TORMENTAS – Huyendo de la tormenta -Año XV. Nº 875

Ivan Aivazovsky - Tormenta en el Cabo Aya - 1875  (Museo estatal ruso, San Petersburgo)

 

Pintura

Aivazovsky solía representar tanto las aguas marinas tranquilas como los elementos furiosos. El cabo Aya, oculto entre Laspa y la bahía de Balaklava, limita con la costa sur de Crimea desde el oeste. Sus laderas de acantilados escarpados sobre el mar es donde el pintor dispone la trama de su pintura. El artista representa un barco en apuros en las costas rocosas. En primer plano, un bote lleno de gente, abrumado por olas espumosas que lo llevan hacia las piedras. Los propios espectadores parecen estar atrapados por las olas tormentosas, desde las cima de las cuales cae la frío agua-polvo. En una niebla húmeda se disuelven las nubes, colgando sobre el mar embravecido. Tanto las rocas como las olas y el bote en primer plano están iluminados. Y la luz da la esperanza de que la tormenta desaparezca, y los protagonistas se salvarán. Para el lienzo, Aivazovsky utilizó una gama de colores restringida, que permite transmitir la intensidad realista del aire y el espacio marino.

Música

La partitura de Otelo, ópera de Giuseppe Verdi y libreto de Arrigo Boito, estrenada en el Teatro alla Scala de Milán, el 5 de febrero de 1887, es extremadamente dramática y compleja. El telón se levanta para dejar ver una tremenda tormenta, y la entrada de Otelo, quien, en menos de un minuto, establece el tono para su papel dramático.

ACTO I - Enfrente del castillo, cerca de la bahía
En una noche tormentosa, el pueblo de Chipre espera ansioso la llegada del nuevo gobernador, Otelo, de la batalla con los turcos ("Una vela!" / "¡Una vela!"). Otelo llega sano y salvo y anuncia que la flota turca ha sido destruida, y los chipriotas se alegran ("Esultate! L’orgoglio musulmano sepolto è in mar" / "¡Alegráos! El orgullo musulmán está sepultado en el mar")

Giuseppe Verdi - "Una vela!" - Otelo

MARGARITA – Nadie como yo -Año XV. Nº 874

John Singer Sargent - Madame X - 1884  (The Met, Nueva York)

 

Pintura

Virginie Amélie Avegno Gautreau, una dama de la alta sociedad parisina nacida en Luisiana, era conocida por su sofisticada apariencia. Con ánimo de cimentar su reputación, Sargent decidió pintar y exponer el retrato de Virginie, sin encargo en firme pero con su complicidad. Sugirió el talante audaz de la dama al pintarla con un tirante del vestido resbalándole del hombro. El retrato fue exhibido en el Salón de París de 1884 y en vez de recibir alabanzas fue ridiculizado. Tras semejante fracaso, Sargent rectificó la posición del tirante y conservó el cuadro. Cuando lo vendió al Metropolitan, comentó: «Creo que es lo mejor que he hecho», pero pidió que el Museo no revelara el nombre de la modelo.

Música

Die blaue Mazur, opereta en tres actos y un intermedio, compuesta por Franz Lehar, con libreto de Leo Stein y Béla Jenbach, fue estrenada en el vienés Theater an der Wien, el 28 de mayo de 1920.

Gretl Aigner irrumpe, como siempre, de forma inesperada, y canta a la concurrencia la canción bailable “¡antes de que nadie pueda ver mi pequeño pie, todo el mundo gritará de alegría: Gretl!”.

Franz Lehar - No. 12 Tanzlied - Die Blaue Mazur

TORMENTAS – ¡Qué bello es el mundo! -Año XV. Nº 873

Albert Bierstadt -Tormenta en los Alpes - c. 1856  (Colección privada)

 

Pintura

Bierstadt comenzó a pintar de manera autodidacta y en 1853 decidió volver a Europa para dar comienzo a su formación en la Kunstakademie de Düsseldorf. Allí tomó contacto con otros pintores norteamericanos como Emanuel Leutze y Worthington Whittredge. Con Whittredge viajó por tierras alemanas, suizas e italianas y tomó gran cantidad de apuntes para realizar en su estudio, a su vuelta a los Estados Unidos, obras al óleo de grandes dimensiones. Las grandes dimensiones de sus lienzos caracterizaron especialmente sus trabajos.

Música

Schön ist die Welt (Bello es el mundo), revisión de Endlich Allein (1914), un trabajo anterior de Franz Lehár, es una de las seis operetas que escribió específicamente para el tenor Richard Tauber. El libreto fue escrito por Ludwig Herzer y Fritz Löhner. La obra se estrenó en el Metropol-Theater, Berlín, el 3 de diciembre de 1930.

ACTO II
La princesa Elizabeth y el príncipe George, prometidos en matrimonio por cuestiones dinásticas sin que ellos se conozcan, hacen un alto en su excursión por la montaña, en los Alpes, para disfrutar de la naturaleza. ¡Qué hermoso es el mundo por encima de los valles! Cuando los caminantes descansan delante de un refugio, escuchan en la radio un aviso público para ayudar en la búsqueda de la princesa desaparecida. Recientemente, había sido vista por un habitante de la zona en compañía de un joven desconocido. Elisabeth quiere regresar al valle de inmediato, pero un cambio repentino en el clima hace fracasar el plan. Lo quieran o no, la pareja debe pasar la noche en las montañas. Aprovechan la ocasión, tanto para acercarse como para confesar su amor.

Franz Lehar - No. 11 Final acto II -Schön ist die Welt

TORMENTAS – El canto de las ondinas -Año XV. Nº 872

 

John Singer Sargent - Violeta durmiendo - c. 1908  (Brooklyn Museum, Nueva York)

Pintura

En esta pintura de su querida hermana Violet, Sargent usó trazos de un débil grafito para bloquear ligeramente la figura reclinada y el soporte sobre el que descansan su cabeza y su brazo. Después de aplicar lavados de acuarela y reflejos blancos opacos, dibujó con lápiz sobre la pintura para delinear los pliegues y las mangas de la blusa de Violet. Sus ojos, orejas, nariz, labios, barbilla y manos también están definidos por marcas de lápiz sobre la acuarela.

