NAVIDAD - Magno Misterio -Año XII. Nº 698

Raffaello Sanzio - Madonna Sixtina - 1513-14  (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde)

 

Pintura

La cortina abierta proporciona una visión clara de la aparición de los santos en las nubes. María lleva al niño Jesús de los confines del cielo a la tierra. En sus rasgos faciales graves se refleja el conocimiento de la venida de la pasión de Cristo. Aparecen arrodillados humildemente San Sixto y a la derecha Santa Bárbara. Como culminación del proceso Raffaello inserta dos ángeles detrás de la balaustrada en la parte inferior del cuadro.

Música

El motete O magnum mysterium, escrito por Tomás Luis de Victoria, fue publicado en 1572. Aunque originalmente llevó por título In Circuncisione Domini, el texto está tomado de un responsorio de maitines de Navidad y se ha utilizado siempre como motete de Navidad. Esta obra se convirtió en la base de una misa (también para coro de cuatro partes), publicada por Victoria veinte años más tarde, en 1592.

Una de las creaciones más entrañables del autor, se desarrolla con serenidad y calor cuando expresa la maravilla que incluso los animales percibieron al contemplar al Niño en el pesebre. Luego con un silencio maravilloso Victoria acaricia musicalmente 'O beata Virgo’. Los últimos 'Alleluia' bailan en tres tiempos para, a continuación, con un cúmulo de notas fulgurantes, llegar con grandilocuencia a su fin.

Tomás Luis de Victoria - O magnum mysterium

MÚSICA DE TABERNA – Orígenes del vals -Año XII. Nº 697

Anónimo - Bailando el vals en la vieja Viena - s. XIX

 

Pintura

En esta ilustración se representa una robusta danza campesina, en una típica taberna con acompañamiento de una pequeña agrupación musical, al estilo ländler: movimiento lento y brazos levantados. El ländler es una danza folclórica en compás de 3/4 que fue muy popular en Austria, el sur de Alemania y la Suiza alemana. Se cree que es precursora del vals: elegante baile musical a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) por el siglo XII y del sur de Alemania. El vals conquistó su rango de nobleza en Viena durante los años 1760, expandiéndose rápidamente a otros países. Se caracteriza por los giros que realizan las parejas mientras se trasladan: el término, de hecho, deriva del concepto alemán walzen, que se traduce como “girar, rodar”.

Música

El vals Die Tanzlustigen fue compuesto por Alois Strohmayer en 1844 para un conjunto formado por dos violines y contrabajo, con un intrumento de viento (clarinete en Mi o flauta). Los Alsergründler-Walzer, fechados el 26 de enero de 1886, están dedicados por Alois Strohmayer a los habitantes del noveno distrito de Viena.

Un primitivo vals vienés, como “Die Tanzlustigen”, consta de varias secciones de muy diferentes características. A diferencia de estos primeros valses, los más tardíos, como “Alsergründler-Walzer”, presentan más el carácter del Ländler, algo genuinamente vienés.

Alois Strohmayer - Die Tanzlustigen


Alois Strohmayer - Alsergründler-Walzer

MÚSICA DE TABERNA – Espíritu vienés -Año XII. Nº 696

Rudolf von Alt - Vista de la Catedral de Viena  (Belvedere, Viena)

 

Pintura

Von Alt escogió a menudo edificios cotidianos como modelos para sus pinturas arquitectónicas. Esta vista casi fotográfica de la Catedral de San Esteban, en Viena, está representada a nivel del suelo desde la Eisenplatz. En el exterior del edificio se pueden observar el tejado, una de las dos torres campanario —la Sur— y los pórticos de entrada al templo: el de los Cantores, el de la Torre sur y el Gigante. Se trata de un momento festivo como puede deducirse de la procesión bajo palio y la vestimenta de fiesta de los transeúntes.

Música

Johann Mayer proviene de una antigua familia de músicos vieneses y disfrutó de gran popularidad en los años 1840 como compositor y violinista. La sección trémolo de su Schnofler-Tanz ilustra una de las peculiaridades de las muchas sombras del dialecto vienés: “schnofeln” significa hablar a través de la nariz… La Veilchen-Polka fue compuesta por Alois Strohmayer en 1864 y muestra inusualmente más el espíritu vienés de Schubert que el espíritu de Bohemia.

Un típico conjunto vienés estaba compuesto por dos violines, una guitarra bajo y un instrumento de viento, flauta o clarinete, herencia de los músicos itinerantes, los conocidos como Violinistas de Linz. No obstante, lo que verdaderamente catapultó la música popular a la atención de la alta sociedad fue la aplicación de elevados niveles técnicos tanto en la ejecución como en la composición.

Johann Mayer - Schnofler-Tanz


Alois Strohmayer - Veilchen-Polka

MÚSICA DE TABERNA – Poesía musical vienesa -Año XII. Nº 695

Max Oppenheimer - Poster del Cuarteto - 1915  (Museo de Arte Moderno, Nueva York)

 

Pintura

En 1912, Oppenheimer comenzó a utilizar el grabado, que se convirtió en su medio de impresión preferido; Lo utilizó para retratos finamente detallados y escenas musicales como este póster, en colores beiges, preparado para anunciar un evento en el Kunstsalon de “Wolesberg”, localidad austriaca.

Música

La Nussdorfer-Marsch de Josef Schrammel hace uso de la bien conocida canción Nussdorfer de Carl Lorens y es una de las piezas más populares del repertorio del conjunto Schrammel. La obra de su hermano Johann, In Arte Voluptas, está dedicada al club social Schlaraffia y usa en su sección trio (sección central) la canción Schlaraffia “Ehe” de Rudolf Wach y Ritter Bliemchen.

Johann Strauss II describía el trabajo de los hermanos Schrammel como característico de la peculiar poesía de la música popular vienesa, mientras que Hans Richter, en la cúspide de su fama como director de la Orquesta Filarmónica de Viena, no podía recomendar a sus músicos nada mejor que los Schrammel, a cuyos conciertos también acudía Brahms con entusiasmo.

Josef Schrammel - Nussdorfer Marsch


Johann Schrammel - In arte voluptas

MÚSICA DE TABERNA – Violinistas de Linz -Año XII. Nº 694

 

Lucas van Valckenborch - Vistas de Linz - ca. 1590  (Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt)

Pintura

Hacia 1582 Valckenborch siguió a su hermano hasta Linz, localidad austriaca, y ambos se asentaron definitivamente en Frankfurt, hacia 1592-1593. Aquí se muestra una excelente vista panorámica de la ciudad en la que aparece el propio artista retratado en primer plano, tomando apuntes en su cuaderno. En esta obra sigue los convencionalismos tradicionales de punto de vista alto y escenas marcadamente panorámicas. Sin embargo, se da en él una observación directa de la naturaleza, que confiere gran realismo a sus pinturas. A pesar de esto, a menudo mezcla la representación topográfica con vistas imaginadas.

