EL ALMA RUSA - El Tábano -Año X. Nº 575

Jean-Louis-Ernest Meissonier - Napoleon III en la batalla de Solferino - 1863

Pintura

La batalla de Solferino, objeto de esta pintura histórica de Meissonier, fue en efecto, una de las mayores batallas del Siglo XIX. El 24 de junio de 1859, las tropas francesas y piamontesas derrotaron a los austríacos en Solferino, en el sur del Lago de Garda. La batalla fue un baño de sangre, pero abrió a Italia las puertas de la unidad. Curiosamente, Solferino fue también una de las últimas batallas donde estuvieron presentes - en calidad de comandantes supremos de las tropas - los soberanos de las potencias en guerra: Napoléon III por Francia, Francisco-José I por Austria y Victor-Emmanuel II por el Piamonte. Pero sólo Napoléon III estaba al alcance de los tiros de los cañones, a tal punto, que algunas de sus ayudas de campo fueron heridos.

Música

Dimitri Shostakovich compuso en 1955 la banda sonora de la película El Tábano, dirigida por Aleksandr Faintsimmer, estrenada en el mes de abril de ese mismo año. La obra, que lleva el número 97 en el catálogo del autor, Incluye un movimiento titulado Romance (un tema de amor) que fue muy popular por si mismo.

La obra se basa en una popular novela, del mismo título, debida al escritor inglés Ethel Lilian Voynich. Narra la historia de un joven luchador por la libertad, en el siglo XIX, conocido con el sobrenombre de “El Tábano”, hijo ilegítimo de un cardenal italiano. Los austriacos, que ocupaban en ese momento Italia, le dieron ese inusual nombre porque sus actividades acarreaban unas molestas y dolorosas “picaduras” a los ocupantes. El activista es finalmente capturado y ejecutado, no sin haber sido autor de múltiples actos heroicos. Hacia el final de la película, el padre acaba reconociendo a su hijo.

Dimitri Shostakovich - Romance - El Tábano

NAVIDAD - Un niño ha nacido entre nosotros -Año X. Nº 574

Filippino Lippi - Adoración del niño - 1483  (Galería de los Uffizi, Florencia)

Pintura

La ternura entre madre e hijo resulta emotiva; la Vírgen deja de aparecer como una imagen remota e inaccesible y su cara recuerda a la de la madre de Lippi. María es conocida como “Estrella del mar” y por tanto se asocia con el agua. El puerto en el fondo simboliza la vida eterna. La pared sugiere un jardín cerrado, en alusión a la virginidad de María.

Música

El Mesías HW 56, fue compuesto por Georg Friedrich Händel en Londres, en 1741, y estrenado en 1742, en el New Music Hall de Dublín.

La primera parte de este oratorio tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva como el coro “For onto us a child is born”.

Georg Friedrich Händel - For onto us a child is born - El Mesías HW 56

EL ALMA RUSA - Temas litúrgicos -Año X. Nº 573

Anónimo - Icono ruso sobre la Resurrección - s. XVI  (Museo de Iconos de Recklinghausen)

Pintura

Desde tiempos remotos la iconografía típica en la Iglesia de Oriente del misterio de la Resurrección del Señor era la representación de Cristo en el abismo del infierno resucitando a Adán y Eva y a otros justos del antiguo Testamento. En un rayo de luz, que se reproduce en este icono con una mandorla azul, Cristo aparece con una vestidura blanca brillante. Permanece de pie sobre los batientes cruzados de la puerta del infierno, mientras caen hacia abajo las cerraduras y las llaves en la oscuridad del inframundo. Cristo toma de la muñeca a Adán y lo saca de la tumba, mientras que Eva, vestida con un traje rojo, se arrodilla detrás de él orando, mientras alza sus manos. Las dos figuras coronadas detrás de Adán son David y Salomón, que son conducidos por Juan el Bautista, el último de los profetas. Detrás de Eva se encuentra Moisés, con las tablas de la ley en sus manos, hablando con otros dos antepasados. Sobre la mandorla de Cristo, dos ángeles sostienen la Cruz y el Cáliz, mostrando que la muerte en sacrificio de Cristo era requisito previo para la salvación de la humanidad.

Música

La Obertura de la gran Pascua rusa, Op. 36 (Svetliy prazdnik, también conocida como Obertura para el festival de la Pascua rusa) es una obertura concierto compuesta por el compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov entre agosto de 1887 y abril de 1888, dedicada a la memoria de Modest Músorgski y Aleksandr Borodín, dos miembros del grupo de Los Cinco. Se subtitula «Obertura sobre temas litúrgicos». El estreno tuvo lugar en San Petersburgo a finales de diciembre de 1888.

El autor nunca olvidó los sonidos, que escuchó en su niñez, procedentes de las campanas del monasterio de Tikhvin, cruzando el río hasta su casa. Y no quedó menos impactado por el fervor y la resonancia de la Pascua Ortodoxa, clímax de las celebraciones litúrgicas del año. Escribió su obertura tomando temas litúrgicos del Obikhod (antigua colección de cantos), incorporando también, para mayor efecto, el lado más “legendario y pagano” de la Pascua.

Nikolái Rimski-Kórsakov - Obertura de la gran Pascua rusa, Op. 36

EL ALMA RUSA - Sabor americano -Año X. Nº 572

Jammie Paterno - Jazz Musicians -s. XX

Pintura

Paterno incluye habitualmente temas musicales en sus obras, que añaden nueva luz y energía. Su paleta de colores es generalmente brillante y audaz. Y su estilo es muy alegre y único. Puede pintar con líneas muy angulosas o con líneas curvas y ondas, como ocurre en este caso.

Música

Igor Stravinsky elaboró la versión orquestal de su Scherzo à la russe en 1945, con la que encontró una gran aceptación.

El autor escribió originalmente la pieza para una banda de jazz en respuesta a un encargo del famoso músico Paul Whiteman. Extrañamente, lo que el compositor compuso tiene poco que ver con el auténtico jazz y quizás es una de las razones del fracaso de la obra en su versión inicial. El compositor también elaboró una reducción para dos pianos en 1954, pero es la versión orquestal la que se interpreta con mayor asiduidad.