Música

Zigeunerliebe (Amor gitano), es una opereta romántica en tres actos con música de Franz Lehar y libreto de Alfred Maria Willner y Robert Bondanzky, que se estrenó en el Carl Theater de Viena, el 8 de enero de 1910

Lehar musicaliza manifiestamente las tensiones sacadas a la luz entre la algarabía de la fiesta y las sensaciones interiores de la solitaria Zorika que es transportada por el canto de las ondinas del rio Czerna a las regiones del sueño. Aun cuando aquí cae perceptiblemente en la estela armónica de las Hijas del Rín de Wagner, así como de los remansos del Moldava de Smetana y la de Rusalka, la ninfa acuática de Dvorak, siempre encuentra el camino de retorno al vivo lenguaje que caracteriza su música.

Franz Lehar - Introducción y entrada de Zorika - Zigeunerliebe

ÁNIMAS – Elegía -Año XV. Nº 871

William Adolphe-Bouguereau - Elegía (Douleur d'amour) - 1899  (Colección Privada)

 

Pintura

Una elegía es una composición poética que pertenece al género lírico. Este subgénero está asociado al lamento por la muerte de un ser querido o a cualquier acontecimiento que provoca dolor y tristeza. En este caso Bouguereau está haciendo referencia a la pena de amor en un retrato de aspecto fotográfico, un desnudo tímidamente erótico, bello prototipo del dominio de las técnicas pictóricas academicistas y de las claves sociales de la hipocresía burguesa.

Música

Sergei Rachmaninov compuso, en el año 1892, cinco piezas para piano que publicó con el título de Morceaux de fantaisie, Op.3.

Estas cinco piezas, que no están pensadas para ser interpretadas como un grupo, representan un paso adelante hacia el estilo maduro de Rachmaninov. La primera de ellas, “Elégie” en mi bemol menor, es una obra épica y trágica, con melodías arrebatadoras, un impresionante clímax, y una refinada atmósfera melancólica.

Sergei Rachmaninov - Elegie op. 3 No. 1

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – La Verbena de San Lorenzo -Año XV. Nº 870

Francisco Pons Arnau - Verbena - 1915 

 

Pintura

Aparte del retrato, Pons cultivó el paisaje y los cuadros de flores y sobre todo el costumbrismo como en este cuadro. Su pintura tiene muchos recuerdos de la de su maestro Sorolla pero le falta su explosión colorista; su pintura es más sobria u severa tanto en el trazo como en el color. Si comparamos una temática parecida entre el maestro y el discípulo observaremos ese diferente tratamiento del color, pero en cambio amplias concomitancias de estilo en el conjunto del cuadro.

Música

Camile Saint-Saëns gustaba de asistir a las zarzuelitas de Chueca y éste, en una ocasión, le regaló un ejemplar de la partitura de una de ellas, De Madrid a Paris (en la que se cantaba aquello de “A mi me llaman la Pelos, a mi la de Lavapiés”) No quiso el gran músico el obsequio, seguramente para no “contaminarse” con algo hecho sin la disciplina debida, pero, cuando echaba a la estufa la partitura, volvió a cantar la picaresca melodía para terminar diciendo “Qué clase de talento tiene este demonio de compositor que, casi sin saber música, la crea de tal fuerza que no se la puede olvidar cuando una vez se la oye”. Agua, azucarillos y aguardiente, pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca, fue estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897.

De repente la madre despierta y se van como es habitual al Paseo de Recoletos. Serafín cae en un profundo y verdadero sueño, ya que realmente fue él quien finalmente ingirió el somnífero. Asia, desengañada, está dispuesta a volver a Valdepatata. A medianoche Pepa y Lorenzo, con Manuela y Vicente, acuden al baile de la Verbena de San Lorenzo, mientras que a Serafín, que sigue durmiendo, pierde su ropa y su cartera a manos de Garibaldi, un raterillo del barrio que se gana la vida tocando la lira. Despojado de todo cuanto contribuía a darle encanto, cae en manos de la policía que lo detiene, tomándole por un rufián, pese a sus protestas.

Federico Chueca - Final - Agua, azucarillos y aguardiente

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – Intriga "soporífera" -Año XV. Nº 869

Elsi Gumier - Goyesca - c. 1950

 

Pintura

Dentro de los trajes regionales en Madrid distinguimos principalmente tres: el traje goyesco, el traje castellano y el traje de chulapo (especialmente el femenino, el traje de chulapa) El traje goyesco, que representa Gumier en este dibujo, fue adoptado durante los siglos XVIII y XIX por las clases altas en un intento de simular la vestimenta popular para así aparentar austeridad tras la Revolución Francesa. En el caso de las mujeres destacan sus corpiños ajustados y escotados cubiertos por ricos pañuelos y el mandil de sus faldas. Al fondo, representación de la Puerta de Alcalá.

Música

Agua, azucarillos y aguardiente, pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca, fue estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897. Se lee en el Diccionario Espasa que no eran las composiciones de Chueca la más depurada expresión del espíritu nacional, en el sentido que en todas partes se da a la música popular. Eran más bien la inspiración de una musa callejera, bastante artificial, que venía a ser como los couplets en Francia, con el mismo descoco, la misma alegría y la misma facilidad que aquellos, que pronto se convertían en música para los organillos callejeros, para los cafés y, en general, para el pueblo. Fue más que un músico español comprensivo para toda España, un madrileño que improvisaba sus canciones, sin grandes conocimientos de técnica pero dotado de extraordinaria facilidad y exquisita sencillez.

Serafín ofrece dinero a Pepa, que regenta un quiosco de aguadora, para que le eche un somnífero a la madre de Asia, pero ésta se niega. Lorenzo, compañero de Pepa la convence para que lo haga. Pepa se enfrenta a Manuela, una aguadora sin puesto, que en la actualidad está emparejada con Vicente, un torero, antiguo novio de la propia Pepa. Vicente y Lorenzo no parecen tener tanta enemistad como Pepa y Manuela, y pactan que hacer con el dinero de Serafín. Llegan Asia y su madre para pedir dinero a Serafín para pagar la renta, la madre cae en aparente sopor y Serafín promete el cielo a Asia (Vals-cuarteto: "¿Está dormida?").