Música

Las danzas anónimas Das picksüsse Hölzl están dedicadas al instrumento más querido por la música popular, el clarinete en Sol, conocido popularmente como “picksüsses Hölzl”. El instrumento también encontró su lugar en la orquesta de Johann Strauss padre. Linzer-Tanz, Tanz 1845 y Tanz son otros tres ejemplos de danzas populares anónimas.

Los Violinistas de Linz, que viajaban por el Danubio, nos han dado las indicaciones para la combinación instrumental: dos violines y un contrabajo. La Tanz 1845 es una de las más bellas de estas viejas melodías vienesas.

Anónimo - Das picksüsse Hölzl


Anónimo - Linzer-Tanz, Tanz 1845, Tanz

UNA NOCHE EN LA ÓPERA – Dulce hija del amor -Año XII. Nº 693

Diego Velázquez - El bufón llamado 'don Juan de Austria' - c. 1632  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Velázquez nos presenta a un bufón vestido como el héroe que le dio nombre, y extrema el contraste entre su expresión atemorizada y huidiza y el entorno bélico del que se rodea: su traje militar, el bastón de mando o las armas, pertrechos y armaduras que se esparcen por el suelo. Al fondo, se presenta de manera prodigiosa una batalla naval que es alusión inequívoca a Lepanto, y que por su valentía y soltura revela lo mucho que aprendió el maestro español de la pintura de Tiziano. Igual que cuando representó a Marte como un guerrero cansado y melancólico, en esta obra, a través de la paradoja, está proponiendo al espectador un juego sutil e inteligente sobre los límites entre la realidad y la ficción, entre la identidad individual y la identidad histórica o social.

Música

Como la obra teatral “Le Roi s'amuse”, de Víctor Hugo, la fuente original del libreto de Piave, Rigoletto fue implacablemente atacado por la censura que, sin embargo, no hizo nada por impedir el éxito tanto del estreno, el 11 de marzo de 1851 en el teatro La Fenice de Venecia, como de las incontables representaciones de ésta ópera de Verdi que le siguieron.

A orillas de un río, se ve parte de la casa de Sparafucile. Es de noche. Rigoletto ha encargado a Sparafucile asesinar al duque, pero antes debe desengañar a su hija Gilda mostrando su comportamiento licencioso. Rigoletto y Gilda, que aún ama al duque, llegan al exterior. Se puede oír la voz del duque cantando la famosa aria “La donna è mobile”, hablando de la infidelidad y la naturaleza voluble de las mujeres. Rigoletto hace que Gilda se dé cuenta de que es el duque quien está en casa del asesino y que intenta seducir a la hermana de Sparafucile, Maddalena (Bella figlia dell'amore - "Dulce hija del amor")

Giuseppe Verdi - Un di, se ben rammentomi - Rigoletto

UNA NOCHE EN LA ÓPERA – El pajarero -Año XII. Nº 692

Abraham Govaerts - Dos pajareros conversan mientras descansan - c. 1620  (Niedersächsisches Landesmuseum, Hannover)

 

Pintura

Toda observación de la naturaleza es un idilio que no sólo es concebido y soñado por el pintor paisajista activo en la Roma del siglo XVII, sino también diseñado de acuerdo a leyes específicas: los árboles grandes en primer plano, que refuerzan la impresión de profundidad, las nubes veladas en el brillante cielo azul, el verde exuberante de los prados y bosques, las figuras mitológicas o pastoriles - todo esto pertenece al vocabulario estándar con el que los italianizantes, con innumerables variaciones, compusieron sus paisajes de la Arcadia. Es el caso de Govaerts cuando representa a dos pajareros conversando mientras descansan.

Música

Die Zauberflöte (La flauta mágica) es un singspiel en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Emanuel Schikaneder, estrenada en el Theater an der Wien de Viena, el 30 de septiembre de 1791.

ACTO II - Cuadro VI: Jardín pequeño
Papageno está solo y perdido en la sala donde se realizan las pruebas. No encuentra la salida, siempre le dicen Atrás! (Zurück!). Al acercarse a un sacerdote, éste le reprocha que su comportamiento merece un castigo, pero los dioses, benignos, lo perdonan. A cambio nunca sentirá las alegrías de los iniciados. Papageno se conforma con un vaso de vino, que le es concedido, y con una muchacha ("Ein Maedchen oder Weibchen wuenscht Papageno sich!") que le haga caso y le quiera. Cantando, encuentra a su mujer, pero es la misma anciana que le pide su eternidad. Él accede con desgana porque, si no, vivirá encarcelado sin una amiga y sin vivir en el mundo que tanto le gusta. En ese momento, ella se convierte en una hermosa joven, Papagena, pero la pierde porque se acerca un sacerdote; aún no es digno de ella, le dice. Papageno se hunde en la tierra porque no quiere hacer caso al sacerdote.

Wolfgang Amadeus Mozart - Ein Mädchen oder Weibchen - Die Zauberflöte

MARGARITA – Locura de amor -Año XII. Nº 691

Pierre Puvis de Chavannes - Mujer junto al mar - 1857  (Hermitage, San Petersburgo)

 

Pintura

A pesar del creciente gusto por el realismo imperante en su época, Puvis se inclinó más hacia los temas alegóricos, simbolistas y de tonos suaves, como en este caso en el que representa una mujer caminando descalza sobre la arena al borde del mar, en un aparente estado de locura.

Música

La “nueva y original ópera sobrenatural” en dos actos de Gilbert y Sullivan titulada Ruddigore or The Witch’s Curse (Ruddigore, o la maldición de la bruja) se estrenó en el teatro Savoy de Londres en 1887.

Aparece la loca Margaret, vestida como una salvaje y pintoresca ruina, a los acordes de una flauta al estilo Lucia di Lammermoor (“Cheerily carols the lakr” – “Alegre canta las alondra”). Exhibe su locura, al principio extravagante para terminar siendo patética, mientras expresa que está perdidamente enamorada (“To a garden full of poises” – “A un jardín lleno de margaritas”).

