas de Europa. Entre sus medallas formaba parte la Persischen Sonnenorden (Orden Persa del Sol), otorgada por Su Majestad Imperial el Shah de Persia, el poderoso y culto Naser od-Din (1831-1896), quien accedió al trono en 1848 y se mantuvo una ferviente devoto de la poesía y la música hasta su asesinato en Teherán en 1896. El honor fue concedido a Strauss, a cambio de la dedicación de la Marche persanne, título con que fue publicada originalmente la obra en Rusia siguiendo la moda francesa. Casi un siglo después de su estreno la marcha de Strauss fue casi responsable de un incidente diplomático. El autor vienés y locutor de radio, el Profesor Dr. Marcel Prawy, recuerda cómo en mayo de 1960, cuando fue asesor en la Volksoper de Viena, le fue ordenado por un alto funcionario del gobierno intercalar la Persischer Marsch en una representación de Die Fledermaus a la que asistiría el Shah, Mohammed Reza Pahlavi. Poco antes de la noche en cuestión se retiró la orden a toda prisa cuando se dieron cuenta de que el Sha para quien fue escrita la marcha pertenecía a la dinastía que había sido depuesta por la regente en aquel momento.

Johann Strauss - Persischer, march for orchestra, Op. 289 (RV 289)

NOS VAMOS DE MARCHA - La marcha patriótica -Año I. Nº 31

Howard Chandler Christy - Signing of the Constitution - 1937 (Capitolio, Washington)

 

Pintura

La Escena de la firma de la Constitución de los Estados Unidos es una pintura al óleo realizada por Christy, describiendo la firma de la Constitución en la Convención Constitucional que se llevó a cabo en Filadelfia entre el 14 de mayo y el 17 de septiembre de 1787, para resolver los problemas de gobierno de Estados Unidos, que había estado funcionando conforme a los Artículos de la Confederación después de su independencia de Gran Bretaña. George Washington, quien preside la Convención, es la figura que aparece en pie sobre el estrado. Las figuras centrales son Alexander Hamilton y Benjamin Franklin.

Música

Stars and Stripes Forever es una marcha patriótica Americana, considerada la obra cumbre del compositor John Philip Sousa. A finales del año 1896, mientras Sousa y su mujer disfrutaban de unas esperadas vacaciones en Europa, recibieron la triste noticia de que el gerente de su banda, David Blakely, había fallecido repentinamente. Se encontraban viajando en un ferry, y el propio Sousa cuenta que fue entonces cuando compuso la marcha en su cabeza, la cual transcribió al papel a su regreso a América.

“Here came one of the most vivid incidents of my career. As the vessel (the Teutonic) steamed out of the harbor I was pacing on the deck, absorbed in thoughts of my manager's death and the many duties and decisions which awaited me in New York. Suddenly, I began to sense a rhythmic beat of a band playing within my brain. Throughout the whole tense voyage, that imaginary band continued to unfold the same themes, echoing and re-echoing the most distinct melody. I did not transfer a note of that music to paper while I was on the steamer, but when we reached shore, I set down the measures that my brain-band had been playing for me, and not a note of it has ever changed." (Sousa)

John Philip Sousa - Stars and Stripes Forever, March

NOS VAMOS DE MARCHA - Los enamorados -Año I. Nº 30

Pierre Auguste Renoir - Los enamorados - 1875  (Národní Galerie, Praga)

 

Pintura

Los meses de junio y julio de 1875 los pasó Renoir en el restaurante-pensión de Fournaise, en la isla de Chatou, donde pintó esta escena protagonizada por la actriz Henriette Henriot y el pintor Franc-Lamy. Los dos modelos están representados a "plein-air" envueltos en una atmósfera natural, en una zona de sombra que presenta las habituales tonalidades del impresionismo. El contraste con la zona plena de sol resulta interesante, quedando algunas zonas iluminadas a través del follaje como la mano del joven enamorado. Las pinceladas son rápidas y empastadas, sin atender a detalles, dotando de volumetría a las figuras gracias al delicado dibujo que siempre Renoir hizo gala. De esta manera, las figuras se funden con el entorno gracias a la atmósfera que las rodea. Una nota significativa la encontramos en el gesto de hastío de la joven, aportando el pintor expresividad a sus modelos. Los blancos "manchados" con el malva y el negro de los trajes masculinos será un contraste muy querido por los impresionistas que ya utilizaba Manet en sus obras iniciales.