Federico Chueca - Vals-cuarteto: "¿Está dormida?" - Agua, azucarillos y aguardiente

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – El reflejo de la calle -Año XV. Nº 868

Manuel de la Cruz Vázquez - La Feria de Madrid en la Plaza de la Cebada - 1770-80  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Inspirándose en los sainetes de su tío, el escritor don Ramón de la Cruz, el artista realizó una serie de escenas callejeras, entre ellas ésta. Se trata de una composición en la que de la Cruz caracteriza con acierto el ambiente bullicioso del pueblo, sus vendedores, mercaderes y paseantes. Tras la fuente de la Abundancia se observa la iglesia de Santa María de Gracia y, al fondo, la Colegiata de San Isidro. La plaza de la Cebada es un espacio urbano castizo y popular del La Latina de la ciudad de Madrid (España), en el que se encuentra el renovado Mercado de la Cebada, de la calle de Toledo. La etimología del nombre de la plaza se debe a la calle cercana homónima en la que se separaba la cebada cribando la destinada al forraje de los caballos del rey y de la que se aprovisionaba a los regimientos de caballería. El 19 de junio de 1622 se la acondicionó como un jardín público con motivo de las celebraciones de San Isidro. En la plaza se celebraron durante el siglo XVIII las denominadas Ferias de Madrid.

Música

Las pretensiones de los autores de Agua, azucarillos y aguardiente, pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca, estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897, eran modestas, de ahí la denominación de “pasillo veraniego” pero obtuvo un éxito de los más memorables de la historia del género. Pese a que fue concebida como una obra para ese verano, para estar en cartel sólo unas semanas, alcanzó las doscientas representaciones seguidas. Desde entonces ha formado parte de la trilogía del madrileñismo junto a La verbena de la Paloma y La Revoltosa.

Un grupo de barquilleros revelan sus eróticos secretos comerciales de forma ágil, con clara dicción y en voz alta, si bien haciendo pantalla con la mano, pues sólo están destinados al oído del público. El ingenio con que estos mozos proveen de sus productos a la clientela femenina, no consiste sólo en lograr una activa venta de dulces, es a la vez un ingenio de la farsa local. Pues las que se acercan tan atrevidas a las golosas señoritas con su canto son voces femeninas que brotan de un grupo de roles masculinos colectivos con la desfachatez de los muchachos de calle.

Federico Chueca - Coro de barquilleros - Agua, azucarillos y aguardiente

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – Sufrida clase media -Año XV. Nº 867

Louis Uhl - Niñeras en el parque - 1889  (Museo de Viena)

 

Pintura

Aficionado a las escenas de género, Uhl representa una escena, situada en un parque vienés, en la que se aprecia la conversación, y también el flirteo, entre niñeras y militares con vistosos uniformes. Pueden verse también a los niños jugando, distraídos, mientras sus niñeras se ocupan en otros menesteres.

Música

En Agua, azucarillos y aguardiente, pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca, estrenado en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897, se citan otras calles, como la Ribera de Curtidores, el Prao, la Plaza de Colón, Lavapiés, Las Vistillas, la Puerta de Alcalá, la Cebá. Y aparecen personajes y situaciones del Madrid de la época: aguadores y aguadoras, cigarreras, chulapos y chulapas, manolos y manolas, castañeras, barquilleros, el olor a churros calientes y la limonada en los barreños de barro cocido, niñas jugando al corro mientras las niñeras coquetean con los soldados, etc. Es decir, el Madrid castizo del chotis, el pasodoble y el organillo.

Atanasia (Asia), una muchacha simpática pero extravagante, se siente poetisa. Con su madre, doña Simona, dejó la provincia para mudarse a Madrid, el paraíso de la cultura, donde llevan una vida más bien miserable. Una carta del tío les aconseja regresar al pueblo (Valdepatata), donde el primo está loco por casarse con Asia. Pero ésta sueña con Serafín, hijo de un exministro. Asia, es bien retratada en los primeros versos de las seguidillas cantadas por las niñas “tanto vestido nuevo, tanta parola y el puchero en la lumbre con agua sola” que describe la situación de gran parte de la sufrida clase media de entonces.

Federico Chueca - Coro de niñeras - Agua, azucarillos y aguardiente

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE – Pregón comercial -Año XV. Nº 866

Francisco de Goya - La ermita de San Isidro el día de la fiesta - 1788  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

La escena representada por Goya transcurre el día de la fiesta de San Isidro en los alrededores de su ermita madrileña, donde se congregaban numerosas personas para beber el agua de la fuente milagrosa que el santo había hecho brotar allí. En primer término, un majo trae el agua a un grupo de majas sentadas en el suelo, mientras que, al fondo, la muchedumbre hace cola para acceder a la fuente, distinguiéndose a la derecha a dos guardias de corps, lo que podría significar la presencia de algún miembro de la familia real entre los asistentes. De expresiva pincelada, es magistral en su estudio de las luces, además de revelar la capacidad de observación del artista.

Música

Agua, azucarillos y aguardiente, es un pasillo veraniego en un acto (género chico) con libreto de Miguel Ramos Carrión y la música de Federico Chueca. Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897.

Al final del breve preludio orquestal, una áspera voz de mujer ofrece: ¡Agua, azucarillos y aguardiente! Es el título de la obra, para el público madrileño inconfundible pregón de las vendedoras de agua y de los quiosqueros que expenden dulces y licor en los parques de diversión de Madrid. Refleja a la clase media empobrecida en contacto con las clases más humildes. Y se desarrolla en las proximidades de la Verbena de San Lorenzo, el 9 de agosto, en el paseo de Recoletos.

Federico Chueca - Preludio - Agua, azucarillos y aguardiente

EQUILIBRIO DE GÉNERO – Si las mujeres mandasen… -Año XV. Nº 865

Maurice Prendergast - Otoño - c. 1918-23  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

En este cuadro, sólo la tonalidad rojiza de las hojas de los árboles y la lejana costa que se ve al otro lado de la superficie del agua indican la estación. Su formato compositivo, frecuentemente utilizado por Prendergast, muestra un paisaje construido a base de anchas franjas horizontales sobre las que teje un motivo rítmico de acentos verticales. En la mitad inferior del cuadro un friso arcádico de figuras femeninas en pie, anclado por dos figuras sentadas en el centro, recorre toda la superficie. El pronunciado énfasis de los espacios negativos entre los árboles, creados al repintar con tonos más claros las oscuras formas de sus hojas, se fusiona con la superficie clara del agua, que a su vez está pintada sobre una tonalidad más oscura. Los colores de los vestidos de las figuras repiten los de las hojas otoñales.

Música

Gigantes y Cabezudos es una zarzuela en un acto y tres cuadros, escrita por Miguel Echegaray y Eizaguirre y musicalmente compuesta por el maestro Manuel Fernández Caballero. Fue estrenada en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, el 29 de noviembre de 1898 con gran éxito.