Arthur Sullivan - Cheerily carols the lakr - Ruddigore


Arthur Sullivan - To a garden full of poises - Ruddigore

UNA NOCHE EN LA ÓPERA – La bohemia -Año XII. Nº 690

Thomas Faed - Agotado - 1868  (Colección privada)

 

Pintura

Un pobre carpintero duerme junto a la cabecera la cama de su hijo dormido. Faed describió la pintura como "la representación de un trabajador que ha estado velando a su niño en una noche inquieta. El niño se ha dormido aferrándose a la manga de la camisa de su padre: la luz del día los encuentra a ambos reposando — agotados" El tazón de comida en el suelo, la alfombra bloqueando cualquier tiro debajo de la puerta, la capa proporcionando calor adicional, el libro del niño y el violín describen la escena doméstica de un trabajador que cuida más que abusa de su familia. Además, el amanecer y los colores brillantes, junto con el sentido de camaradería creado por mano del padre descansando en la cama con el niño apretando la manga, sugieren un final feliz. Del padre de clase obrera, que tan tiernamente cuida a su hijo, en enfermedad y salud, también deben eliminarse las cuestiones públicas de las huelgas, la reforma laboral y el “cartismo”, movimiento de la clase obrera para la reforma política en Gran Bretaña que existió a partir de 1838 a 1857.

Música

La bohème (La bohemia) es una ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, quienes simplificaron y aunaron los diferentes episodios de la novela por entregas “Escenas de la vida bohemia” de Henry Murger, publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845-49). El estreno tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896.

Se centra esencialmente en el amor entre la modista llamada Mimì y el poeta Rodolfo. Se enamoran nada más conocerse y cuando sus manos tropiezan, ambos aprovechan la ocasión para contar la historia de sus vidas: él interpreta “Che gelida manina” / "Qué manita más fría" y ella, “Sì, mi chiamano Mimi” / "Sí, me llaman Mimí". Pero Rodolfo más tarde quiere dejar a Mimì por su comportamiento coqueto. Sin embargo, resulta que Mimì está mortalmente enferma, y Rodolfo se siente culpable, pues su vida juntos ha empeorado su salud aún más. Se unen de nuevo por un breve momento antes de que ella se muera.

Giacomo Puccini - Che gelida manina - La boheme


Giacomo Puccini​ - Mi chiamano Mimi - La boheme

UNA NOCHE EN LA ÓPERA – Locura desatada -Año XII. Nº 689

John Everett Millais - La novia de Lammermoor - 1878  (Museo de Bristol)

 

Pintura

Millais toma el tema de la novela de Sir Walter Scott "La novia de Lammermoor", donde Edgar, maestro de Ravenswood, acaba de rescatar a Lucy Ashton de un toro salvaje. Lucy es la hija de su enemigo, pero ella, sin darse cuenta de su identidad, se sorprende de sus frías maneras. El modelo que utilizó el artista para Ravenswood encajaba perfectamente con la descripción de Scott: «Un gorro de montero y una pluma negra caían sobre la frente del portador y, en parte, disimulaba sus rasgos que, según se veía, eran oscuros, regulares y llenos de majestuosidad con una expresión un poco hosca.»

Música

Lucia di Lammermoor es un drama trágico en tres actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basado en la novela “The Bride of Lammermoor” de Sir Walter Scott. Fue estrenada en el Teatro de San Carlos en Nápoles el 26 de septiembre de 1835.

La historia se refiere a Lucy Ashton (Lucía), una joven mentalmente frágil que se ve atrapada en la enemistad entre su propia familia y la de los Ravenswood. Se ambienta en las colinas Lammermuir de Escocia (Lammermoor) en el siglo XVII. La escena capital de la ópera es la escena de la locura, "Il dolce suono...Spargi d'amaro pianto" del Acto III. Resume todas las escenas de la locura típicas de las óperas belcantistas y contiene las notas para soprano más altas del repertorio: dos mi bemoles sobreagudos. No son notas escritas en la partitura, y algunas cantantes las interpretan o no, como una forma de "embellecimientos" no siempre aprobada por los puristas. El sexteto "Chi mi frena in tal momento" ha sido adaptado en múltiples ocasiones en películas.

Gaetano Donizetti - Il dolce suono - Lucia di Lammermoor


Gaetano Donizetti - Chi mi frena in tal momento - Lucia di Lammermoor

ÁNIMAS – Cuando los espíritus bailan -Año XII. Nº 688

Alphons Mucha - El espíritu de la primavera - 1894  (Colección privada)

 

Pintura

En esta obra, que representa tres muchachas bailando alrededor de una tumba, junto a un demonio escondido, Mucha utiliza colores cálidos pero suaves y elementos naturales que acompañan la primavera. La ingenuidad del rostro y los gestos de las jóvenes, le dan el aire onírico que generalmente se asocia a esta estación.

Música

La Danza de los espíritus fantásticos fue compuesta por Giovanni Battista Draghi en 1674, incluida en la semi ópera (escrita en colaboración) "La Tempestad", con libreto basado en la obra homónima de William Shakespeare.

Giovanni Battista Draghi fue un compositor italiano e instrumentista de teclados. Fue llevado a Londres, en los años 1660, por el rey Charles II, quien trataba, sin éxito, de establecer la ópera italiana en Inglaterra. Permaneció en Inglaterra el resto de su vida.

Giovanni Battista Draghi - Danza de los Espíritus fantásticos - La Tempestad

LA BELLA HELENA - ¡Y se armó la de Troya! -Año XII. Nº 687

Jacopo Robusti Tintoretto - El rapto de Helena - c. 1578  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Tintoretto situó la escena en el momento en que Helena es conducida a una nave mientras en tierra se libra un cruento combate y ambientó el episodio como una batalla entre turcos y cristianos, alentado por la proliferación de imágenes de esta naturaleza tras la batalla de Lepanto (1571), habiéndose querido ver en Helena una alegoría de la propia Venecia. El artista concibió una composición extraordinariamente dinámica gracias al empleo del color y el claroscuro en combinación con las actitudes de los personajes. Destaca el contraste entre el desvalimiento de Helena, con el rostro suplicante y los ojos acuosos a punto de verter lágrimas, y la violencia viril de los captores. Que la relación entre los distintos personajes constituyó la mayor preocupación del pintor lo corrobora que sólo al final incluyera las naves con sus mástiles, claramente superpuestos a las figuras.

Música

La belle Hélène (La bella Helena), estrenada en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864, fue un éxito instantáneo tanto de público como de crítica y disfrutó, algunos lo dicen, de una insólita temporada inicial de 700 representaciones. Le siguieron poco después estrenos en Viena (1865), Berlín (1865), Londres (1866), y Chicago (1867). También se representó en Nueva York en la Grand Opera House desde el 13 de abril de 1871.