Igor Stravinsky - Scherzo a la Russa

EL FERROCARRIL - Partida -Año X. Nº 571

Claude Monet - El tren en la noche. La locomotora - 1875  (Marmottan, París)

Pintura

Este cuadro de Monet muestra lo que serán las principales preocupaciones pictóricas de este artista impresionista: la nieve y especialmente la niebla y el humo. Un lienzo que causó un cierto impacto en los seguidores del impresionismo por su dedicación a la hora de investigar lumínica y cromáticamente el humo y la niebla. Un lienzo donde se unifica la neblina nocturna con diferentes elementos, como árboles, rieles y una empalizada, junto con las dos manchas amarillas y empastadas de los faros. La obra se realiza durante el invierno de 1875, lo que permite que el artista pueda retratar el manto de nieve que cubre Argenteuil. El espectador se ve obligado a buscar los detalles más ínfimos al otro lado del andén, los cuales se perciben de manera confusa.

Música

La hoguera de invierno, suite para narrador, coro de niños y orquesta, Op. 122 fue compuesta por el compositor ruso Serguei Prokofiev entre 1949 y 1950. Consta de ocho movimientos: "Partida", "Nieve en la ventana", "Vals", "La Hoguera", "Reunión de excursionistas", "Noche invernal", "Marcha" y "El regreso".

La sección inicial, “Partida”, describe el movimiento de un tren que lleva a los pioneros fuera del país en busca de aventura y diversión. El ritmo de la locomotora es brillantemente reflejado por el autor, con un variado, largo y alegre tema principal en las flautas y el oboe que resulta inolvidable.

Serguei Prokofiev - Partida - Fogata de Invierno Op. 122

VIVA MADRID – Un apacible rincón -Año X. Nº 570

Aureliano de Beruete y Moret - Barrio de Bellas Vistas - 1906  (El Prado, Madrid)

Pintura

Paisaje de las afueras de Madrid, con las casas y el descampado del barrio de Bellas Vistas. La técnica de Beruete y Moret combina pinceladas cortas aplicadas con gran cantidad de óleo, captando la variación de colores de los reflejos del sol en el cielo, tejados y muros. En cuanto a la composición, destaca el macizo abigarrado de casas frente a la sencillez del cielo, predominando, en ambos casos, una preferencia por la horizontalidad.

Música

Federico Moreno Torroba estrena en 1932 Luisa Fernanda a partir de un libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw.

El argumento gira entorno a las tensiones políticas y sociales anteriores a la Primera República, alrededor de dos escenarios principales, de un lado el madrileño en su vertiente castiza y popular, y de otro el extremeño con su acervo rural. De ahí proviene el coronel Javier Hernando, quien en la famosa romanza “De este apacible rincón de Madrid” explica como ha prosperado fuera de sus raíces y se pregunta si debe seguir su buena estrella militar o permanecer fiel a Luisa, un cariño de juventud.

Federico Moreno Torroba - De este apacible rincón de Madrid - Luisa Fernanda

VIVA MADRID – Calles, plazas y callejones -Año X. Nº 569

Antonio López - Vista de la Gran Vía de Madrid - 1974-81  (Colección privada)

Pintura

Más que otro paisaje anónimo, éste es el retrato de un lugar único. Bajo el reloj que marca las 6:30, la ciudad es un escenario desierto. Antonio López no pretende excluir la figura humana, sino que se concentra en la descripción de lo inerte y va aplazando (indefinidamente) el trabajo sobre todo aquello que se mueve (figuras humanas, automóviles, nubes)

Música

La Gran Vía es una zarzuela en un acto, y cinco cuadros, sobre texto original de Felipe Pérez González y música de Federico Chueca y Joaquín Valverde, estrenada el 2 de Julio de 1886 en el Teatro Felipe de Madrid.

La obra, compuesta de cinco sainetes cortos, trata de los comentarios surgidos en Madrid por la inminente aparición de una nueva avenida: La Gran Vía. Durante ese año se iniciaron una serie de derribos para construir esta Gran Vía que saneara y transformara el centro. La reforma afectaba a gran cantidad de calles. Ya la introducción, un poco a la manera de una obertura de ópera, es una página airosa que sirve de presentación a la conocida polka confiada al coro “Somos las calles, somos las plazas y callejones de Madrid”.

Federico Chueca y Joaquín Valverde - Coro de las calles - La Gran Vía

MARGARITA – Danzas de la feria -Año X. Nº 568

Pieter Brueghel el viejo - Danza campesina - c. 1568  (Kunsthistorisches Museum, Viena)

Pintura

A Brueghel le encantaba observar las costumbres de los campesinos, sus modales en la mesa, bailes, juegos, formas de cortejo, y todas las bufonadas que podían ofrecer, y que el pintor supo reproducir, con gran sensibilidad y humor, con el color, tanto a la acuarela como al óleo, siendo muy versado en las dos técnicas. Conocía bien el carácter de los campesinos y campesinas de Kempen y de sus alrededores. Sabía cómo se visten al natural y pintar sus gestos groseros cuando bailaban, caminaban o se quedaban en pie mientras se dedicaban a tareas diferentes. Dibujaba con convicción extraordinaria y dominaba particularmente bien el dibujo a pluma.

Música

El editor Tobias Haslinger publicó el 11 de septiembre de 1829, como había anunciado en el diario Wiener Zeitung, un nuevo vals de Johann Strauss I que llevaba el doble título Hietzinger-Reunion-Walzer (Vals de la reunion en Hietzing) or Weissgärber-Kirchweih-Tänze, Op. 24 (Danzas de la feria de la parroquia de Weissgarb)

La antigua parroquia de Weissgarb estaba dedicada a Santa Margarita, cuya fiesta se celebraba el 20 de julio. En este mes del año 1829, con ocasión de la Feria de la parroquia, Johann Strauss I pudo haber interpretado el vals por primera vez, en la vieja sala Viena en el ‘Angel Blanco’, local situado en la plaza frente a la iglesia parroquial.

Johann Strauss I - Hietzinger Reunion Op. 24

VIVA MADRID – Retiro -Año X. Nº 567

Joaquín Sorolla - El Retiro de Madrid - 1898  (Museo Sorolla, Madrid)

Pintura

El Parque del Retiro o Parque del Buen Retiro, popularmente conocido como El Retiro, es un jardín histórico y parque público situado en Madrid. En el último tercio del siglo XIX, tras su municipalización y conversión en parque urbano, el Retiro atrajo la atención de diferentes paisajistas. También Joaquín Sorolla se mostró interesado por el lugar, con un paisaje postimpresionista del Estanque Grande. Por los senderos pasean varias figuras. En primer término, un macizo de césped y varios troncos de árboles.