La obra es un canto a la bravura aragonesa, una apoteosis de la jota que resplandece en el tercer número “Si las mujeres mandasen”, con las mujeres atrincheradas entre sus carros de venta y asegurando que si ellas mandaran otra cosa sería el mundo.

Manuel Fernández Caballero - Jota - Gigantes y cabezudos

EQUILIBRIO DE GÉNERO – ¡Qué difícil es entender a las mujeres! -Año XV. Nº 864

Guy Pene Du Bois - Calle 42 - 1945  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

La Calle 42 (42nd Street) es una de las calles de negocios más animadas de Manhattan central, en la ciudad de Nueva York. Tiene una longitud de unos 3,5 kilómetros y atraviesa toda la isla desde el East River hasta el río Hudson. Es el centro del Distrito del Teatro de Nueva York. Pero cuando lo piensas, la calle 42 no es sólo el epicentro del espectáculo, sino también un bulevar de nobles ambiciones.

Música

Die Lustige Witwe (La viuda alegre) es una opereta en tres actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905.

La historia sobre una rica viuda, y el intento de sus paisanos de mantener su dinero en el principado encontrándole un buen marido. En cierto momento los hombres ironizan sobre lo difícil que es entender a las mujeres (“Ja, das Studium der Weiber ist schwer”)

Franz Lehar - Nº9 “Ja, das Studium der Weiber ist schwer” - Die lustige Witwe

EQUILIBRIO DE GÉNERO – No luches contra las mujeres -Año XV. Nº 863

José de Ribera - Combate de mujeres - 1636  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Esta obra de Ribera representa la escena final de un encuentro brutal entre dos luchadoras. La mujer de la derecha tiene la superioridad sobre su oponente, que ha caído herida en tierra, y está a punto de darle el golpe de gracia. Detrás de ellas, a la izquierda, un militar romano observa apoyado, en una alabarda, mientras que tras el muro de la arena soldados y civiles asisten al espectáculo. La composición está enmarcada por las lanzas dispuestas en diagonal que parecen poner de relieve el carácter militar de la escena.

Música

Der Vogelhändler (El pajarero) es una opereta en tres actos con música de Carl Zeller y libreto de Moritz West y Ludwig Held basado en “Ce que deviennent les roses” de Varin y Biéville. Se estrenó el 10 de enero de 1891 en el Theater an der Wien de Viena.

El pajarero es una comedia bucólica, ambientada en Renania, presentando a dos amantes, Adam, un guapo pajarero del Tirol y Christel, la dueña de la oficina de correos local. Ellos, con propósitos encontrados, se ven involucrados en complicaciones románticas en la corte del príncipe reinante. Después de una serie de intrigas y confusiones, todo acaba felizmente. Christel, que no es nada rencorosa, perdona a los hombres con divertida suficiencia (“Kämpfe nie mit Frau'n” – “Nunca pelees con las mujeres/pues fácilmente saldrás vencido/no sólo basta el coraje/también hay que ser astuto”)

Carl Zeller - No.16 Kampfe nie mit Frau'n - Der Vogelhändler

EQUILIBRIO DE GÉNERO – ¿Hacen todas lo mismo? -Año XV. Nº 862

John Sloan - Surtidor en Madison Square - 1907  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

El artista pasaba varias horas al día paseando por el bajo Manhattan, observando las escenas a su alrededor y, según se desprende de su diario, el surtidor de Madison Square era un motivo que le cautivaba de forma especial. Un año antes de pintar Surtidor en Madison Square ya hablaba de esta fuente en su diario: «El surtidor de Madison Square con hombres y mujeres que no le quitan ojo y en algunos casos sienten su hechizo sensual». En esta obra, de factura fluida y grueso empaste, que combina el fervor por el arte realista y la adopción de la nueva pintura venida de Francia, Sloan sigue las enseñanzas de Robert Henri.

Música

Le nozze di Figaro (Las bodas de Fígaro) es una ópera bufa en cuatro actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais, Le mariage de Figaro. Fue compuesta entre 1785 y 1786 y estrenada en Viena el 1 de mayo de 1786 bajo la dirección del mismo compositor.

ACTO I
Aparece el paje Cherubino, quien está huyendo del Conde de Almaviva, el cual quiere castigarlo por haber hallado al paje con una de sus vasallas favoritas, Barbarina, y es perseguido por Don Basilio. Le cuenta a Susanna su confusión amorosa. Entra el Conde de Almaviva, quien le da una moneda a Susanna pero luego escuchan una voz que es Don Basilio, el maestro de música, quien enreda la situación al revelar que el Paje mira a la Condesa en una forma especial. El conde de Almaviva, que se había escondido, sale enfurecido, y decide desterrar a Cherubino (Trío: Cosa sento!). El Conde de Almaviva explica lo de Barbarina y el paje, y al mostrar cómo lo encontró, lo descubre ahora escondido en la cama que les dio el Conde de Almaviva a Susanna y a Figaro. El Conde de Almaviva le dice a Don Basilio que avise a Fígaro, pero Susanna amenaza con mostrar la moneda de oro que el conde de Almaviva le dio en su oferta amorosa y entonces el Conde de Almaviva le dice a don Basilio que no vaya.

Wolfgang A. Mozart - No.7 Terzetto 'Cosa sento, tosto andante' - Le nozze di Figaro, opera, K. 492

EQUILIBRIO DE GÉNERO – ¿Los hombres son todos iguales? -Año XV. Nº 861

Edvard Munch - Encuentro en el espacio - 1899  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

El hecho de que el «encuentro» que pinta Munch sea de naturaleza sexual se pone de manifiesto por la presencia de espermatozoides alrededor de las dos figuras. Su carácter cósmico queda subrayado no sólo por el título sino también por el denso negro del espacio vacío sobre el que se sitúan las figuras flotantes, femenina y masculina. La xilografía se ha ejecutado a partir de un solo bloque, cortado en tres partes y entintado por separado: la mujer (en este caso en verde azulado), el hombre (rojo ladrillo) y el fondo (negro). Las líneas que delimitan las formas recortadas son una réplica de las cadenas de espermatozoides blancos que flotan en el vacío y, al mismo tiempo, subrayan el aislamiento de las figuras entre sí. Desde un punto de vista psicológico, su posición es crucial. Como sucede tantas veces en la obra de Munch, la mujer es aquí la fuerza dominante, que se mueve con decisión hacia delante y hacia arriba. En comparación con ella, el macho tiene un aspecto abyecto, abatido, incapaz de actuar.