ACTO II
Menelao, para saber qué hacer en este caso conforme a su calidad de hombre de estado, temeroso de los dioses, ha cursado una consulta al pontífice de la instancia religiosa competente, Venus. La respuesta no se hace esperar. Su vicario aparece en persona a bordo de una espléndida galera y sus órdenes son conducir a Helena, con todos los honores sacerdotales, a la afrodisíaca isla de Citera, donde habrá de ofrecer un costoso sacrificio. Todos están de acuerdo (Trio patriótico) Tan pronto como zarpa la galera, el vicario revela su identidad. No es otro que Paris que se da a conocer como el raptor de Helena. Furibundos, los griegos deciden declarar la guerra contra Troya para vengarse...

Jacques Offenbach - No. 20 Trio patriótique - La Belle Hélène

LA BELLA HELENA - Ayuda celestial -Año XII. Nº 686

Jacques-Louis David - El amor de Helena y Paris - 1788  (Louvre, París)

Pintura

Inspirado en la mitología griega, David representa a dos de las principales figuras de la Ilíada, Helena de Troya y Paris, interpretándose como una sátira de las costumbres del conde de Artois, quien hizo el encargo. En la obra se plasma a Paris con un gorro frigio mientras corteja a la esposa de Menelao. Ésta era el premio prometido por Afrodita a Paris por elegirla como diosa más bella que Atenea y Hera. Las cariátides representadas al fondo del cuadro son una copia de la Tribuna de las Cariátides del Louvre, realizadas por Jean Goujon.

Música

Aunque Offenbach había conseguido a gran coste convencer a Hortense Schneider, conocida para entonces como "La Snédèr", para que aceptara el papel de Helena, el estreno permaneció dudoso hasta el último minuto. Durante los ensayos, La Snédèr se quejaba constantemente de que la extravagante Léa Silly (como Orestes en un papel travestido) estaba intentando echarla de la escena: La Silly improvisaba (privilegio reservado para la prima donna), La Silly la imitaba, La Silly danzaba un cancán a sus espaldas mientras ella estaba cantando un aria importante, etc. La Snédèr no sólo se marchó de escena repetidamente, sino que continuamente amenazaba con abandonar el mundo, o al menos París. Requirió toda la habilidad de Offenbach, creando armonía para que la producción de La belle Hélène (La bella Helena) saliera adelante en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864.

ACTO II
Sola, sin la anuencia divina, Helena rechaza al príncipe Paris que las asedia con su bizarro encanto. Después de todo debe cuidar sus deberes conyugales y su reputación pública. La amenaza de Paris de que no obstante la conquistará por la fuerza o con astucia, merece su táctica aprobación. Helena pide al sacerdote que le fabrique un bello sueño con Paris. Tan pronto se acuesta éste entra subrepticiamente en la alcoba y nada obstaculiza el amorío in somnum (“C'est le ciel qui m'envoie” - “Es el cielo quien me envía”) Hasta que aparece Menelao, se monta el escándalo, y Paris debe huir no sin antes haber prometido el rapto de Helena.

Jacques Offenbach - No. 15 C'est le ciel qui m'envoie - La Belle Hélène

LA BELLA HELENA - Historias del Olimpo -Año XII. Nº 685

GiambattistaTiepolo - El Olimpo, o Triunfo de Venus - 1761-64  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

La composición es muy simple y está dominada por una línea zigzagueante situada en el mismo plano del espectador, casi como si de una obra de caballete se tratara. En el boceto dominan los tonos crema y blanco lechosos de las figuras desnudas. Tiepolo consigue formidables vibraciones de color gracias a toques sueltos de tonos muy intensos, como los rojos y azules del guacamayo rojo situado en la parte baja o el sombrero de Mercurio en la parte alta y, en general, en pinceladas sueltas de rojos y dorados en las telas que cubren los personajes.

Música

Todos los contemporáneos se mostraron de acuerdo en que el día del estreno de La belle Hélène (La bella Helena) fue “un gran éxito”, “un éxito sin precedentes”. Fue “una velada triunfal”, “un triunfo legendario”. En los días que siguieron al estreno la prensa se mostró más reservada. La crítica de ‘La Vie Parisienne’ aplaudía la alegría franca, espiritual, la música descollante, pero también se quejaba un poco de la pobre religión griega ridiculizada.

ACTO II
Helena invoca a su padre carnal Júpiter en el retrato de familia con mamá Leda, pero este, recalcitrante, a pesar de su flexible cuello de cisne, mantiene cerrado el “benigno pico” Ni siquiera Venus le contesta, aun cuando Helena pregunta en persona qué se piensa la diosa que no deja de hacer experimentos con esa familia (Invocación a Venus)

Jacques Offenbach - No. 11 Invocation à Vènus - La Belle Hélène

LA BELLA HELENA - Procesión real -Año XII. Nº 684

Simon Vouet - Helena ofrece a Menelao la poción de la reina Polydamne - 1650 (Museo Carnavalet, París)

 

Pintura

Vouet se inspiró en el relato del Libro IV de la Odisea: la poción de la Reina Polydamne, procedente de plantas arrancadas en Egipto, desterró del corazón la tristeza y la ira, y condujo al olvido de todos los males.

Música

La idea surgió de la imaginación de Halévy. Por entonces Offenbach viajaba de un lado a otro y cada vez que tocaba París, retiraba el material preparado por sus colaboradores y trabajaba al ritmo apresurado de siempre. Durante una de sus estancias en París, Offenbach asistió a la lectura de la primera versión del libreto, ofrecida en la sala del Variétés (Offenbach había roto con el Bouffes). Offenbach prestaba atención, revisaba, escribía, deshacía, exigía de sus colaboradores otros elementos, y para el 15 de agosto de 1864 ya estaba acabado el primer acto de la comedia que finalmente se llamaría La belle Hélène (La bella Helena) Esperaba que fuese un éxito mayor que Orfeo en los infiernos.

ACTO I
Están allí los viejos príncipes que se ufanan de sus proezas heroicas, desde Agamenon a Aquiles, desde Ayax I a Ayax II, cuya fama universal en el gran desfile de héroes es pura alharaca (Marcha y Cuplés de los reyes)

Jacques Offenbach - No. 7 Marche et Couplets des rois - La Belle Hélène

LA BELLA HELENA - El primer concurso de belleza -Año XII. Nº 683

Lucas Cranach el viejo - El juicio de Paris  - ca. 1528  (The Met, Nueva York))

 

Pintura

El mito homérico lo ambienta Cranach el Viejo en un paisaje natural mágico con un ambiente romántico y fantasioso. Paris aparece representado con una brillante armadura tendido en el bosque, mientras delibera sobre la más bella de las tres diosas: Minerva, Venus y Juno. Mercurio se encuentra cerca sosteniendo el codiciado premio: una manzana dorada (aquí transformada en un orbe de cristal) Cupido apunta su flecha hacia Venus, señalando la decisión de Paris en favor de la diosa del amor. Se trata pues de una iconografía legendaria y romántica que será empleada en el arte, la literatura y el teatro alemán hasta nuestros días.