Música

Compuesta por F. Lehar y estrenada el 28 de mayo de 1920, en el vienés Theater an der Wien, Die blaue Mazur tuvo mucho éxito en su momento pero es poco conocida en la actualidad. La historia comienza, donde otras historias terminan, con un matrimonio. El conde polaco y ex playboy Julián Olinski se prepara para celebrar su boda con Blanca von Lossin. Ella, sin embargo, no está convencida de que aquel deja su pasado detrás de él y sus sospechas parecen confirmarse cuando aparece Gretl, un antiguo amor de Julián. Gretl está rabiosa por la boda y con muchas dificultades su viejo camarada de juergas, Adonis von Sprintz, es capaz de evitar que sabotee la boda.

En el dueto en forma de marcha Ich bin zum letzten mal verliebt (me enamoré por última vez) trata de convencerla de que hay al menos una explicación para el comportamiento de Julián, a saber, que “todo hombre es un monstruo que, siguiendo sus instintos, persigue las hembras de su especie. Aunque puede también amar, nunca se puede confiar”. Blanca, tras la boda, sale corriendo a refugiarse con el tío de Adolar. Adolar y Gretl, a quien finalmente aprieta su mala conciencia, tendrán que emplear toda sus astucias y encantos para conseguir la reconciliación de la infeliz pareja.

Franz Lehar - Ich bin zum letztenmal verliebt - DIE BLAUE MAZUR


Franz Lehar - Ich bin zum letztenmal verliebt - Marcha

NOS VAMOS DE MARCHA - La marcha triunfal -Año I. Nº 29

Lawrence Alta-Tadema - El hallazgo de Moisés - 1904  (Colección privada)

La obra de Alma Tadema está basada en un texto bíblico, concretamente en el capítulo 2, versículo 6 del libro de Éxodo, en el que se narra como la hija del faraón, al irse a bañar en el río Nilo, encuentra al bebé Moisés abandonado en un cesto entre las cañas. La pintura representa la escena después de que ha sido descubierto el bebé, y muestra la procesión de regreso a la morada de la hija en Menfis, la capital del Imperio Antiguo de Egipto. Esclavos con la cabeza rapada, vistiendo taparrabos, portan a la hija del faraón, en una silla ricamente decorada. Ésta lleva un vestido de color rosa transparente y joyería elaborada, y sostiene un látigo en la mano izquierda, símbolo de la realeza, mientras que en su mano derecha lleva una flor de loto. El estilo y la decoración de la silla están inspirados en ilustraciones de pinturas de las tumbas egipcias. Sus pies descansan sobre un estrado decorado con cautivos atados -otro símbolo de realeza- y también hace referencia a los israelitas esclavizados. Las cartelas jeroglíficas la identifican como la hija de Ramsés II. Dos criados varones agitan abanicos de plumas de avestruz, mientras que dos asistentes femeninas llevan a Moisés en su cuna a su lado. La cuna está decorada con flores de loto, atadas con una cinta rosa. Otro asistente de sexo femenino toca un instrumento de cuerda.

Aída es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Auguste Mariette, compuesta para la inauguración del Canal de Suez pero estrenada después del 24 de diciembre de 1871 en el Teatro de Ópera de El Cairo. El acto segundo cuenta con una escena de enorme espectacularidad que sirve de justificación a colosales montajes. El coro inicial (gloria all'egitto) fue adoptado por el jedive que encargó la ópera a Verdi como himno nacional.

La acción tiene lugar en Menfis y en Tebas, en tiempo del poder de los faraones del Imperio Nuevo de la dinastía XIX o XX. Un mensajero da cuenta de la devastación de las tierras egipcias y de la amenaza a la capital, Tebas, por parte de los etíopes, al frente de cuyo ejército viene su rey Amonasro. El Rey anuncia que Isis ha señalado a Radamès como supremo comandante. Éste parte a combatir contra el Rey de Etiopía, quien ha comenzado la guerra para liberar a su hija Aida de la esclavitud.

ACTO II, escena 2 - En una habitación del Palacio Real en Memphis

En la muralla de Tebas. El pueblo celebra la victoria, mientras el Rey y Amneris, junto a Aida y otros esclavos, los ministros y los sacerdotes, esperan a Radamès para celebrar su triunfo. En ese momento llega una columna de soldados y prisioneros, con Radamès a la cabeza. Aida reconoce entre ellos a su padre Amonasro.