Música

La Musica notturna delle strade di Madrid (Música nocturna de las calles de Madrid) Op. 30 n.º 6 (G. 324), compuesta alrededor de 1780, fue publicada años después de la muerte de Boccherini, porque según le expresó a su editor: «La obra es absolutamente inútil, incluso ridícula, fuera de España, porque el público no puede esperar entender su significado, ni los artistas que la desempeñan cómo debe ser interpretada». La pieza se hizo famosa en España durante la vida de Boccherini. Sus versiones más conocidas son los arreglos de la Ritirata (Retreta), el movimiento incorporado al quinteto de piano (G. 418) y el quinteto de guitarras (G. 453)

La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid. El último número, “Ritirata” (“Retiro”), describe la retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna; la patrulla anuncia el toque de queda y cierra las calles durante la noche.

Luigi Boccherini - La retirada de las calles de Madrid - Quinteto núm. 9 G. 453

VIVA MADRID – Ensalada madrileña -Año X. Nº 566

Francisco Goya - Feria de Madrid - 1778-79  (El Prado, Madrid)

Pintura

En esta representación de Goya de una feria madrileña, dos elegantes caballeros y una dama se acercan al puesto de un vendedor que, obsequioso, ofrece su mercancía: recipientes de metal, piezas de mobiliario, cuadros, espejos, armas y trajes usados. Al fondo, la silueta de la ciudad deja ver una iglesia, cuya cúpula y torres recuerdan las de San Francisco el Grande. Tras ellos, vemos dos embozados que señalan al primer grupo con desconocida intención, aunque posiblemente como víctimas de un timo. El grupo principal está muy iluminado por un fuerte haz de luz que ensombrece el resto de la imagen. El colorido está aplicado con pinceladas rápidas y sueltas, centrando el pintor su atención en los reflejos metálicos, obtenidos con un precioso gris plata que también destaca en las hebillas de los zapatos.

Música

Pablo Sorozábal compuso Don Manolito, un sainete madrileño escrito por Luis Fernández Sevilla y Anselmo C. Carreño, estrenado en 1943 en el Teatro Reina Victoria de Madrid.

La obra describe los amores, entre celosos y cómicos, de varios personajes extraídos de la sociedad de la época. El segundo acto comienza con un popurrí de músicas populares cantadas por el coro y presentado como ensalada madrileña. En “¡Viva Madrid!” aparecen diversas canciones, varias del Cancionero popular de la provincia de Madrid recopilado por García Matos.

Pablo Sorozábal - ¡Viva Madrid! - Don Manolito

ÁNIMAS – Emisario del otro mundo -Año X. Nº 565

Alexandre Évariste Fragonard - Don Juan y la estatua del Comendador - c. 1828  (Museo de Gasse)

Pintura

Este cuadro de Fragonard representa a Don Juan y la estatua del Comendador. Con respecto a los tres personajes, existen dos supuestos: el primero es que el personaje del suelo podría ser Ciutti, por su forma de vestir y el hecho de que está tirado a los pies de Don Juan, incorporando de nuevo al siervo como a lo largo de la historia, agotado por todos los pecados de Don Juan y espantado por el castigo que iba a recibir. El otro supuesto es que el hombre del suelo encarne al Comendador, asesinado por Don Juan en el mundo de los vivos. Se puede apreciar que la estatua presenta tonos verdes en su armadura y el hombre del suelo viste un top verde. Este color representa la vida y los ligeros tintes verdes son el reflejo del verde brillante disuelto por el tiempo y la muerte del personaje. Encarna la evidencia del crimen de nuestro personaje. En este cuadro, la estatua es la alegoría de la justicia.

Música

Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni (KV 527), es un dramma giocoso (mezcla de acción cómica y seria) en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Lorenzo da Ponte. Se estrenó en el Teatro de Praga el 29 de octubre de 1787.

La obra comienza con un crimen: Don Giovanni da muerte al Comendador, que le ha sorprendido cuando trataba de forzar la virtud de su hija. Y termina con la fatal intervención de un emisario del otro mundo: la efigie mortuoria del Comendador, invitada a cenar por un burlón Don Giovanni, y el descenso de éste a los infiernos.

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Wolfgang Amadeus Mozart - ACTO II Escena 19: Don Giovanni, a cenar teco - Don Giovanni

DOÑA FRANCISQUITA – Fandango -Año X. Nº 564

Valeriano Domínguez Bécquer - El baile, o la carreta - 1866  (El Prado, Madrid)

Pintura

Según el propio Domínguez, la escena se ambienta en el pueblo soriano de Villaciervos. Ante el tapial de una casa de leñadores que asoma a la derecha del lienzo está situada una carreta tirada por bueyes, cargada con vigas de madera recién cortadas. Terminada la faena y para celebrar el merecido descanso, dos parejas de campesinos y otra de niños bailan delante del carruaje al compás del tamboril que toca un lugareño sentado en el extremo izquierdo del cuadro, envuelto en la capa blanca típica del pueblo de Villaciervos, junto a una mujer y una niña, que se sonríe al son de la música. Otros paisanos contemplan el baile, unos subidos a la tapia y otros conversando alegremente junto a la carreta mientras contemplan risueños a los pequeños danzarines.

Música

La gran fiesta incluida por Vives en Doña Francisquita, es un non plus ultra escénico que no tiene otras consecuencias dramáticas y se realiza en el gran patio interior, pero a cielo abierto, bajo el cielo de Madrid. Quien viva en esta ciudad puede considerarse invitado. Nadie está excluido. El baile mismo prueba que allí no se desfoga tampoco ningún afán de consanguinidad patriótica ni el egoísmo.

La fiesta está en todo su apogeo. Cuando llega Don Matías y sorprende a su novia con su propio hijo se enfurece pero enseguida depone su enojo porque no puede resistirse a la atracción del baile ni a la idea de que hace mejor pareja con Doña Francisca que con su hija. Entretanto, Lorenzo ahoga la ira que Fernando le había provocado por celos, aunque no se ha dado cuenta todavía que Cardona se ha convertido en un rival más exitoso.

Amadeo Vives - No. 15 Fandango - Doña Francisquita

DOÑA FRANCISQUITA – Románticos -Año X. Nº 563

Leonardo Alenza y Nieto - Lectura en el Café de Levante - ca. 1827-45   (Lázaro Galdiano, Madrid)

Pintura

Varios caballeros, entre ellos un clérigo y un militar, se arremolinan en torno a otro más joven, que lee en voz alta la hoja de un pasquín o periódico. Debido a la naturaleza casi efímera de su destino y a su carácter esencialmente decorativo, la pintura está resuelta con una evidente simplicidad, tanto en su diseño, -atento fundamentalmente a la descripción casi caricaturesca de los personajes, situados en una escenografía desnuda, tan sólo insinuada a base de simples líneas y planos geométricos, y de una apariencia monumental impropia de un café-, como en su técnica, de una materia extremadamente delgada y fluida y una paleta casi monocroma, que le dan la apariencia de una sarga pintada a la acuarela o al temple, lo que ha llegado a distorsionar su visión, al trepar a la superficie zonas de la preparación y la propia trama de la tela. [...] No obstante, este conjunto al que pertenecen los dos lienzos, constituye un testimonio histórico verdaderamente excepcional del tipo de decoraciones que ornaban los cafés románticos, y ejemplo único de esta faceta de la personalidad artística de Alenza, por la que, a pesar de su carácter menor, fue -como se ha visto- más afamado en su tiempo.