Música

La asociación entre Henri Meilhac y Ludovic Halévy fue una de las más fructíferas de la historia del teatro musical francés. Además de numerosos libretos para Offenbach, se le debe el texto de “Carmen” de Bizet. Halévy colaboró con Offenbach desde los primeros tiempos del Teatro Bouffes, y la reunión de los dos con Henri Meilhac se remonta a 1863, cuando en el Palais Royal estrenó la comedia en un acto “Le brésilien”. La belle Hélène (La bella Helena), fruto de esta colaboración, fue estrenada en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864.

ACTO I
Paris, llega como un pastor anónimo para cobrar la recompensa prometida por Venus: la mujer más bella del mundo (Juicio de Paris) Sólo revela su identidad a Calcas, pues necesita y compre su ayuda: un oráculo de Júpiter habrá de disponer el alejamiento del molesto rey Menelao, esposo de Helena, enviándolo a Creta.

Jacques Offenbach - No.6 Le jugement de Pâris - La Belle Hélène

LA BELLA HELENA - Ofrenda a Venus -Año XII. Nº 682

Vecellio di GregorioTiziano - Ofrenda a Venus - 1518-19  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Inspirada en Filostrato (Imágenes, I, 6), esta pintura enfrentó por primera vez a Tiziano con la recreación de una pintura de la Antigüedad, lo que probablemente explique su fidelidad al texto, que siguió en los más mínimos detalles compositivos e incluso cromáticos: Mira unos Erotes que recogen manzanas. Y no te sorprenda su número. Son hijos de las ninfas y gobiernan a todos los mortales, y son muchos porque son muchas las cosas que aman los hombres [...] ¿Sientes algo de la fragancia que llena el jardín, o no se te alcanza? [...] Hay aquí unas hileras de árboles, con espacio suficiente para pasear entre ellos, y blanco césped bordea los senderos, dispuestos como un lecho para quien quiera acostarse encima. En los extremos de las ramas, manzanas doradas, rojas y amarillas invitan al enjambre entero de Erotes a recolectarlas [...]. La ekfrasis prosigue desvelando el significado de algunos elementos como la liebre, animal asociado a Venus, que tiene una cierta capacidad de persuasión erótica y su caza viene a ser un método violento para conseguir el amor de sus favoritos, o el espejo, que forma parte de la ofrenda de las ninfas a Venus por haberlas hecho madre de los amores.

Música

La belle Hélène (La bella Helena) es una opéra bouffe en tres actos con música de Jacques Offenbach y libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. La opereta parodia la historia de la huida de Helena con Paris, que se ambienta en la Guerra de Troya. Fue estrenada en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864, protagonizada por Hortense Schneider y José Dupuis.

ACTO I
Plaza pública frente al templo de Júpiter. Son tiempos magros para el dios supremo, por lo tanto también para su sumo sacerdote Calcas. Desde que cundió la voz que en el concurso de belleza de las diosas obtuvo Venus el primer premio de manos de Paris, se amontonan en su templo las ofrendas más valiosas (Introducción y coro)

Jacques Offenbach - No. 1 Introduction et choeur​ - La Belle Hélène

CLÁSICOS EN EL CINE - El príncipe de Dinamarca -Año XII. Nº 681

Eugène Delacroix - Hamlet y Horatio en la Tumba - 1839  (Louvre, París)

 

Pintura

En el quinto acto de Hamlet de Shakespeare, éste, acompañado por Horatio, medita sobre la fragilidad de la existencia humana mientras espera la procesión fúnebre de su prometida. Delacroix produjo varios trabajos basados en esta escena para explorar esta angustia existencial. Mira la calavera y observa cómo el gesto exagerado del sepulturero crea una sensación de malestar. Traza la línea de visión de cada personaje y los ejes formados por la colina, el camino y el dedo apuntado por la figura vista desde la parte posterior: todos conducen al cráneo desenterrado. Ten en cuenta el juego sutil de colores. El gris, el azul y el amarillo del cielo y el suelo forman un ambiente sombrío y una atmósfera pesada totalmente en sintonía con las figuras afligidas. Hamlet viste de negro, el color del luto. Su cara suave y dedos delicados son signos de su fugaz juventud.

Música

Si sólo se tuviera en cuenta la cantidad, Shostakovich sería considerado el líder de los compositores soviéticos de música para películas, quien también escribiera buenas sinfonías y cuartetos para cuerdas. Escribió alrededor de cincuenta bandas sonoras, la mayoría entre 1930 y 1955. Simplemente se las asignaron y tuvo poca oportunidad real de decidir si las aceptaba o no. Muchas de ellas, resultaron ser elegantes propagandas, chapuceras y de poco mérito. Las cosas cambiaron en 1963. Ya no tenía que escribir para el cine, y sólo lo hizo cuando buenos amigos, como el director de Grigori Kozintsev, le pidieron a participar en un proyecto digno. La película Hamlet de Kozintsev, de 1964, con el texto traducido por Boris Pasternak, fue una de las buenas películas que, de repente, empezaron a surgir de la URSS en la década de 1960.

Shostakovich quedó realmente satisfecho con esta banda sonora, aunque planificó un poema sinfónico sobre el mismo tema que no se concretó y, en su lugar, se concentró en su Noveno Cuarteto de Cuerdas. La película ganó premios en varios festivales de cine y la banda sonora fue aclamada y utilizada para varios ballets sobre Hamlet. En 1964, Lev Atovmian, un amigo de Shostakovich, organizó una suite, Op.116a, con ocho movimientos.