Giuseppe Verdi - Marcia trionfale - Aida

NOS VAMOS DE MARCHA - El mariscal Radetzky -Año I. Nº 28

 

Georg Decker - Graf Radetzky - ca. 1850  (Museo de historia militar, Viena)

Pintura

Este retrato, debido a Decker, representa a Johann Joseph Wenzel Graf Radetzky von Radetz, mariscal de campo austríaco y un reformador militar cuyo largo historial de campañas victoriosas lo convirtió en un héroe nacional. Fue uno de los comandantes aliados de mayor talento y eficacia en las Guerras Napoleónicas. Tuvo el honor, poco común entre los generales austríacos, de ser idolatrado por sus tropas, por quienes fue conocido cariñosamente como Vater ("Padre") Radetzky. Johann Strauss padre escribió la popular Radetzky March en su honor, pero fue criticado por ello por los círculos liberales.

Música

La Marcha Radetzky, composición orquestal de Johann Strauss (padre), fue escrita en el año 1848 en honor al conde Johann Joseph Wenzel Graf Radetzky von Radetz (1766 - 1858) Este militar de origen checo desempeñó un papel destacado en la ofensiva final de los aliados europeos contra Napoleón, diseñando la estrategia con la que vencieron en la batalla de Leipzig (1813) Terminada la guerra, el Congreso de Viena asignó a Austria los territorios italianos en torno a Venecia y Milán, así como un derecho de control general sobre Italia (1815) Radetzky fue puesto al mando de las tropas austriacas en Italia, con el encargo de mantener el orden establecido en la península (1831) En 1836 fue nombrado mariscal. Las revoluciones nacionalistas y liberales de 1848, que tenían como enemigo principal al ocupante austriaco, le obligaron a retirarse con sus tropas. Sin embargo, no tardó en recuperar la iniciativa, venciendo a Carlos Alberto I de Cerdeña en las batallas de Custozza (1848) y Novara (1849) Restablecido así el dominio sobre Lombardía (Milán) y el Véneto, y anulado militarmente el único Estado italiano capaz de hacerle frente, Radetzky recorrió Parma, Módena, Bolonia y Florencia afianzando en toda Italia el orden del Congreso de Viena. La marcha alcanzó gran popularidad como expresión del nacionalismo austriaco. Pero cuando Radetzky tomó parte en la represión del movimiento revolucionario en Austria, llegó a ser considerada como un símbolo reaccionario.

El Concierto de Año Nuevo en Viena surgió como demostración de rechazo y resistencia de los austriacos frente a la ocupación del nazismo alemán durante la Segunda Guerra Mundial. El concierto se celebró por primera vez el 1 de enero de 1941, estando en el poder Adolf Hitler, dirigido por Clemens Krauss. La marcha Radetzky fue recuperada como expresión del nacionalismo austriaco y desde entonces se interpreta como pieza que cierra cada año el tradicional concierto, con la audiencia aplaudiendo al compás de su irresistible melodía.

Johann Strauss I - Radetzky Marsch

ASÍ CANTA Y BAILA EL DIABLO - Robert le Diable -Año I. Nº 27

Gustave Courbet - Louis Guymard en el papel de Robert le Diable - 1857  (The MET, Nueva York)

 

Pintura

Esta pintura de Courbet, mostrada en el Salón de 1857, representa al tenor Louis Gueymard en su papel más famoso, el protagonista de la ópera “Robert le Diable” de Meyerbeer . El escenario es la caverna donde Robert juega a los dados con dos sirvientes del diablo, mientras su padre Bertram, un genio malvado, observa. En esta escena, Robert canta sobre los peligros de la lujuria por el oro en la célebre aria “L'or est une chimère” (“El oro no es más que una ilusión”)

Música

Robert le Diable, la primera gran ópera de Meyerbeer que además le dio fama internacional, se estrenó el 21 de noviembre de 1831 en la Ópera de París. La ópera se inspira en la leyenda medieval de Roberto el Diablo, muchas de cuyas versiones apuntan a que el Duque Roberto el Magnífico de Normandía (padre de Guillermo el Conquistador) era el mismísimo demonio.