Música

Coups de roulis (Fuerte cabeceo) fue la última obra completa de Andre Messager, pues murió durante sus primeras representaciones. El libreto de esta opereta en tres actos se debe a Albert Willemetz y fue estrenada en el Thêàtre Marigny, el 28 de septiembre de 1928.

La trama lleva a los personajes al mar, a bordo de un buque de guerra, donde los oficiales se ven involucrados con la hija de un político y el propio estadista con una aventurera egipcia. En “Les hommes sont bien tous les mêmes”, Béatrice, cogida entre dos admiradores, cae en el viejo tópico: “Los hombres son todos iguales”.

Andre Messager - Les hommes sont biens tous les mêmes - Coups de roulis

LA REVOLTOSA – Cosas de la corrala -Año XV. Nº 860

Eduardo Vicente - Corrala - 1940

 

Pintura

Lo que más le gustaba a Vicente era observar y mirar a la gente, en los barrios de Madrid o de Nueva York. Recoge un Madrid de la posguerra y los años cincuenta que ha desaparecido. Pero más allá de esta crónica de la vida de la calle, su pintura celebra la intimidad, la intimidad lírica de sus rotundas figuras femeninas. Por ejemplo, en esta escena en la que aparecen como protagonistas unas mujeres lavando y tendiendo la ropa en una corrala. Las corralas son también conocidas como “viviendas de corredor” por el corredor o pasillo con el que cuentan. Las viviendas se distribuyen en varias plantas y las exteriores se asoman al patio central, verdadero centro neurológico y testigo de la vida de la comunidad de vecinos allí instalada. Si existe en Madrid una construcción con idiosincrasia e identidad propia, esa es la corrala. Las corralas son el máximo exponente de la arquitectura popular madrileña, construidas desde el siglo XVI hasta bien entrado el siglo XIX.

Música

El número final de La Revoltosa, zarzuela de Ruperto Chapí, estrenada en el teatro Apolo, el 25 de noviembre de 1897, configurado por varias escenas cómicas, es uno de los más brillantes ejemplos de literatura cómico musical. Chapí retorna la lección rossiniana de igual modo que había hecho Verdi con Falstaff. Una rítmica vertiginosa, que incluso parece desbordar a los personajes, adaptada a las posibilidades armónicas e instrumentales de finales del siglo XIX. Hasta la inclusión de algunos momentos líricos obedecen a la ley del contraste dramático que favorece la comicidad de la escena. El final es un añadido orquestal, retomando el tema original del comienzo, tal y como era habitual en el género lírico.

Apenas se retiran a sus casas, una horda de muchachos bullangueros rumorea frente a la puerta de la joven. Lo hacen por encargo de las vecinas para dañar el buen nombre de Mari Pepa. La revoltosa se asoma, completamente confundida por ese tumulto en medio de la oscuridad. Felipe acude e interviene tan irritado por los celos que la cosa amenaza acabar en una reyerta sangrienta. Finalmente, a la luz, las promotoras de la pesada broma aclaran la situación. Ya logrado su objeto, Mari Pepa se vuelve más prudente y la fiesta puede comenzar.

Ruperto Chapí - Escena final - La Revoltosa

LA REVOLTOSA – Flirteo castizo -Año XV. Nº 859

Elsi Gumier - Pareja de madrileños - c. 1950

 

Pintura

Dibujo de una pareja vestidos con los trajes regionales madrileños. Al fondo, representación de la ermita de San Isidro. El traje regional de las chulapas está formado por un vestido de tela de algodón muy ceñido con volantes en los bajos generalmente de color blanco con topos u otras figuras como rombos decorándolo. Este diseño va acompañado por complementos tales como un mantón de Manila cubriendo los hombros y un pañuelo blanco sobre el pelo recogido y un rojo clavel. Las chulapas suelen llevar zapatos negros de tacón o alpargatas de esparto. Los chulapos llevan unos pantalones ajustados de color oscuro: gris, negro, etc. que reciben el nombre de alares junto con una camisa blanca, la limpia; que se complementa con un chaleco del mismo tipo de color que los pantalones con un clavel en la solapa. También llevan como complemento un pañuelo blanco atado al cuello que es conocido como safo y una boina de colores grisáceos llamada parpusa. Como calzado, suelen usarse zapatos negros, tradicionalmente de charol que recibían el nombre de calcos.

Música

La turbulenta acción de La Revoltosa, zarzuela de Ruperto Chapí, estrenada en el teatro Apolo, el 25 de noviembre de 1897, toma dos modelos teatrales acreditados para transformarlos caprichosamente: la idea de Shakespeare de la fierecilla domada que Chapí ya había asimilado en Las Bravías, y el conglobado torbellino del vecindario ávido de discordia de Goldoni. Así, la actitud de Mari Pepa, bella mujer algo casquivana y coqueta, que tiene revueltos a los varones moradores de la vecindad y en pie de guerra a sus esposas y novias, produce indignación y celos en el joven formal que la corteja, Felipe, a pesar de que la única intención de ella es sentirse admirada y hacer sufrir al que dice que la quiere, poniendo así a prueba su cariño.

Frente a una taberna, con ocasión de una verbena, los celos enfurecen a Mari Pepa cuando ve salir de allí a Felipe con algunas muchachas. Los vecinos se burlan y atizan su ira, decididos a domar definitivamente a la revoltosa. De nuevo, en el patio interior engalanado para la verbena de esa noche, Mari Pepa y Felipe confirman su amor (Dúo)

Ruperto Chapí - Dúo - La Revoltosa

LA REVOLTOSA – Artes de mujer -Año XV. Nº 858

Rafael Romero Barros - Maja - ca. 1865-70  (Museo de Bellas Artes, Córdoba)

 

Pintura

Ejemplo típico del género costumbrista en Romero Barros es esta obra que tiene el rostro de Rosario de Torres - su mujer - como protagonista y el paisaje serrano cordobés del Santuario de Nuestra Señora de Linares como fondo.

Música

El libreto de José López Silva y Carlos Fernández Shaw para La Revoltosa, zarzuela de Ruperto Chapí, estrenada en el teatro Apolo, el 25 de noviembre de 1897, plasma el costumbrismo español, pero haciéndolo más localista, más madrileño, y la música se acopla de manera perfecta, no sólo en sus cúspides (como el preludio, las guajiras y el dúo), sino en el resto, en donde la música es cómplice y “lleva” a los actores/cantantes, en un ejemplo de lo que debe ser una zarzuela, no sólo a una ópera con diálogos, ni tampoco sólo a una comedia con romanzas sino una a obra en la que fluyan con “naturalidad” las partes habladas o cantadas y no como compartimentos estancos.