Música

No faltó la peripecia física en forma de accidente, que sufrió el maestro días antes del estreno de Doña Francisquita y que obligó a que la instrumentación de algunos números la terminasen otros compositores, entre ellos Conrado del Campo, Turina y Pablo Luna quien se encargó nada menos que del “coro de románticos” impregnándolo quizás de lo que Vives denominó “música rubia”.

Esa misma noche, frente a la casa de Don Matías, la voz piadosa del sereno despide el día y sensitivos “románticos” con sus amigas íntimas llenan la calle con sus emotivas canciones. Lorenzo, el tabernero, golpea violentamente la puerta de Don Matías. Quiere batirse esa misma noche con Fernando por el amor de Aurora.

Amadeo Vives - No. 14 Coro de los románticos - Doña Francisquita

DOÑA FRANCISQUITA – Amor y celos -Año X. Nº 562

Casimiro Sainz - Retrato de caballero - 1875  (Colección privada)

Pintura

En estos años Sainz trabaja obras de interior, con cierto preciosismo, hacia la pintura galante, seguramente influido por uno de sus maestros, Vicente Palmaroli, que se trajo esta moda de París. Ya se advierte a un Sainz fijado en el interiorismo, en la captación de detalles. Estas obras de pequeño formato, eminentemente burguesas, presentan aún un aspecto mate, con una iluminación todavía contenida y escasamente brillante.

Música

En Doña Francisquita se mezclan tres épocas, concentradas en el escenario invariable de Madrid. En primer lugar la época de la monarquía absolutista en la que se desarrolló la comedia de Lope; en segundo lugar la época romántico-burguesa, ávida de abrirse, a la que los libretistas de Vives trasladan esa acción original y, en tercer lugar, la época misma de los autores y de su público contemporáneo, pocos años después de la Primera Guerra Mundial, en la que la sociedad burguesa de España más que vivir languidecía con metas imprecisas.

Fernando se siente cada vez más seducido por esa muchacha intrigante. Por otro lado, los celos que le provoca a la actriz esa falsa mujer que lo acompaña, que no es otro que Cardona disfrazado con ropas femeninas para el carnaval, hacen surgir a la luz su pasión por el estudiante, hasta entonces no confesada a él ni a sí misma, pero Fernando ya nada quiere saber de ella (“Por el humo se sabe”)

Amadeo Vives - No. 10 Por el humo se sabe - Doña Francisquita

DOÑA FRANCISQUITA – El alma del viejo Madrid -Año X. Nº 561

Eugenio Lucas Padilla - La ronda - c. 1865  (El Prado, Madrid)

Pintura

La influencia de los modelos goyescos en las pinturas de Lucas se refleja en la elección de los mismos temas para sus pinturas: la Inquisición, tauromaquia o temas de galantería. Todos ellos con una factura expresiva, empastada y de sorprendente audacia, sin evitar la fealdad o la caricatura. En 1855, el artista entrará en contacto con las Pinturas Negras de Goya, un hecho que explica la similitud de composición que puede haber entre el personaje central de esta pintura, un guitarrista que mientras canta eleva sus ojos al cielo, y el guitarrista de una de las Pinturas Negras de Goya titulada Romería de San Isidro. Sin embargo, en este caso no nos encontramos ante una visión fantasmagórica, a pesar de algunas de las expresiones de los personajes del grupo de la derecha, sino de una verdadera escena popular donde el músico principal va acompañado de un muchacho joven que toca la pandereta.

Música

En la gestación de Doña Francisquita tal y como hoy la conocemos abundan los sucedidos, empezando por la forma de componer de Vives que se anticipaba al libreto mediante lo que llamaban “el monstruo” que venía a ser una especie de “andamio” literario sobre el que el compositor escribía su música, andamio que luego era sustituido por el libretista. Pues bien, los primeros versos de la canción de la juventud (“Canto alegre de la juventud que eres alma del viejo Madrid”) formaban parte del “monstruo” pero con tan buen acierto que fueron respetados en el libreto definitivo.

El estudiante Fernando, en compañía de su jovial amigo Cardona, vuelve a hacer la corte con ardor a la actriz Aurora, que de nuevo lo rechaza altanera. Por otro lado, la encantadora y astuta Francisquita finge aceptar el cortejo de Don Matías, el padre de Fernando, para llegar de este modo a éste.

Amadeo Vives - No. 5 Canción de la juventud - Doña Francisquita

ALEGRES NUPCIAS – Final feliz -Año X. Nº 560

Anónimo - MEHMOONI, Pintura mural de músicos persas en el Palacio Hasht-Behesht - 1669

Pintura

El Palacio Hasht Behesht, que se encuentra en Isfahán, Irán, es una obra arquitectónica de planta octogonal, construido en 1669, en tiempos del Sha Soleiman. Su nombre significa “El Palacio de los Ocho Paraísos”. En él puede admirarse esta pintura mural que representa un banquete con música y danza. Con mirada atenta se pueden observar distintos instrumentos, entre ellos el ney (también llamado nai, nye, nay), una flauta prominente en la música del Oriente Medio. Se trata de uno de los instrumentos más simples que se puede fabricar. En la lengua persa, ney significaba caña, y en el mundo árabe el nay a veces es llamado qassaba, que significa literalmente pieza de caña.

Música

The Rose of Persia, or The Story-Teller and the Slave, (La rosa de Persia, o el contador de cuentos y la esclava) con música de Arthur Sullivan y libreto de Basil Hood, fue estrenada con enorme éxito el 29 de noviembre de 1899 en el Savoy Theatre de Londres, y hasta el 28 de junio de 1900 se dieron 220 representaciones de la misma.

La obra cuenta la historia de Hassán, un rico filántropo. Tras múltiples peripecias, el sultán ha decretado que debe haber un final feliz y toda ejecución es, por tanto, cancelada. Admite que ha sido burlado, pero ordena que Dancing Sunbeam, primera esposa de Hassan, sea devuelta a éste, lo que permite a Yussuf, el contador de cuentos, casarse con Heart's Desire, esclava de la sultana, y todo termina felizmente con una marcha nupcial.