ACTO III, Escena II – Las tumbas del convento de Saint Rosalie
A Bertram le ha sido encomendado por el Diablo que obtenga el alma de su amigo Robert antes de finalizar el día. Robert, desesperado por la pérdida de Isabelle, está dispuesto a aceptar la magia que le ofrece su amigo. Bertram le asegura que en un cercano convento se encuentra una rama mágica, que crece en un ciprés. Si robara la rama, podría hacerse invisible. Robert acepta y es conducido a las ruinas del convento. Una vez allí, Bertram conjura las almas en pena de las monjas que allí yacen ("Nonnes qui repose") ordenándolas que presten ayuda a Robert. Al principio se levantan lentamente de sus tumbas, pero pronto se desatan en un frenesí, desprendiéndose de sus hábitos y bailando una bacanal. Bajo los hechizos de las monjas, guiado por su priora, Robert roba la rama mágica del ciprés y desaparece. Las monjas vuelven a sus tumbas…

(Al final de la historia Bertram acaba en el infierno)

Giacomo Meyerbeer - Nonnes qui reposez - Robert le Diable

ASÍ CANTA Y BAILA EL DIABLO - El grito infernal de Mefistófeles -Año I. Nº 26

Eugene Delacroix - Mefistófeles -1828  (The MET, Nueva York)

 

Pintura

Esta es la primera de una serie de diecisiete ilustraciones preparadas por Delacroix para una traducción al francés de Albert Stapfer de la primera parte del Fausto de Goethe, publicada en París en 1828. En esta escena del Prólogo en el cielo, Mefistófeles, volando sobre el horizonte nocturno de la ciudad, comenta su reciente entrevista con el Señor: "Me gusta ver al Viejo de vez en cuando, / y me cuido mucho de seguir hablando".

Música

Mephistos Höllenrufe es el evocativo título que Johann Strauss dio al vals compuesto en el otoño de 1851 para un “Gran Festival Promenade con Fuegos artificiales y Música” en el Volksgarten vienés, que tuvo lugar el 12 de octubre bajo el título “Viaje al estanque de fuego” (el título es un extracto del libro del Apocalipsis (20:10): “El diablo [Mefistófeles en la mitología medieval], que los extraviaba, será arrojado en el estanque de fuego y azufre, donde están también la bestia y el falso profeta, y serán atormentados día y noche por los siglos de los siglos”)
Promenade: concierto sinfónico tradicional durante el cual parte del público está de pie.

La principal atracción del evento fue una extensa iluminación escénica, que más o menos se correspondía con el título del festival, y una brillante presentación pirotécnica a la conclusión del mismo. Fue un festival a gran escala al viejo estilo vienés, del tipo que Johan Strauss padre desarrolló con tanto éxito, y resultó ser más un eco nostálgico del periodo Biedermeier que un acto propio de la época que siguió al periodo revolucionario de marzo de 1848. Cuentan las crónicas que en aquel domingo disfrutaron de un hermoso tiempo otoñal, y gran cantidad de vieneses aprovecharon para salir de la ciudad a los alrededores. Apenas había sitios disponibles en los cafés y tabernas, y las multitudes acudieron a lugares como Schönbrunn, el Casino Dommayer, el Wasserglacis y el Prater. En la ciudad de Viena, más de tres mil personas se acercaron al Volksgarten para asistir al Gran Festival, que comenzó a las cuatro de la tarde. Esta excelente composición, sin embargo, escapó a la atención de los críticos. El periodista del Wiener Allgemeine Theaterzeitung (14.10.1851) simplemente comentó que la obra “recibió tal favorable recepción, debido a sus efectivas y originales melodías y su brillante instrumentación, que tuvo que repetirse tres veces”.

Johan Strauss - Mephistos Höllenrufe - Vals, Op. 101

ASÍ CANTA Y BAILA EL DIABLO – Fausto -Año I. Nº 25

Rembrandt - Fausto - 1650-54  (Rijksmuseum, Amsterdam)

 

Pintura

El título de Fausto que se aplica a este grabado de Rembrandt viene motivado por el empleo de esta estampa por parte de Goethe para la portada de la edición de 1790 de su "Fausto". También se denomina Sabio en su estudio, desconociéndose el exacto significado del asunto al no haberse podido descifrar el anagrama que aparece ante la ventana, del que parte una mano que señala a una elipse. Algunos especialistas piensan que se trata de un retrato de Faustus Socinus, fundador de la secta de los socinianos, mientras que otros consideran que es una referencia a las ceremonias cabalísticas que practicaban los judíos de Amsterdam, a los que Rembrandt conocía perfectamente debido a la cercanía de su casa a la sinagoga. A pesar de desconocer la temática, nos encontramos ante una de las estampas más atractivas del maestro en la que se demuestra su facilidad para narrar historias, eligiendo el momento culminante.