La revoltosa es la joven y bonita Mari Pepa, querida en todo el barrio pero también aborrecida por su abominable insolencia. Trae y lleva chismes y se recrea en las querellas que desata por doquier, sobre todo las amorosas (Cuarteto)

Ruperto Chapí - Cuarteto - La Revoltosa

LA REVOLTOSA – Al pie de tu ventana -Año XV. Nº 857

Francisco de Goya - La gallina ciega - 1788  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Un grupo de cinco parejas, varios majos y majas, así como una dama y un caballero vestidos con elegancia a la francesa, juegan a la "gallina ciega", entretenimiento conocido también como del "cucharón". En el centro del corro, uno de los majos, con los ojos vendados, intenta alcanzar a sus compañeros con la cuchara de madera, mientras que una de las jóvenes, tal vez su pareja, se esconde tras la dama del elegante sombrero. En el fondo de paisaje Goya recrea las orillas del río Manzanares a su paso por Madrid y las lejanías reconocibles de la sierra de Guadarrama.

Música

La Revoltosa, zarzuela de Ruperto Chapí, estrenada en el teatro Apolo, el 25 de noviembre de 1897, incluye buenos ejemplos de danzas populares. Para el público español la danza de las seguidillas está cargada de significado como para justipreciar acertadamente la escena que enseguida domina. En primer lugar, es una danza erótica de galanteo. En segundo lugar, se la baila y se la canta. Abarca pues el lenguaje y el movimiento corporal, en su mayoría acompañado por castañuelas y rítmico batir de palmas, de manera que el cuerpo de bailarines cantantes interpreta a la vez el instrumento y él mismo se convierte en instrumento. En tercer lugar, las seguidillas provienen de otra región; de la Mancha y originalmente de Andalucía. Por consiguiente, el compositor hace brotar este baile en un barrio por completo heterogéneo de la gran ciudad de Madrid.

El ámbito espacial es el patio de vecindad de un barrio bajo madrileño, convirtiendo así en protagonistas indiscutibles de una acción coral a sus habitantes que bajan y suben, juegan a las cartas, discuten y se quieren en torno al corral vecinal (Escena y seguidillas)

Ruperto Chapí - Escena y seguidillas - La Revoltosa

LA REVOLTOSA – ¡Viva la música española! -Año XV. Nº 856

Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina - Maja - ca. 1830  (Museo Nacional del Romanticismo, Madrid)

 

Pintura

Figura popular de maja, de cuerpo entero, ataviada con basquiña negra, a juego con los zapatos, medias blancas y jubón rosa acorde con la peineta. Cubre la cabeza con mantilla negra. Esquivel demuestra su buen hacer como acuarelista, empleando un dibujo preciso y las aguadas magistralmente aplicadas con una suavidad y colorido brillantes y efectistas. El pintor consigue introducirnos en la escena con los mínimos recursos espaciales. Sirviéndose de lo atrayente de la temática, busca la complicidad del espectador con los pintorescos personajes, de llamativa indumentaria, logrando que la narración y la expresividad no actúen en detrimento de la técnica.

Música

Estrenada en el teatro Apolo, el 25 de noviembre de 1897, bajo la dirección de compositor, Ruperto Chapí, La Revoltosa obtuvo un éxito clamoroso desde el comienzo de su famoso preludio., que hizo levantarse a Mancinelli del palco en el que se encontraba acompañado por Saint-Säens, y exclamar –en palabras de Chispero- “Maravilloso, questo e una opera darte ¡Viva la música española!”. Tuvo que repetirse el preludio, ante la exaltación del público, que se levantaba de las butacas para ir a estrechar la mano de Chapí.

La capacidad del compositor se evidencia inmediatamente en el arrollador preludio que esboza los acontecimientos que vendrán, sin caer en el simple esquema de las oberturas potpourrí.

Ruperto Chapí - Preludio - La Revoltosa

HUNGRÍA – Danzas populares -Año XV. Nº 855

László Paál - Paisaje con ganado - 1872  (Galería Nacional Húngara, Budapest)

 

Pintura

Las obras de Paál, al igual que los grandes pioneros franceses, fueron inspiradas por la naturaleza, pero a diferencia de las pinturas tradicionales de la Escuela de Barbizon, sus pinturas también reflejaban el brillo de la intensidad de su personalidad, sufrimiento y emociones. El realismo se combinaba con un enfoque lírico, a veces incluso romántico, en sus cuadros. Los senderos en el bosque, pequeños claros, la profundidad del bosque, sus temas favoritos, se representan a veces de manera alegre, como en este caso, y otras veces con colores sombríos.

Música

El Ungarischer-Galopp, Op. 97 No. 3, debido a Josef Lanner, fue interpretado por primera vez en el Leopoldstadt Theater, el 21 de octubre de 1835, formando parte de un programa titulado "Panorama de Galops populares, parte I".

La danza conocida como Galop acompañó al vals mucho tiempo antes de la aparición de las Polcas en los salones de baile vieneses. Esta obra de Lanner está basada en melodías húngaras, incluyendo la Rákóczy March.

Josef Lanner - Ungarischer Galopp, Op 97- Galopp No. 3

HUNGRÍA – Budapest -Año XV. Nº 854

Adolphe Rouargue - Puente de las Cadenas de Budapest - c. 1850

 

Pintura

En este grabado Rouargue presenta una vista de uno de los puentes sobre el sinuoso Danubio que cruza la capital húngara. Hasta el siglo XIX sus orillas se unían en barca y, en los duros inviernos, había que caminar sobre las aguas heladas, pero en 1849 se erigió el Puente de las Cadenas, enhebrando Buda y Pest, los históricos enclaves que dieron vida a la ciudad. El brillo de entonces como uno de los centros del Imperio austrohúngaro se plasmó en obras magníficas como este puente colgante sobre el Danubio –navegable en Budapest–, hoy el símbolo más representativo de la ciudad. Reconstruido tras la Segunda Guerra Mundial, hoy sigue mostrando su esplendor y enlazando la colina del Palacio de Buda –que acoge museos y es Patrimonio de la Humanidad– y la Basílica de San Esteban, que eleva su cúpula majestuosa sobre Pest.