Dimitri Shostakovich - II. Baile en palacio - Hamlet, Op. 116a


Dimitri Shostakovich - V. Escena del envenenamiento - Hamlet, Op. 116a


Dimitri Shostakovich - VI. Llegada y escena de los comediantes - Hamlet, Op. 116a


Dimitri Shostakovich - VIII. Duelo y muerte de Hamlet - Hamlet, Op. 116a

CLÁSICOS EN EL CINE - La gloria del ausente -Año XII. Nº 680

Vladimir Borovikovsky - Retrato de Pablo I de Rusia - 1800  (Mikhailovsky Palace, San Petersburgo)

 

Pintura

En sus retratos Borovikovskyst llegaba a transmitir los movimientos apenas perceptibles del alma humana, los matices más finos de los sentimientos del retratado. Los retratos, no muy grandes de tamaño, se distinguían por una finura excepcional en la transmisión del carácter, estaban llenos de poesía y lírica. En las obras de principios del siglo XIX, como este retrato de Pablo I vistiendo el traje de Gran Maestro de la Orden de Malta, se percibe la influencia del clasicismo, se caracterizan por la gama discreta de colores y la sequedad de medios expresivos. Pablo I de Rusia fue zar de Rusia desde 1796 hasta su asesinato en 1801. La imagen popular de Pablo I ha sido durante mucho tiempo que estaba loco. Sus excentricidades y su imprevisibilidad condujeron, según esta opinión, a su asesinato. Este retrato de Pablo fue promovido por los asesinos y sus partidarios, y se ha convertido en algo comúnmente aceptado.

Música

El Teniente Kije o Kizhe es el protagonista de una anécdota que se remonta a la época del emperador Pablo I de Rusia. La historia fue utilizada por Yury Tynyanov como base de una novela corta, publicada en 1927 y filmada en 1934 con música de Sergei Prokofiev. La trama es una sátira de la burocracia. El tema principal de la animada "troika", sobre un fondo brillante de las campanas de trineo, contrasta con episodios irónicos en el que los instrumentos de metal y cuerdas en pizzicato figuran prominentemente.

El emperador Pablo I decide promover al inexistente Kizh al rango de primer teniente. Rápidamente asciende capitán y a comandante, y cuando finalmente es ascendido a coronel el emperador ordena que Kizh comparezca ante él. Naturalmente nadie puede encontrar a Kizh. Los burócratas militares buscan el rastro en los papeles y descubren el error original, pero deciden contarle al emperador que Kizh ha muerto. "Qué lástima", exclama el emperador, "era un buen oficial".

Serguei Prokofiev - IV. Troika - El teniente Kijé, Op. 60

CLÁSICOS EN EL CINE - A la gloria de Mendelssohn -Año XII. Nº 679

Washington Allston - Hermia and Helena - ca.1818  (Smithsonian Art Museum, Washington)

 

Pintura

Allston dijo que esta pintura representaba "la soltería y la unidad de la amistad". Hizo posar a las dos mujeres para que sugirieran una figura, y leyeran de un libro compartido. En el tercer acto de la comedia de Shakespeare “El sueño de una noche de verano”, Helena elocuentemente describe su amistad con Hermia: "Así crecimos juntas, / Como una doble cereza... / Dos preciosas bayas moldeadas en un tallo".

Música

El director de cine Max Reinhardt, quien había trabajado antes con Korngold, no dudó en invitar al compositor a viajar a Hollywood desde Viena para organizar y supervisar la música para su película A Midsummer Night's Dream de 1935. Fue la primera visita de Korngold a la meca del cine, pero la Warner Bros quedó lo suficientemente impresionada con su compromiso y talento para convocarlo de nuevo a crear la música de otras películas, sobre todo de novelas de capa y espada protagonizadas por Errol Flynn.

La película de “El Sueño de una noche de verano” contiene 114 minutos de música. La composición homónima de Mendelssohn, Ein Sommernachtstraum, no tenía material suficiente, por lo que Korngold la complementó con citas de muchas otras composiciones de Mendelssohn. La habilidad de Korngold hizo que la integración de toda esta música adicional fuera perfecta y sonara natural. En los lugares donde se produce la nueva adaptación, Korngold expandió la orquesta para incluir saxofones, piano, guitarra y vibráfono, más percusión adicional y arpa. En su típica modestia, Korngold optó por no aparecer acreditado en los títulos de la película dejando toda la gloria a Mendelssohn.

E.W. Korngold - Obertura - A Midsummer Night's Dream

CLÁSICOS EN EL CINE - El asesinato del Duque de Guisa -Año XII. Nº 678

Paul Delaroche - L'Assassinat du duc de Guise - 1834  (Musée Condé, Chantilly)

 

Pintura

La tabla de Delaroche representa el momento en el que Enrique III sale detrás de la cortina, donde permanecía oculto hasta ese instante, para confirmar la muerte de su enemigo. A su alrededor, aparecen los conspiradores, todos miembros de los Cuarenta y cinco, la guardia personal del rey de Francia, mientras el cadáver del duque de Guise ocupa en solitario el lado derecho de la escena. El ambiente es oscuro y sombrío, de acuerdo con el tema representado. Los detalles históricos son auténticos, pues el hecho tuvo lugar el 23 de diciembre de 1588, en los aposentos del rey.

Música

El entonces veterano Camille Saint-Saëns, a sus 73 años, fue el responsable de componer la música original de L'Assassinat du Duc de Guise, première musique de film, op. 128 y sus sucesivas reorquestaciones, para poder adaptar la banda sonora a las especificidades de cada teatro o sala donde se proyectaba la película, que fue codirigida por André Calmettes y Charles Le Bargy, y se estrenó el 17 de noviembre de 1908.

Francia se encontró dividida en tres partidos. La liga católica, eran dueños del Norte y del Este, los calvinistas tenían el Sudoeste y el resto, el centro del reino era realista. La suerte de Francia dependía del rey de España. Felipe II enviaba contra Inglaterra a la Invencible. El duque de Guisa, de acuerdo con él, debía sorprender a Enrique III en París, conservarle prisionero y gobernar en su nombre. Derrotada la armada, Enrique III, que ya no tenía que temer a los españoles, se decidió por el asesinato de su enemigo el duque de Guisa. Este hecho dio lugar a una guerra civil. La mayor parte de las ciudades del Norte se sublevaron contra el rey. El duque de Mayenne, hermano del de Guisa, fue dueño de París.

Camille Saint-Saëns - L'Assassinat du Duc de Guise, première musique de film, op. 128

EMOCIONES - Titán -Año XII. Nº 677

Caspar David Friedrich - El caminante ante el mar de niebla  - c. 1817  (Kunsthalle, Hamburgo)

 

Pintura

Según una tradición imposible de corroborar, el personaje representado sería un cierto von den Brincken, en cuya memoria Freidrich habría realizado la obra. El fondo del paisaje se compone de varios dibujos de la llamada Suiza Sajona, es decir, la zona montañosa en torno a Schandau, los Elbsandsteingebirge: a la izquierda se alza el Rosenberg; a la derecha el Zirkelstein. En el primer plano, que en Friedrich siempre posee un tono oscuro, constrastado frente a la luminosidad del horizonte, se alza el caminante, de un infrecuente tamaño, sobre una cima rocosa de forma triangular. Aparece de espaldas, como la mayoría de los personajes del maestro pomerano. La figura de espaldas de Friedrich, unida al paisaje como proyección de lo absoluto, representa un estado en que se alcanza la unidad de la naturaleza y el espíritu en Dios. Pero el significado alegórico global de la obra ha sido interpretado desde una perspectiva religiosa: la Fe (rocas) que, alzándose sobre los errores terrenos (niebla), nos eleva al dominio celeste. El Rosenberg es representación de Dios.