Música

Charles Gounod estrenó su ópera Faust, con libreto de J. Barbier y M. Carré, inspirado en la obra del poeta alemán W. Goethe, en el Théâtre Lyrique de Paris el 19 de Marzo de 1859. Fausto, hombre de ciencia desengañado y cansado de la vida, va a suicidarse. Se le presenta el diablo, Mefistófeles, humorista y elegante, que le enseña el retrato de una hermosa mujer y promete rejuvenecerlo y entregársela si se compromete a entregar a Satanás su alma. La proposición es aceptada, y en el acto Fausto se transforma en un apuesto joven.

ACTO II – A las puertas de la ciudad
Mefistófeles aparece en una feria en donde, entre estudiantes, muchachas, soldados y otras gentes, invita a la concurrencia a vino, y canta una conmovedora e irreverente canción sobre el Becerro de Oro (Le veau d'or) Además realiza proezas mágicas, hasta tal punto, que todos se dan cuenta de que es el diablo y lo ahuyentan con la cruz de las espadas.

Charles Gounod - Le veau d'or - Faust

ASÍ CANTA Y BAILA EL DIABLO – The beauty stone -Año I. Nº 24

Leonardo da Vinci - La Gioconda - 1506  (Louvre, París)

 

Pintura

El nombre de este retrato de Leonardo da Vinci, La Gioconda (la alegre), deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa. El artista buscó el efecto de que la sonrisa desapareciera al mirarla directamente y reapareciera sólo cuando la vista se fija en otras partes del cuadro. El juego de sombras refuerza la sensación de desconcierto que produce la sonrisa. No se sabe si de veras sonríe o si muestra un gesto lleno de amargura. Sigmund Freud interpretó la sonrisa de la Gioconda como el recuerdo latente que había en Leonardo de la sonrisa de su madre.

Música

The Beauty Stone, compuesta por A. Sullivan y estrenada el 28 de mayo de 1898 en Londres, en el Teatro Savoy, es un “drama musical romántico” que sitúa su acción en el siglo XV, en la imaginaria ciudad de Mirlemont, en alguna parte de Flandes. Aunque no fue muy apreciada en el momento del estreno, tan sólo llegó a alcanzar las 50 representaciones, contiene momentos especialmente admirables como "Since It Dwelt In That Rock", la descripción que hace el diablo de los poderes mágicos de la piedra de la belleza.

ACTO I, Escena I – La casa de Simon Limal
Se anuncia un concurso de belleza que convoca a las más bellas muchachas de los alrededores. Laina, la protagonista, reza a la Virgen María: desea la belleza, para poder experimentar el amor; o, en su defecto, la muerte. Aparece el Diablo, aunque le confunde con un monje. Éste le ofrece, en respuesta a sus plegarias, una piedra mágica que confiere, al que la porta, la belleza perfecta. La muchacha duda. Llega Simon, el padre de Laina. El Diablo le explica los poderes mágicos de la piedra:

I gave it away to a love-lorn maid
Who wept, for her heart was free;
And lo, when this stone in her breast was laid,
She grew passing fair to see!
And a knight rode by, and he knelt and prayed,
"For thy beauty life were freely paid -
Now what wilt thou give to me?"
"Sir Knight, I have naught!" laughed she,
"Sir Knight, I have naught for thee!" (…)

Simon la acepta para entregársela a su hija, quien corre a su habitación para ponérsela.

Arthur Sullivan - Since it dwelt in that rock - THE BEAUTY STONE

SOBRE EL AMOR Y DESAMOR - Pasión -Año I. Nº 23

Gustav Klimt - El beso 1907-08  (Galería Belvedere, Viena)

 

Pintura

Este cuadro de Klimt está decorado con formas biomórficas circulares que se repiten en el vestido de la mujer, y están llenas de flores. Por contraste, la túnica del hombre está adornada con rotundas formas rectangulares. Ambos dibujos derivan del simbolismo personal del artista. Puede observarse el estilo proto expresionista en los dedos de los pies, espantosamente doblados y la mano retorcida de la mujer, así como en la coloración de su carne, que sugiere putrefacción.

Música

Die Fledermaus (El murciélago) es una opereta cómica con música de Johann Strauss (hijo) sobre un libreto en alemán de Carl Haffner y Richard Genée. Se estrenó el 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien en Viena, Austria.