Arthur Sullivan - Marcha nupcial - The Rose of Persia

ALEGRES NUPCIAS – Día de bodas -Año X. Nº 559

Dagnan Bouveret - Novios ante el fotógrafo - 1878-79  (Museo de Bellas Artes, Lyon)

Pintura

Bouveret estructuró todas las líneas del cuadro de modo que la mirada converja en la pareja de recién casados que posa frente al fotógrafo. Esto se ve reforzado por la presencia de la cubierta colocada encima, única fuente de luz en la imagen. Fijándonos en ellos, reconocemos algunas de las costumbres relacionadas con el matrimonio en aquel momento. Del brazo de un novio elegante, la novia viste de blanco, lo cual no era tan común como hoy, por lo que parece que se trata de una pareja que conoce los modos en boga en la capital, según confirma la presencia de las flores y la corona en su vestido. A los pies de la joven aparece un personaje difícil de identificar, que corrige los pliegues del vestido para la fotografía y que podría ser la madre de la novia. Su traje es mucho más simple, como los de la mayor parte de la comitiva, aunque porta una joya en el dedo que parece valiosa. Asimismo, se sienta en una silla, lo cual demuestra su posición. A la izquierda, la familia se representa como un grupo compacto en plena discusión. Forman una entidad, marcada por la presencia de un hombre que nos da la espalda, sentado en una silla. Podría ser el padre de uno de los novios que acompaña a la joven pareja junto con la madre. Su presencia, cercana y atenta, puede significar que se trata de un matrimonio de conveniencia: esta práctica era todavía muy común, especialmente en la clase media. Nótese también la mirada perdida del novio, lo cual podría acentuar esta idea.

Música

La boda de Luis Alonso es un sainete lírico en un acto, dividido en tres cuadros, en verso, con texto original de Javier de Burgos y Música de Gerónimo Giménez. Fue estrenada el 27 de Enero de 1897 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

El estreno significó un éxito señaladísimo. El preludio se repitió, y así casi todos los demás números, pero donde el entusiasmo llegó al máximo, con las palmas echando humo y los gritos de ¡bravo! premiando al compositor, fue en el luego famosísimo intermedio. En la obra se presenta al protagonista cuando, ya cincuentón, va a contraer matrimonio con la joven María Jesús que había tenido relaciones con un mala cabeza, Grabié, que aunque no intenta impedir la ceremonia sí la quiere estropear.

Gerónimo Giménez - Intermedio - La Boda de Luis Alonso

ALEGRES NUPCIAS – Día de tormentos, caprichos y necedad -Año X. Nº 558

John Lewis Krimmel - Boda campesina - 1820

Pintura

Krimmel representa la escena de matrimonio (en casa) de la hija de un granjero de Pennsylvania, moderadamente próspero, a finales de la década de los 1810. El vestido de la novia probablemente se utilizaría como "vestido de los domingos" en los años venideros (nótese que el dobladillo de su vestido está unos centímetros por encima del tobillo, como era costumbre para el mejor vestido de domingo de la esposa de un granjero, mientras que un vestido exclusivo de novia, que generalmente sólo usaban los ricos, probablemente sería un vestido largo o con una cola que se arrastrara). La novia luce un vestido blanco, pero los vestidos de novia eran muy comunes también en otros colores durante ese período. (El artista podría haber puesto a la novia en blanco para que fuera el centro visual natural de atención) La Dama de honor sostiene el guante derecho de la novia, que ella se ha quitado para poder agarrar la mano del novio directamente, piel con piel (algo que en ese momento se consideraría inapropiado en muchos otros contextos, pero no aquí). Simbólicos tortolitos se encuentran en una jaula, encima de la novia y el novio. Un gato se esconde en la parte superior del armario. El látigo que sostiene el niño sirve realmente para ejecutar un juego infantil.

Música

Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro) es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro. Fue compuesta entre 1785 y 1786 y estrenada en Viena el 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor.

La acción se sitúa en Sevilla alrededor de 1750. El matrimonio formado por el Conde y la Condesa Almaviva ha entrado en crisis: ella se siente abandonada, él está intentando seducir a Susana, la novia de su criado, Fígaro. Pero los dos criados, quienes finalmente se casan (bajo los sones de una brillante marcha nupcial), desbaratan todas las intrigas con ingenio y arte. Almaviva resulta completamente humillado cuando trata de conquistar a su esposa, disfrazada de Susana, en una cita amañada. Pero la generosidad de la Condesa sale victoriosa y el “Día de tormentos, caprichos y necedad” termina en reconciliación.

Wolfgang A. Mozart - Marcha nupcial - Le nozze di Figaro, opera, K. 492

ALEGRES NUPCIAS – Feliz aniversario -Año X. Nº 557

Frederick Leighton  – The Golden Hours - 1864  (Colección privada)

Pintura

Este cuadro de Leighton, una celebración de la juventud, la belleza y el amor, transporta al espectador a la Venecia del siglo XVI y al mundo de Giorgione. Esta obra es reconocida como una obra maestra fundamental del esteticismo británico, lo que permite al espectador deleitarse en su atmósfera seductora y soñar.

Música

Lyriske stykker (Piezas líricas) es una colección de 66 piezas cortas para piano escritas por Edvard Grieg. Fueron publicadas en 10 volumenes, entre 1867 (Op. 12) y 1901 (Op. 71). La colección incluye varias de las piezas más conocidas del compositor como Bryllupsdag på Troldhaugen (Fiesta nupcial en Troldhaugen) Op. 65, No. 6, compuesta en 1866 y publicada en 1897.

En realidad esta música no hace referencia a ningún festejo nupcial sino al recuerdo feliz del vigésimoquinto aniversario de boda del compositor con su esposa Nina, que celebraron en 1892 en su residencia en Troldhaugen (colina de los Trolls), llamada así por las grandes criaturas de la mitología noruega.

Edvard Grieg - Fiesta nupcial en Troldhaugen - Piezas Liricas Op 65, No. 6


Edvard Grieg - Fiesta nupcial en Troldhaugen - Piezas Liricas Op 65, No. 6 (orquestal)

HUNGRÍA – Añoranza -Año X. Nº 556

Raimundo de Madrazo - Joven con antifaz - s. XIX  (Museo de Pontevedra)

Pintura

Ejemplo característico del estilo de Raimundo de Madrazo es este óleo sobre tabla, obra de sutil y estudiada gama cromática, en la que el artista muestra un retrato de perfil de su amante y modelo preferida, Aline Masson, en un baile de disfraces, bebiendo una copa de champagne.