Música

La Sinfonía número 1 en re mayor de Gustav Mahler fue compuesta en el año 1888. Se estrenó un año después en Budapest, bajo el nombre de "Symphonische Dichtung in zwei Teilen" (Poema sinfónico en dos partes), aunque luego el autor volvió a retomarla, reformándola, y dándole el nombre de Titán. Con este nombre se estrenó en Hamburgo, en 1893. No conforme con el resultado, Mahler siguió trabajando en la obra, y finalmente le retiró su nombre, interpretándose por primera vez en su forma definitiva en Berlín, en 1896. Su segundo movimiento, Scherzo: Kräftig bewegt, doch nicht zu schnell, está basado en el Ländler, danza popular austriaca. La parte central, más tranquila, ofrece un momento de descanso poético, aunque también tiene carácter de danza clásica.

En un principio, fue concebido como un largo poema sinfónico. Mahler le llamó “Titán” por la novela de Jean Paul, aunque especificó que la sinfonía no se basaba en absoluto en ella. Al estrenarse, fue acusada de desafiar todas las leyes de la música, siendo calificada de vulgar y sin sentido. Hoy en día, esta sinfonía es una de las más apreciadas del autor, debido a su gran riqueza melódica; al hecho de ser una sinfonía temprana, y por otra parte, no es tan larga como otras de sus sinfonías.

Gustav Mahler - II. Movimiento - Sinfonia no. 1 'Titán'

UNA MIRADA AL ORIENTE - En un mercado persa -Año XII. Nº 676

Edwin Lord Weeks - Mercado en Ispahan - 1885  (Colección Privada)

 

Pintura

Isfahán o Ispahán es la capital de la provincia de Isfahán y la tercera ciudad más grande de Irán. El Bazar de Isfahán es un mercado histórico, uno de los bazares más grandes y antiguos en el Medio Oriente, que se remonta al siglo XVII. El bazar es una calle de dos kilómetros abovedada y que une la ciudad vieja con la nueva. Weeks representa una típica estampa de mercado, con sus animales y puestos de venta.

Música

Albert W. Ketelbey fue un compositor inglés, pero también editor de música y director de una firma discográfica inglesa. Escribió música para el teatro londinense, pero nadie lo recordaría si no hubiese escrito En un mercado persa, una pequeña pieza musical de 1920, muy popular por su fuerza descriptiva y por las hermosas melodías que contiene. Con esta obra, Ketelbey intentó pintar con música el bullicio de un mercado de Bagdad.

Esta es una de esas piezas que la gente, al oírla, exclama "¡entonces es así como se llama!". Es una música tan popular que la mayoría la conoce siempre. Calificada por su autor como un "Intermezzo-Escena", describe la siguiente situación: “Los camelleros poco a poco se acercan al mercado y los gritos de los mendigos se escuchan en medio del bullicio. La bella princesa entra transportada por sus siervos (representada por un tema lánguido, primero en el clarinete y cello, y luego repetido por toda la orquesta) Se queda para ver a los malabaristas y encantadores de serpientes. El Califa pasa ahora por el mercado y se interrumpe el entretenimiento. Se oyen de nuevo a los mendigos, la princesa se prepara para partir y la caravana reanuda su viaje. Los temas de la princesa y los camelleros se oyen débilmente en la distancia y la plaza del mercado se convierte en un desierto”.

Albert W. Ketelbey - En un mercado persa

VOCES – La verde parra -Año XII. Nº 675

Octave Tassaert - Joven con un vaso de vino - 1850  (Museo Fabre, Montpellier)

 

Pintura

Conocido más por sus pinturas de las miserias humanas, Tassaert propone a los amantes de las imágenes más ligeras, escenas galantes del siglo XVIII. El vino significa liberación de la moral y el sombrero y la mano extendida hacia arriba sugieren una presencia masculina.

Música

Liebeslieder Walzer (Canciones de amor) es el nombre de dos ciclos de canciones populares, en tiempo de vals, para cuatro voces (coro) y piano a cuatro manos (Op. 52 y Op. 65) compuestos por Johannes Brahms entre 1868 y 69. Los textos están tomados de “Polydora, ein weltpoetisches Liederbuch” del poeta y filósofo alemán Georg Friederich Daumer. Esta colección de traducciones e imitaciones de la poesía popular, sobre todo rusa, polaca y magiar (húngara), contiene, como sentimientos predominantes, las múltiples facetas del amor: el anhelo, la reticencia, la negación, la tristeza, la obsesión, la alegría, el éxtasis, etc. Estos dieciocho valses, "románticos" en todos los sentidos de la palabra, rinden homenaje al "rey del vals" Johann Strauss, por quien Brahms profesaba gran admiración.

Nº 5 Die grüne Hopfenranke (La verde parra)

La verde parra,
serpentea por el suelo.
¡La joven, bella doncella,
tan tristes son sus pensamientos!
¡Escucha, verde vid!
¿Por qué no subes al cielo?
¡Escucha, hermosa doncella!
¿Por qué es tu corazón tan pesado?
¿Cómo puede la vid elevarse
cuando ningún apoyo le presta la fuerza?
¿Cómo puede ser feliz la doncella
cuando su amado está tan lejos?

Johannes Brahms - V. Die grüne Hopfenranke - Liebeslieder Walzer, Op. 52

BELLE EPOQUE – Schottisch-Chôro -Año XII. Nº 674

Edgar Degas - Lorenzo Pagans y Auguste de Gas - ca. 1871-72  (Museo D'Orsay, París)

 

Edgar Degas - El padre de Degas escuchando a Lorenzo Pagans tocando la guitarra - ca. 1869-72
(Museo de Bellas Artes, Boston)

Pintura

La pintura de Degas muestra a Laurent-Pierre-Augustin de Gas, padre del artista, y al guitarrista español Lorenzo Pagans. El padre del pintor, Auguste De Gas - rico banquero de origen napolitano - organizaba todos los lunes por la noche veladas musicales. A ellas solía acudir como cantante el español Lorenzo Pagans, uno de los guitarristas más populares de la noche parisina debido a la afición por lo español en la época del Segundo Imperio, atracción que se vio aumentada tras la boda del emperador Napoleón III con la española Eugenia de Montijo. También participaban otros cantantes, músicos y artistas, entre ellos Manet y su esposa o el propio Degas. En esta imagen el pintor quiso inmortalizar una de esas maravillosas veladas, retratando a sus dos protagonistas: el anfitrión y el cantante. Pagans aparece en primer plano, tocando la guitarra y cantando una triste copla por el gesto de su rostro. Tras él podemos contemplar la menuda figura del padre del pintor, en una actitud de absorta atención ante la canción.