ACTO I.
Al final del primer acto Frank, el alcaide de la prisión, acude a casa de Gabriel von Eisenstein para hacerle cumplir una semana de arresto por deudas. Encuentra a la mujer de Gabriel con un hombre que no corresponde con la descripción. Rosalinda le hace notar a Frank que con su duda la ofende: en vestimentas tan íntimas y a tan altas horas de la noche, sólo con su esposo podría estar. (Mein Herr, was dächten Sie von mir saß ich mit einem Fremden hier? - Señor mío, ¿qué pensaríais de mí, si yo estuviese con un extraño aquí?) Frank se disculpa y les pide que se den el beso de despedida. El amante va a disimular para salvar el honor de la dama. Pero si debe reemplazar a su marido, también puede besarla en su lugar…

Johann Strauss II - Nº5. Cuplé. Mein Herr, was dächten Sie von mir - Die Fledermaus

EL RUISEÑOR – El ruiseñor -Año I. Nº 22

Konstantin Yuon - Mañana de mayo en un lugar con ruiseñores - 1915  (Galería Tretyakov, Moscú)

Yuon amaba la alegría y la belleza en la naturaleza y la vida. Él describió fácilmente el sol, la nieve, los trajes folclóricos brillantes y los monumentos de la antigua arquitectura rusa. Entre sus últimos trabajos destacan los realizados en el pueblo de Ligachevo cerca de Moscú, a donde pertenece esta imagen y donde el artista tenía una casa y trabajó desde 1908 hasta 1958; y los realizados a partir de los recuerdos de la juventud y que están asociados con el lado poético de la vida y la vida del antiguo Moscú, donde se crio al artista.

Francisquita, la protagonista de la zarzuela Doña Francisquita, comedia lírica en tres actos de Amadeo Vives, estrenada el 17 de octubre de 1923 en el Teatro Apolo de Madrid, utiliza esta metáfora para hacer comprender, a quien ella desea que sea su pretendiente, que está avivando sus celos para que le corresponda.

Era una rosa que en un jardín                Y, aunque creo yo,
languidecía de casto amor                      que con su pico miente,
por un ruiseñor,                                       jamás cantó,
mientras un zángano zumbador,            un trino y un gorjeo tan valiente.
a enamorarla desde el panal                  El pobre zángano, más infeliz,
todas las tardes venía al rosal                aunque más viejo que aquella flor,
Y, al ver la rosa que el ruiseñor              llamó al ruiseñor,
amor sentía por otra flor,                        para quejarse de su actitud
al zángano infeliz, cuando venía,           y amenazarle con su aguijón,
la rosa le decía:                                      si no sabía callar su pasión.
ese ruiseñor,                                          Desde el día aquel, supo el ruiseñor
soberbio y cantarín,                               de la rosa ser tierno trovador,
cuando tú no estás                                y, enfrente del rosal, desde aquel día,
señor, en el jardín                                  el pájaro decía:
viene a mi rosal                                     y en esta rama este ruiseñor,
me dice que me ama.                            prendado está de ti.

Amadeo Vives - No. 6 Canción del ruiseñor - Doña Francisquita

EL RUISEÑOR – Rossignol de mes amours -Año I. Nº 21

Philipp Otto Runge - La lección del ruiseñor - 1804-05  (Kunsthalle, Hamburgo)

La composición se compone de dos partes: una pintura interior y un marco de arabescos, diseñado como un relieve ficticio, que se desarrolla simétricamente alrededor del óvalo. La pintura se puede entender como una alegoría del amor. Runge representó la figura de Psyche, ubicada en el centro de la escena, con el rostro de su futura esposa Pauline y, por lo tanto, el nivel mitológico figura entrelazado con su realidad privado del amor. El tema del amor se eleva a un nivel universal a través del marco arabesco vegetal. Un genio de lirios y rosales emerge culminando en Cupido que toca la lira, evocando el contraste entre el amor celestial y terrenal.

Luis Mariano, nacido en Irún, quien fue muy famoso como tenor y cantante de operetas y películas musicales durante los años cincuenta y sesenta, especialmente en Francia, hizo muy popular la obra de Francis López, Le chanteur de México (El cantor de México) de 1951.

A esta obra pertenece el aria "Rossignol de mes amours" que interpreta el protagonista Vincent, cantante y bailarín en San Juan de la Luz (Francia), que acaba siendo una estrella en México.

Francis Lorenzo - Rossignol de mes amours - El cantor de México

EL RUISEÑOR – Le Rossignol -Año I. Nº 20

Raffaello Sanzio - Madonna del cardellino -1509  (Galería de los Uffizi, Florencia)

 

Pintura

En esta pintura, como en la mayor parte de las Vírgenes de su periodo florentino, Rafael colocó las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús —a la derecha— y san Juan) dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular. La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro. La influencia de Leonardo se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la estructura piramidal y el claroscuro. También se nota en la oscuridad del terreno y en el tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del horizonte. Los rostros del Bautista y de Cristo tienen una impronta inconfundible de Leonardo en el esfumado que les rodea y en los rasgos somáticos.