Música

Johann Strauss hijo compuso Die Fledermaus (El murciélago), con la colaboración de Carl Haffner y Richard Genée como libretistas. Se estrenó el 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien en Viena.

ACTO II. La Villa Orlofsky
Eisenstein, quien debería acudir a cumplir un arresto leve en prisión, se presenta en el banquete ofrecido por el príncipe Orlofsky. El doctor Falke, que ha urdido toda una trama para vengarse de una broma pesada que le gastó su amigo Eisenstein, invita a la mujer de éste, Rosalinde, quien se presenta enmascarada simulando ser una princesa húngara. La concurrencia no la cree y para probarlo canta unas csardas “Klange der Heimat” (“Sonidos de la patria”) con un fingido y forzado acento magiar.

Johann Strauss II - Nº10. Zardas. Klange der Heimat - Die Fledermaus

HUNGRÍA – El Primer Benefactor -Año X. Nº 555

Mihály Munkácsy - Asentamiento de los Magyares en Hungría - 1893  (Parlamento de Hungría)

Pintura

La tradición húngara conecta los acontecimientos de la invasión (el Honfoglalás, "la ocupación de nuestro país") con el hijo y sucesor de Álmos, el gran príncipe Árpád. El Chronicon Pictum recoge la versión más completa de la Leyenda del Caballo Blanco. De acuerdo a la leyenda, los líderes de las tribus magiares enviaron "un gran caballo con una silla de montar dorada con oro de Arabia con una rienda dorada" a Svatopluk, pidiendo a cambio suelo, hierba y agua. A Svatopluk le deleitaron los regalos y le dijo a los enviados que cogieran tanto como quisieran. Cuando el gran príncipe Árpád fue informado de la respuesta de Svatopluk, le envió de nuevo delegados con el siguiente mensaje: «Árpád, juntamente con su gente, te ordena abandonar la tierra que ha sido adquirida, porque tu tierra ha sido comprada por el caballo, tu hierba por la rienda, y tu agua por la silla. Vendiste tu tierra, hierba y agua a un precio bajo, por causa de tu avaricia.» La Gesta Hungarorum conecta los acontecimientos de la leyenda al dux Salan, un supuesto gobernante de las tierras entre el río Danubio y el Tisza, en la región meridional de la Cuenca Cárpata. En este cuadro de Munkácsy se muestra el momento en que el príncipe Arpad, a lomos de un caballo blanco, recibe un cubo de arena, un trozo de hierba y una vasija con agua del Danubio de los enviados del derrotado Salan.

Música

La música incidental para la obra de August von Kotzebue König Stephan oder Ungarns erster Wohhtäter (Rey Esteban, o el Primer Benefactor de Hungría) para Orquesta, Coro y voces solistas, op. 117 la escribió Beethoven interrumpiendo unas vacaciones que estaba disfrutando en el Balneario de Teplitz en el verano de 1811.

Escribió la obra a toda prisa para llegar a tiempo de que fuera integrada en un espectáculo del nuevo Teatro Alemán de la ciudad húngara de Pest. A pesar de todo, el estreno se pospondría hasta 1812.

Ludvig van Beethoven - Coro de mujeres - El Rey Esteban, Op.117

HUNGRÍA – La aldea sin hombres -Año X. Nº 554

Simon Hollósy - Juerga en la taberna - 1888  (Galería Nacional Húngara)

Pintura

Las pinturas de género que representan la vida en los pueblos no fueron tema de interés para Hollósy, sino tan sólo una experiencia nostálgica. Cuando se examinaban cuestiones artísticas en su escuela, había vino en la mesa lo cual recordaba el ambiente de las tabernas de los pueblos. Los protagonistas del cuadro están sentados en silencio delante del vino y tan solo breves episodios rompen la noche aparentemente tranquila. El húsar ha dejado de hablar y el joven que lleva un sombrero con flores levanta su copa para decir adiós a la ruborizada sirvienta: va a incorporarse al ejército como recluta. El violín ha dejado de tocar, la cortina de rayas y el geranio rojo responden al rojo delantal de la criada. Es quizás por estos colores por los que esta tarde nos resulta tan típicamente Húngara.

Música

Niko Dostal compuso Die ungarische Hochzeit (La boda húngara), opereta en un prólogo y tres actos con texto de Hermann Hermecke, basado en la novela “Szelistye, das Dorf ohne Männer” (“Szelistye, la aldea sin hombres”) de Kálmán Mikszáth. Se estrenó en el Württembergischen Staatstheater de Stuttgart, el 4 de febrero de 1939.

El conde Stefan ha recibido un correo de la emperatriz María Teresa para que se presente urgentemente en la ciudad de Popláka para hacer justicia, pues los colonos se han quejado de que el juez local sólo les ha ofrecido tierras y no bellas mujeres para casarse, como también era su deseo. A punto de partir el Conde se da cuenta de que en la habitación de al lado le espera una enamorada dama, por lo que ruega a su criado Arpád haga él el viaje y le represente. Frusina, la mujer del juez, al enterarse de la inspección que se avecina, se convierte en la verdadera protagonista pues se le ocurre ofrecer a los colonos las más bellas jóvenes de la localidad lo que hace muy feliz a la parroquia. A su hija Janka la quiere casar con el falso conde, pero Arpád, que ha descubierto a su amo Stefan disfrazado de campesino, se decide por la aldeana Etelka. Y Janka se enamora de Stefan (“Spiel mir das Lied von Glück und Treu”) Todas las parejas quedan muy decepcionadas cuando se descubre que los ilustres forasteros no son lo que representan. Todo se arregla con la sabia decisión de la emperatriz María Teresa que declara ilegales las bodas celebradas en Popláka, llamando al orden al juez, y permitiendo que Stefan se case con Janka y Arpád con su amada Etelka.

Niko Dostal -Spiel mir das Lied von Glück und Treu - Die ungarische Hochzeit

HUNGRÍA – Vagabundos -Año X. Nº 553

Károly Ferenczy  - En lo alto de la colina - 1901  (Galería Nacional Húngara)

Pintura

Esta escena se corresponde con la cima de Hegyi virág (la colina de la flor) en el municipio de Nagybánya, situado al noroeste de Rumanía a 70 km de la frontera con Hungría. La figura en el centro es Gyula Komjáthy (1894-1958), diseñador gráfico, pintor e ilustrador húngaro, cuyo retrato fue ejecutado posteriormente por Ferenczy.