Música

Las cinco piezas que integran la Suite populaire brésilienne (Suite popular brasileira), A.20, fueron escritas por el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos entre los años 1908 a 1912. Fueron seleccionadas de entre las muchas obras tempranas para guitarra del compositor y reunidas en una suite por el editor francés Max Eschig.

Los títulos de estas piezas, que combinan cada una de ellas una forma europea con una danza brasileña, el Chôro, reflejan el enfoque del compositor (estos híbridos fueron característicos de la música brasileña popular bailable en el momento) La segunda es “Schottisch-Chôro” (el schottisch era una especie de polca, danza popular en el siglo XIX) Todas son obras melódicas y tranquilas, que uno puede fácilmente imaginarse que están siendo interpretadas e improvisadas por músicos callejeros de Brasil.

Heitor Villa-Lobos - Schottisch-Chôro - Suite popular brasileña

BELLE EPOQUE – El placer del amor -Año XII. Nº 673

Lawrence Alma-Tadema - Not at home (My sister is not in) - 1879  (Walter Arts Museum, Baltimore)

 

Pintura

Una doncella romana cierra una cortina en un intento poco convincente de ocultar a su hermana de un pretendiente. Los ricos patrones británicos de Alma-Tadema podían relacionarse fácilmente con los individuos que retrata: miembros de la clase alta en una época de abundancia.

Música

Plaisir d'amour (El placer del amor) es una clásica canción de amor francesa escrita en 1784 por Jean Paul Égide Martini. Tomó el texto de un poema de Jean de Florian, que aparece en su obra “Célestine”. Hector Berlioz arregló la pieza para orquesta (H134) en 1859. El compositor es reconocido por haber sido el primero en publicar canciones con acompañamiento del piano en lugar de utilizar el continuo típico de su época.

El placer del amor no dura más que un instante.
La pena de amor dura toda la vida.
Lo dejé todo por la ingrata Sylvie.
Me deja y se va con otro amante.
El placer del amor no dura más que un instante.
La pena de amor dura toda la vida.
Mientras que este agua fluya dulcemente
hacia ese arroyo que bordea la pradera,
te amare, me decía Sylvie.
El agua todavía fluye. Ella ha cambiado.
El placer del amor no dura más que un instante
La pena de amor dura toda la vida.

Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour (con piano)


Hector Berlioz - Plaisir d'amour H 134

BELLE EPOQUE – El banjo -Año XII. Nº 672

William Sidney Mount - El instrumentista de banjo - 1856  (Long Island Museum)

 

Pintura

La imagen en tamaño real de un músico de raza negra proyecta un espíritu de talento, calidez y vitalidad irreprimible... Los ricos colores de esta pintura realzan la vivacidad de su composición. El talento de Mount para capturar detalles finos se muestra aquí en la bolsa de tabaco impresa introducida en el bolsillo del chaleco del joven, en el gorro de rayas brillantes y en la reluciente cadena de reloj de oro. El instrumentista retratado por Mount ha sido identificado como George Freeman, vinculado a un pariente del artista, al que le fue permitido ir a Stony Brook para posar para el pintor.

Música

Le Banjo, esquisse américaine, Op.15 (El Banjo) es una interesante y animada pieza para piano escrita por el compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk. Durante el verano de 1853, Gottschalk realizó varias composiciones, entre las cuales se encuentra la primera versión de El Banjo. Después de una revisión a fondo de la pieza, se presentó para su publicación en 1854.

Gottschalk estaba íntimamente familiarizado con la técnica del banjo. En su nativa Nueva Orleans, los músicos tocando el banjo por la calle eran un espectáculo familiar. En una ocasión, bajo el seudónimo de "Seven Octaves", el compositor publicó una reseña de un concierto del instrumentista de banjo George Buckley, en el Swaine Morning Times de Nueva York. Los intérpretes de este instrumento reconocieron rápidamente que la pieza para piano estaba dentro de los recursos técnicos de su instrumento, con adaptaciones de poca importancia, y lo incorporaron a sus repertorios. La obra presenta cautivantes imitaciones de las técnicas afroamericanas de interpretación en este instrumento en la mitad del siglo XIX. La mayor parte de la misma consiste en variaciones de una frase repetida, como hacían los músicos de la región de Senegambia, en África occidental, el origen de los antepasados del banjo.

Louis Moreau Gottschalk - Le Banjo, esquisse américaine, Op.15


Louis Moreau Gottschalk - Le Banjo, esquisse américaine, Op.15 (arreglo para banjo)

BELLE EPOQUE – Instinto y experimentación -Año XII. Nº 671

 

Anónimo - Le 'Gallop' chromatique - c. 1845

Pintura

El "galop cromático ejecutado por el demonio de la armonía." Caricatura anónima en la que aparece Franz Liszt al piano, detrás de él, en el atril, François-Antoine Habeneck y, en primer plano, el cantante Luigi Lablache.

Música

El Grand Galop Chromatique en Mi Bémol Mayor, S 219, es una pieza para piano compuesta por el compositor húngaro Franz Liszt en 1838.
Cuando el 8 de diciembre de 1839 Liszt volvió al Sperl de Leopoldstadt, la orquesta de Johann Strauss I tocó para él el Furioso Galop Op. 114, cuya primera parte ofrece un arreglo orquestal muy eficaz del Gran Galop Chromatique para piano, escrito en 1838. El segundo trío también utiliza motivos de las obras de Franz Liszt.

La obra se publicó como una versión para piano solo, aunque también existe como versión para dos pianos (S.616). Debido a la dificultad técnica de la obra se preparó una versión simplificada para piano solo. La idea de utilizar el cromatismo intensificado con un gran efecto virtuoso es muy inteligente y muestra cómo la inspiración del compositor, en este período, fue guiada por el instinto y la experimentación. Esta pieza fue el mayor atractivo del extravagante Liszt durante sus años de éxito y su efecto en el público era fascinante.

Franz Liszt - Grand Galop Chromatique en Mi Bémol Mayor, S 219


Johann Strauss I - Furioso-Galopp, Nach Liszt- Motiven, Op. 114