Música

El compositor y director de orquesta francés André Messager incluyó el aria 'Le rossignol' en su ópera romántica Monsieur Beaucaire estrenada en el teatro Prince of Wales de Londres, el 7 de abril de 1919.

Acto II
En una "Fiesta pastoral" en la casa del Sr. Bantison en las afueras de Bath, Lady Mary todavía está enamorada de Beaucaire, aunque tiene muchos pretendientes. Lucy logra finalmente que Molyneux esté solo y que le prometa estar con ella por la noche, pero Beaucaire lo llama. Lucy lo acusa de andar con otra mujer, pero él lo niega.

André Messager- Le Rossignol - Monsieur Beaucaire

SOBRE EL AMOR Y DESAMOR - Locura -Año I. Nº 19

Desconocido - Mississippi

En el año 1811 se inició la navegación a vapor por el río Misisipi. Si bien los primeros barcos no fueron del todo exitosos, con el tiempo sus diseños se mejoraron hasta conseguir un buque diferente a todo lo conocido. Los vapores del Misisipi, permitían la navegación segura y eficiente, transportando carga y pasaje en una época en que las comunicaciones fluviales eran vitales para el desarrollo de la nación. Prestaron servicios por más de 100 años hasta que nuevas formas de transporte los sustituyeron. Hoy solo unas pocas réplicas de estos barcos navegan con fines turísticos, pero sobreviven sus historias convertidas en leyenda. La silueta de los vapores del Misisipi, con sus altas chimeneas, arqueadas cubiertas y ruedas de paletas son un icono de la conquista del oeste de los EEUU.

Jerome Kern tuvo el doble mérito de haber escrito la más grande opereta americana, Show Boat (1927), así como ser considerado el "padre del musical americano". Fue el primero en integrar texto con canciones logrando un conformar una suerte de opereta americana de fuerte contenido racial y critica social.

Narra la historia del barco showboat (teatro flotante), llamado Cottom Blossom, en sus travesías por el Mississippi a través de 47 años. La mulata Julie, quien interpreta la parte más amarga de la historia, canta dos canciones, quizás las que menos pueden encasillarse en este género: Can’t Help Lovin’ Dat Man y Bill. La primera se interpreta como un número lento de blues.

Jerome Kern - Can’t Help Lovin’ Dat Man - Show boat

MITOLOGÍA - Iphigénie en Táuride -Año I. Nº 18

Benjamin West - Orestes y Pílades frente a Ifigenia - 1766  (Tate Gallery, Londres)

West toma el tema del cuadro del tercer acto de una obra del autor clásico Eurípides titulada “Ifigenia en Táuride”. En el pasaje representado por West, Ifigenia, una sacerdotisa de Diana, se encuentra en un juicio, ante las figuras semi-desnudas de su hermano Orestes (con el paño rojo) y su primo y compañero Pílades, que son llevados ante ella, atados, por el pastor (en el centro) que había informado previamente de su captura. Delante de Ifigenia, y separándola de los dos hombres, se encuentra un pequeño altar sobre el que los dos hombres han de ser sacrificados por su acto sacrílego. Al fondo, a la entrada del templo, se encuentra la estatua de oro de Diana que Orestes, por mandato del oráculo de Delfos, debía llevar a Atenas en reparación por el asesinato de su madre Clitemnestra, y que estaba tratando de conseguir cuando fue arrestado.

Durante el siglo XVIII fueron varios los compositores que escribieron óperas con el título de Iphigénie en Táuride y entre todas ellas cabe destacar la compuesta por Christoph Willibald Gluck con libreto de Nicolas-François Guillard, estrenada en París, el 18 de mayo de 1779. Las arias "O toi qui prolongeas mes jours" y "O malhereuse Iphigenie" (“¡Ay desdichada Ifigenia!”, acto II, escena VI) son las más conocidas e integran a menudo el repertorio de sopranos y mezzosopranos.