Música

La zarzuela Alma de Dios, titulada comedia lírica de costumbres populares, con música de José Serrano sobre un texto original de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, fue estrenada el 17 de diciembre de 1907 en el Teatro Cómico de Madrid.

En el cuarto cuadro, casi al final de la obra, se presenta la escena de los húngaros vagabundos, con su oso y sus monos. Uno de los húngaros canta el número que se hizo rápidamente famoso "Canta, mendigo errante". Otra vez el húngaro canta el estribillo "Canta, vagabundo, tus miserias por el mundo" y el coro le responde.

José Serrano - Canción húngara - Alma de Dios

EMOCIONES – Presto -Año X. Nº 552

Edvard Munch - Las chicas en el puente - 1927  (Galería nacional,Oslo)

Pintura

Munch estaba casi obsesionado con esta escena, pintó diferentes versiones de la misma durante más de 30 años (la primera en 1901). La presente se considera una de las más destacadas, el pintor hizo un símil de la obra original, luego de haber experimentado con cambios en el paisaje decenas de veces.

Música

La Sinfonía nº 7 en La mayor Op. 92 de Ludwig van Beethoven fue estrenada en Viena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la Batalla de Hanau. El propio Beethoven dirigía la orquesta y estaba llena de músicos de cualidades ilustres, tales como Louis Spohr, Giacomo Meyerbeer, Johann Nepomuk Hummel, Ignaz Moscheles, Domenico Dragonetti, Andreas Romberg y Antonio Salieri.

El tercer movimiento es un scherzo que sigue la forma ternaria. Esta forma (basada en los himnos religiosos de pastores austríacos) es tocada dos veces. Esta expansión de la estructura A-B-A de la forma ternaria para convertirse en A-B-A-B-A fue bastante común en las obras de Beethoven durante este periodo, al igual que en la Sinfonía nº 4 y en el Cuarteto para cuerda nº 8.

Ludvig van Beethoven - III. Presto - Sinfonía nº 7 en La mayor Op. 92

EMOCIONES – ¿Inacabada? -Año X. Nº 551

Ford Madox Brown - Toma tu hijo - 1851-56  (Tate Gallery, Londres)

Pintura

Esta enigmática imagen muestra a la segunda esposa de Brown, Emma, y su hijo recién nacido, Arthur Gabriel. La pose es una reminiscencia de una representación tradicional de la Virgen y el Niño (el espejo forma un halo detrás de la cabeza de la madre, y el patrón del papel de la pared sugiere el cielo estrellado), pero la tensa expresión de la madre sugiere que ésta no es una celebración tradicional del matrimonio y la maternidad. Los detalles de la habitación son indicativos de una escena doméstica en la que la mujer sostiene al bebé frente a su marido cuya imagen se refleja en el espejo.

Música

La Sociedad Musical de Graz otorgó un diploma de honor a Schubert, en 1823. El compositor se sintió obligado a dedicarles una sinfonía y proporcionó a su amigo Anselm Hüttenbrenner, miembro de la sociedad, una partitura que había escrito en 1822. No se sabe qué partes de esta sinfonía había escrito Schubert, y de éstas qué entregaría a Hüttenbrenner. Existe la partitura completa de los dos primeros movimientos y las dos primeras páginas de un scherzo (el resto de este movimiento sólo para piano) De ahí que a esta Sinfonía nº 8 en si menor, D. 759 se le conozca con el nombre de Inacabada o Inconclusa, aunque nada se sabe de la verdadera intención del compositor. La obra se estrenó, con interpretación de los dos movimientos, el 17 de diciembre de 1865 en Viena.

Con ocasión del estreno de la sinfonía en 1865, el destacado crítico musical Eduard Hanslick escribió: "Cuando, después de la introducción, el clarinete y el oboe entonan una dulce melodía sobre un tranquilo murmullo de las cuerdas, cualquier niño reconoce al compositor y una medio sorprendida exclamación "Schubert" corre tarareando por la sala. Él apenas ha entrado, pero es como si usted conociera ya sus pasos, su manera de abrir la puerta... El Andante se despliega amplio y majestuoso. Sonidos de lamento o ira rara vez se encuentran en esta música llena de intimismo, felicidad sosegada, nubes de una tormenta musical que reflejan efectos musicales en lugar de pasiones peligrosas... La belleza sonora de ambos movimientos es encantadora. Con unos pocos pasajes de trompa, un ocasional clarinete o el solo de oboe, en una simple y natural forma de orquestación, Schubert consigue efectos de sonido que ningún refinamiento de instrumentación de Wagner alcanza".

Franz Schubert - Allegro moderato - Sinfonía No. 8 en si menor ('Inacabada'), D. 759

EMOCIONES – Sabor irlandés -Año X. Nº 550

Henry Brocas - Vista de  Co Down - s. XIX  (Colección privada)

Pintura

Este cuadro atribuido a Brocas representa un paisaje de County Down, uno de los seis condados situados en el norte de Irlanda, concretamente al noroeste de la isla de Irlanda, en la provincia del Ulster en el Reino Unido. En él se observan detalles típicos del paisaje como el puente sobre el río, los arbustos, el molino o el rebaño de vacas y ovejas.

Música

La Sinfonía en Mi, estrenada el 10 de marzo de 1866, fue la única sinfonía compuesta por Arthur Sullivan. Recibe el nombre de 'Irish' Symphony (Sinfonía 'irlandesa')

Sullivan comenzó a trabajar en su sinfonía en 1863, muy temprano en su carrera. Estando de vacaciones en Irlanda, escribió: "cuando estaba agitándome de camino a casa, a través del viento y la lluvia…, en un elegante coche, todo el primer movimiento de una sinfonía vino a mi mente, conteniendo un verdadero sabor irlandés, además de bosquejos de otros movimientos”. Más tarde añadiría: “Siempre quise llamarla 'Sinfonía irlandesa', pero modestamente me abstuve, para evitar comparaciones con la 'Sinfonía escocesa' Nº 3 de Mendelssohn. El título no apareció publicado hasta después de la muerte del compositor, en una edición de 1915.

Arthr Sullivan - Allegretto - Sinfonía Irlandesa

EMOCIONES – Precocidad romántica -Año X. Nº 549

Lawrence Alma-Tadema - Silver Favourites - 1903  (Manchester Art Gallery)

Pintura

Esta pintura de Alma-Tadema representa una escena en la antigua Roma. Tres mujeres aparecen en un amplio balcón de piedra: una está de pie sosteniendo una bandeja de comida con la que alimenta a los peces de un estanque, otra se encuentra tendida a lo largo del balcón, y la tercera está sentada, mirando hacia abajo, con flores a su lado. El mar azul muy oscuro contrasta con el cielo pálido del fondo. El verso en el bastidor pertenece al poema de Wordsworth "Peces de oro y plata en un estanque". Se pregunta cómo debe ser para los peces la vida en cautividad dado que no pueden disfrutar de su belleza. Las mujeres 'atrapadas' en esta pintura son admiradas por el espectador por su belleza y, al igual que los peces, parecen un poco indolentes y aburridas.