Música

Himmelblaue Träume (Sueños azul celeste) es una opereta en tres actos con música de Robert Stolz, con libreto de Robert Gilbert y Armin L. Robinson, estrenada en el Stadttheater de Zurich, el 3 de noviembre de 1934.

Otra de las cosas que tienen en común los tres hijos del dueño del hotel, es que todos ellos están enamorados de la secretaria Gritli. Sin embargo, ésta coquetea con la gente de la película. Gracias a Dios allí están las tres ganadoras del concurso, que se llevan muy bien con los tres hijos del hotelero. Tras algunas confusiones y complicaciones, se puede celebrar las cuatro bodas (“Wenn du kommst nach Budapest” – “Si vienes a Budapest”).

Robert Stolz - Wenn du kommst nach Budapest - Himmelblaue Träume


Robert Stolz - Himmelblaueträume - Himmelblaue Träume

HUNGRÍA – Cantos y danzas -Año XV. Nº 853

Ernst Ludwig Kirchner - Bailarinas de Czardas - 1908  (Gemeentemuseum, La Haya)

 

Pintura

En este cuadro de Kirchner tiene lugar la excitación del baile, por ello esta danza no se parece en nada a la danza austrohúngara de los csárdás, que es muy seria y tenue. Este trabajo es un buen ejemplo de cómo los artistas alemanes estaban fascinados por la cultura popular y los países no occidentales a principios del siglo XX. Aparte de la elección del tema, esto se refleja en la forma de pintar: la vitalidad y la energía del "arte primitivo" penetra en el arte occidental. Quizás es por eso por lo que Kirchner pintó esta danza tradicional como una danza salvaje.

Música

La Suite Hongroise pour violon, piano, percussions et cordes, obra póstuma de Reynaldo Hahn, cuya partitura fue depositada en la Sociedad de Autores, Compositores y Editores de Música francesa (SACEM) con fecha 19 de noviembre de 1948, al año siguiente de su muerte, fue estrenada en septiembre de 1997.

Aunque la obra fue compuesta al final de la vida del autor, está llena de alegría juvenil. La habilidad de sentirse joven y entusiasta cuando se aproxima el final es, a menudo, la marca de una gran mente. El manuscrito habla por sí mismo: después de unas primeras páginas pulcramente caligrafiadas, la escritura se vuelve febril, el autor se deja llevar y su mano parece ir más lenta que su imaginación. Abundan las correcciones, cortes e insertos, refutando la leyenda de que componer era fácil para Hahn.

Reynaldo Hahn - I. Parade - Suite Hongorois pour Violon, Piano, Percussion et Cordes


Reynaldo Hahn - III. Chants et Danses - Suite Hongorois pour Violon, Piano, Percussion et Cordes

HUNGRÍA – ¡Vaya con las húngaras! -Año XV. Nº 852

László Paál -Final de un pueblo - 1871  (Galería nacional de Hungría, Budapest)

 

Pintura

En 1871, con ocasión de su estancia en Londres, Paál profundizó en el análisis de los paisajes de John Constable y, a partir de este momento, sus colores fueron aclarándose, iluminándose. Pintó sus pinturas al aire libre. Esto le llevó al estudio de las sombras de color y los fenómenos atmosféricos, aunque los problemas del impresionismo no le preocuparon.

Música

Viktoria und ihr Husar (Victoria y su Húsar) es una opereta de Paul Abraham con libreto de Alfred Grünwald y Fritz Löhner-Beda. Se estrenó el 21 de febrero de 1930 en Budapest.

ACTO III
Victoria se ha separado de su marido y, después de un largo viaje alrededor del mundo, ha regresado a su aldea ancestral (“Ungarland, Donauland, Heimatland” – “Hungría, tierra del Danubio, mi patria”) Aquí se encuentra de nuevo con su hermano Ferry y su antigua ayuda de cámara Riquette. Se está celebrando la tradicional fiesta de la vendimia. Debido a una antigua costumbre, tres parejas deben casarse durante la fiesta. Tanto Ferry y O Lia San como Riquette y Jancsi están planeando casarse (“Ja so ein Mädel, ungarisches Mädel” –“Vaya muchachas, las húngaras”) Sólo falta la tercera pareja. Y, claro está, aparece de improviso el caballero Koltay y Victoria acaba junto a su Húsar.

Paul Abraham - “Ungarland, Donauland, Heimatland” - Victoria y su husar


Paul Abraham - “Ja so ein Mädel, ungarisches Mädel” - Victoria y su husar

NORMA – Sentimientos encontrados -Año XV. Nº 851

Anónimo - Ruinas de Roma - s. XVIII  (Museo Cerralbo, Madrid)

 

Pintura

Representa una vista con las ruinas del Foro Nerva de Roma, de la época de Domiciano, que se inauguró en el año 97. El pintor representa el resto del muro y el columnado que cuenta con el relieve Domiciano de Minerva, diosa a la que estaba dedicado el templo de este foro. La vista es ambientada por un grupo de personajes que aparecen en primer plano. Este cuadro corresponde a la tipología pictórica de las perspectivas arquitectónicas, donde aparecen las características figuras que escenifican, a modo de episodio, los lugares, que bien pueden ser inventadas a modo de Capricho arquitectónico, o corresponder a lugares concretos. Ese tipo de pintura, conocida como "Veduta" o "Vista", era un recuerdo imprescindible a adquirir por todo viajero llegado a Italia.

Música

Otra de las importantes diferencias con respecto a la obra de Soumet es el papel de la mujer. Mientras en la obra del novelista, su Norma termina asesinando a sus propios hijos, presa de un ataque de locura, la Norma de Bellini es un personaje con múltiples facetas (una sacerdotisa coherente con su devoción, una madre que ama a sus hijos, una mujer enamorada y pasional por el hombre, una rival vengativa que saca sus más bajos instintos si es necesario...), en definitiva una compleja trama de personalidades cuya solución final es la muerte, pero no como castigo o ejecución de una heroína, sino como el camino lógico de un conflicto gravísimo de intereses.