Años atrás, el padre de Ifigenia, Agamenón, decide sacrificar a su hija cumpliendo la condición impuesta por el oráculo para seguir viaje de su armada hacia Troya. La doncella ha sido salvada en el último momento por la diosa Artemisa y transportada a Táuride donde es máxima sacerdotisa del Templo de Diana (o Artemisa). Gobernada por el rey Toante, el oráculo determina que los primeros extranjeros que pisen la isla sean sacrificados para aplacar a los dioses del Olimpo. Náufragos de una tormenta, el infeliz Orestes perseguido por las Furias por haber matado a su adúltera madre Clitemnestra- y su amigo Pílades son capturados y llevados para su ejecución ante la sacerdotisa Ifigenia, quien no reconoce a su hermano. Ifigenia pregunta por el destino de su familia a Orestes quien le cuenta que sólo su hermana Electra permanece viva luego de que Orestes asesinara a su madre y se diera muerte. La sacerdotisa decide liberar a uno de los dos para que lleve noticias a Argos sobre su destino en Táuride. Ifigenia libera a Orestes pero éste cede el puesto a Pílades. Cuando Ifigenia se dispone a sacrificar a Orestes, éste menciona su nombre y ella lo reconoce. La feliz reunión se ve interrumpida por el rey Toante quien furioso ordena el sacrificio de los dos hermanos. El fatal desenlace es impedido por el regreso de Pílades con un grupo de soldados y la intervención mágica de Artemisa que perdona a Orestes, enviándolo como rey a Micenas y retorna a Ifigenia a su comarca.

Christoph Willibald Gluck - O malhereuse Iphigenie - Ifigenia en Táuride

MITOLOGÍA - El camino es siempre marcha hacia adelante -Año I. Nº 17

Nicolas Poussin - Orfeo y Euridice 1649-51  (Louvre, París)

La obra evoca a partir de Ovidio el tema de Orfeo, el hijo de la Musa Calíope, que representa el canto y la música. Estaba casado con Eurídice, hija de Apolo, que murió a consecuencia de la mordedura de una serpiente en el talón. Orfeo bajó a los Infiernos con su lira, y con su canto conmovió a los dioses, aunque no logró recuperar a su esposa. Poussin puso, con todo, su énfasis en el orden y armonía de la Naturaleza representada, más que en la narración, o en los efectos atmosféricos, como hacía Claudio de Lorena. Así, el paisaje, aunque tomado del natural - podemos reconocer, por ejemplo, el Castillo de Sant'Angelo o el puente Milvio de Roma - aparece como una construcción arquitectónica, con planos muy definidos y en un espacio delimitado.

Orphée aux Enfers (Orfeo en los Infiernos) es una ópera cómica escrita por el compositor Jacques Offenbach. Fue estrenada en el Théâtre des Bouffes de París el 21 de octubre de 1858.

La obra hace referencia al mito del poeta y músico Orfeo y su esposa, Eurídice, el mito amoroso más antiguo de la Grecia clásica. La obra supuso una verdadera revolución en su época por atreverse a cometer la trasgresión, por primera vez en la historia de la música, de abordar de forma cómica un argumento mitológico, hasta entonces exclusivamente reservado a la música culta (en la ópera) En el último acto puede escucharse el Galop infernal, celebérrimo can-can profusamente utilizado hasta nuestros días.

Jacques Offenbach - Galop Infernal - Orfeo en los Infiernos

SOBRE EL AMOR Y DESAMOR - Desilusión -Año I. Nº 16

Paul Cézanne - Las grandes bañistas - 1895  (National Gallery, Londres)

 

Pintura

En sus últimos años Cézanne repitió el tema de las Bañistas que había realizado 30 años antes. Las mujeres se muestran desnudas ante un fondo de paisaje en el que no hay nada definido y en el que abundan las tonalidades malvas. Estas figuras son macizas, casi escultóricas, en parte debido al empleo de una línea oscura que delimita sus contornos. Sin embargo, los rostros han desaparecido, siendo sustituidos por máscaras, como también haría Picasso. El color es aplicado con violencia, mediante largas pinceladas en las que emplea espátula. Las tonalidades claras y alegres de sus primeros años dan paso a tonos oscuros. Su proceso de recuperación de la forma a través del color ha concluido; el Impresionismo ya es algo sólido y duradero, como el arte de los museos.

Música

South Pacific es un musical estrenado en 1949 con música de Richard Rodgers, letras de Oscar Hammerstein II y libreto de Hammerstein y Joshua Logan. La historia se basa en la novela "Tales of the South Pacific" del ganador del premio Pulitzer James A. Michener.

I'm Gonna Wash That Man Right Outta My Hair es cantada por Nellie Forbush, la protagonista femenina. El personaje, harta de un hombre (Emil De Becque), canta en la ducha, prometiéndose que “se lo va a sacar de la cabeza” y va a olvidar todo acerca de él. Sus amigas le apoyan en los coros.

Richard Rodgers - I'm gonna wash that man right outa my hair - South Pacific