Música

La Sinfonía en Do es una obra temprana del compositor francés Georges Bizet, compuesta en 1855 y estrenada en Basilea, Suiza, el 26 de febrero de 1935. Su segundo movimiento es un Adagio.

La sinfonía fue inmediatamente aclamada como una obra maestra de juventud, a la altura de la Obertura de El sueño de una noche de verano de Felix Mendelssohn, escrita aproximadamente con la misma edad, y rápidamente se convirtió en parte del repertorio romántico.

Georges Bizet - II. Adagio - Sinfonia en Do

EMOCIONES – Naturaleza -Año X. Nº 548

Joseph Anton Koch - Paisaje con pastores y vacas - 1832-34  (Kunsthalle, Hamburgo)

Pintura

Algunos de los dibujos más importantes de paisajes alpinos de Koch, más tarde utilizados para la realización de pinturas al óleo, no fueron en su origen concebidos con este fin. Procedían en su mayoría de las excursiones de su juventud a través de Suiza. Estudió el paisaje clásico, pero ejecuta paisajes exaltados en los que, en ocasiones, introduce figuras humanas de inspiración literaria. Inspirado por la suave belleza del Lacio (los montes Albanos, Olevano), desarrolló lo que él mismo definió como paisajes heroicos: de contenido romántico en un formato neoclásico propio de un Poussin, búsqueda de la armonía entre el hombre y la naturaleza, nostalgia de la mística del tiempo pasado, resplandeciente claridad mediterránea. Relaciona los conflictos dramáticos con la naturaleza. Presenta diversos aspectos de la naturaleza: bosques, colinas, llanuras, precipicios, riachuelos y ríos.

Música

El 22 de diciembre de 1808 Beethoven dio uno de sus últimos conciertos en vivo, en una larga jornada que incluyó el estreno de las Sinfonías Quinta en do menor Opus 67 y Sexta en fa mayor, Opus 68. Originalmente esta última carecía de subtítulo. Es en 1826 cuando el compositor escribe el nombre: Sinfonía pastoral. Recuerdos de la vida campestre. Su primer movimiento lleva por título: "Erwachen heiterer Empfindungen bei der Ankunft auf dem Lande" ("Despertar de alegres sentimientos con la llegada al campo") Allegro ma non troppo.

Beethoven compuso simultáneamente sus Sinfonías Quinta y Sexta. Es difícil imaginar dos obras tan distintas: toda la fuerza y violencia de la Quinta se convierten en dulzura y lirismo en la Sexta, cuyos movimientos evocan escenas campestres. Es el mayor tributo dado por Beethoven a una de sus grandes fuentes de inspiración: la naturaleza. Sólo un genio como él pudo ser capaz de componer algo así inmerso en el periodo de su vida que sigue a la crisis personal provocada por su creciente sordera.

Ludvig van Beethoven - I. Movimiento - Sinfonía no. 6 in Fa mayor 'pastoral'

VIDA DE ARTISTA – Johann Wolfgang von Goethe -Año X. Nº 547

Johann Tischbein - Goethe en el campo - 1787  (Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt)

Pintura

Tischbein conoció a Goethe en 1786 y le acompañó a Roma al año siguiente. La elegancia de este Goethe recostado entre ruinas clásicas, sobre el fondo lejano de la campiña romana, muestra lo mejor del artista y la amistad surgida con el insigne escritor alemán.

Música

Friederike es un singspiel en tres actos, con música de Franz Lehar y textos de Ludwig Herzer y Fritz Beda-Löhner, estrenado el 4 de octubre de 1928 en el Metropol-Theater de Berlín. Cuenta la improbable historia de cómo el joven poeta alemán Goethe había besado a una muchacha francesa quien lanzó un hechizo que embrujaría a la muchacha que le besara después que ella.

Goethe no cabe en sí de alegría. Su futuro está asegurado, si acepta el puesto que le ofrecen en Weimar, y la más bella de las mujeres del mundo le ama. Canta sobre su amor de la forma más apasionada: “O Mädchen, mein Mädchen!” (“¡Maravillosa muchacha, cómo te amo!”) Mientras tanto Friederike reflexiona a solas y exterioriza su frustración porque sabe que no debe interferir la carrera de su amado y tiene que renunciar a él: “Warum hast du mich wachgeküsst?” (“¿Por qué has abierto mis ojos con un beso?”)

Franz Lehar - O Mädchen, mein Mädchen - Friederike

Franz Lehar - Warum hast du mich wachgeküsst - Friederike

VIDA DE ARTISTA – Johann Strauss II -Año X. Nº 546

Franz von Lenbach - Johann Strauss II - 1895

Pintura

Este retrato representa al compositor en la cúspide de su fama, apenas cuatro años antes de su muerte. Es un bosquejo inacabado de las sesiones en las que Strauss posó para Lenbach cuando trabajaba en su retrato. El cuadro acabado [en paradero desconocido] muestra al modelo en una silla y se ilustra con una partitura musical. No se sabe por qué fue abandonado, pero, aún inacabado, nos brinda una visión de la técnica de trabajo de Lenbach, con vigorosas pinceladas sobre un bosquejo más finamente dibujado.

Música

Walzer aus Wien (Valses de Viena) es un singspiel pasticcio en tres actos, con libreto de Alfred Maria Willner, Heinz Reichert y Ernst Marischka; y música de Johann Strauss (padre e hijo), arreglada por Erich Wolfgang Korngold y Julio Bittner. Fue estrenado en el Stadttheater de Viena, el 30 de octubre de 1930. El libreto fue traducido al francés por André Mouézy-Eon y Jean Marietti, y comenzó a representarse, bajo el título Valses de Vienne, en el Théâtre de la Porte Saint-Martin de París, el 21 de diciembre de 1933.

La acción tiene lugar en Viena, alrededor de 1845, y relata la rivalidad entre los Strauss, padre e hijo, y el amor de la joven Resi por Strauss hijo. Al final, con la ayuda de una condesa rusa, padre e hijo se reconcilian y el amor triunfa.

Mouezy-Eon - Le beau Danube bleu - Valses de Vienne


Mouezy-Eon - Tout est soleil, tout est printemps - Valses de Vienne