Norma proclama la guerra a los romanos. Tiene que pronunciar el nombre de la víctima propiciatoria que hay que inmolar al dios. Llama a los suyos; ha decidido cuál será la víctima: una sacerdotisa que ha infringido los sagrados votos y traicionado a la patria. Va a pronunciar el nombre de Adalgisa, pero se ve envuelta en un sinfín de sentimientos contradictorios, debatiéndose entre la lealtad a su pueblo, el amor al romano y sus remordimientos por haber traicionado sus votos. En medio del asombro general, pronuncia su propio nombre. Conmovido, Polión comprende la grandeza de Norma y decide morir con ella. Finalmente Norma sube a la pira con su amado para morir juntos (Concertante: “Deh! Non volermi vittime” - "No los conviertas en víctimas").

Vincenzo Bellini - Concertante: “Deh! Non volermi vittime” - Norma

NORMA – Infanticidio -Año XV. Nº 850

Lawrence Alma-Tadema - Gallo Roman Women - 1865  (Colección Privada)

 

Pintura

Como pintor de temas clásicos, Alma-Tadema se hizo famoso por sus representaciones del lujo y la decadencia del imperio romano, con lánguidas figuras situadas en fabulosos interiores de mármol o contra un deslumbrante telón de fondo de cielo y mar. En esta ocasión presenta, frente a un emparrado, a dos mujeres de la Galia romana asomadas a una balaustrada de mármol, una de ellas señalando quizás a un pretendiente que pasa o un acontecimiento que está sucediendo.

Música

Felice Romani basó el libreto en la tragedia “Norma, ossia L'infanticidio” de Alexandre Soumet, que se había estrenado en París en abril de 1831 con gran éxito de crítica. Romani se inspirará lejanamente en todos estos hechos, pero en lugar de poner en primer lugar las guerras entre druidas y romanos, colocará la apasionada relación entre dos amantes pertenecientes a diferentes culturas antagónicas. La ópera presenta el conflicto entre los druidas originarios de Bretaña y los soldados romanos, quienes ocupaban la región. El líder de los druidas es Oroveso (El gran sacerdote) y Norma (la gran sacerdotisa), y los principales romanos son el procónsul Pollione y su centurión centurión Flavio.

Norma pretende matar a sus hijos por despecho, pero en el último momento es incapaz de cometer semejante crimen. Decidida a suicidarse, hace llamar a Adalgisa y le ruega que adopte a los niños y los lleve a Roma, después de casarse con Polión. Pero Adalgisa lo rechaza y promete a Norma convencer a Polión para que vuelva con ella (“Mira, o Norma”) Finalmente Adalgisa no obtiene nada de Polión.

Vincenzo Bellini - “Mira, o Norma” - Norma

NORMA – Casta Diva -Año XV. Nº 849

Louis-Auguste Moreaux - La actriz Lagrange como Norma - s. XIX  (Museo de Bellas Artes, Rio de Janeiro)

 

Pintura

El retrato de la soprano Anna de La Grange ya había superado todas las obras de género de Moreaux, tanto desde el punto de vista del color como de la composición: "el tono es fresco y suave, la difusión de la luz es suave y se extiende lentamente, tonos medios y reflejos juegan con una perfección inimitable. El brazo izquierdo, desnudo, estirado en el espacio en línea horizontal, es de un color carne perfecto, de un modelo escultórico. La figura completa es imponente, majestuosa”.

Música

Musicalmente, Norma, se caracteriza por sus melodías largas, dramáticas, muy ornamentadas e intensamente emocionales. Entre los fragmentos inolvidables de esta ópera, quizá “Casta diva” sea el aria de soprano más conocida de toda la historia de la música. El personaje de Norma se considera como uno de los más difíciles del repertorio para soprano. Exige un tremendo control vocal de rango, flexibilidad y dinámica. Contiene una amplia variedad de emociones: conflicto entre la vida personal y la pública, la vida romántica, el amor maternal, la amistad, los celos, impulso asesino y resignación.

El romance con Polión hace que Norma trate por todos los medios de acallar la rebelión contra Roma, esperando que se establezca la paz entre los dos pueblos y así no perder a su amado. Se dispone a cortar muérdago a la luz de la Luna (Cavatina: “Casta Diva”) Cuando Norma se entera que su enamorado es el mismo de Adalgisa, entrará en cólera y maldice a Polión por su traición.

Vincenzo Bellini - “Casta Diva” - Norma

NORMA – Sueño terrible -Año XV. Nº 848

Jean Lemaire - Eremita orando entre ruinas clásicas - 1637-38  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Lemaire pintó para el rey de España la tela más grande de toda su carrera, sin duda como consecuencia de las exigencias de su patrón. Además, se le exigió la presencia de un anacoreta en oración, de rodillas e implorante. La escala de la figura también le vino impuesta, así como su vista de perfil, para mantener cierta unidad con casi toda la serie del Buen Retiro. El resto de la composición pertenece al vocabulario habitual del artista francés, pues forma un collage de ruinas escultóricas y arquitectónicas de la antigua Roma de indudable valor simbólico. Efectivamente, detrás del anacoreta situó un obelisco excavado en 1630 a instancias del cardenal Francesco Barberini, quien mandó transportarlo dos años más tarde al jardín de su nuevo palacio en el Quirinal. La identidad del anacoreta ha sido largamente discutida. Ciertamente, como en el resto de los eremitas del Retiro, el artista renunció a incluir atributos que permitieran identificarlo, lo que explica la existencia de numerosas propuestas, desde San Ignacio de Antioquia a San Pablo eremita en la Tebaida, sin que existan razones determinantes para decidirse por ninguna de ellas.

Música

Aunque, de acuerdo con algunas reseñas contemporáneas, la audiencia respondió fríamente a algunos pasajes de Norma, tragedia lírica en dos actos con música de Vincenzo Bellini y libreto de Felice Romani, en su estreno en La Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831, el público pronto la convirtió en un éxito popular. Músicos tan diversos como Richard Wagner, Giuseppe Verdi, Johannes Brahms, y Gustav Mahler calificaron la ópera como una obra innovadora. Se la considera un ejemplo de la suprema altura de la tradición belcantista y la obra trágica de mayor éxito de su autor.

La sacerdotisa Norma, hija del jefe de los druidas Oroveso, es la amante secreta del procónsul Polión, del que ha tenido dos hijos, custodiados por la fiel Clotilde mientras el resto no lo sabe. Entra Polión con su amigo Flavio, a quien confía que está enamorado de una joven novicia del templo de Irminsul, Adalgisa, y que quiere dejar a Norma. Le relata un sueño terrible en el que Norma mata a sus hijos y a Adalgisa (“Meco all'altar... Me protegge, mi difende” - "Conmigo, en el altar... Me protege, me defiende")

Vincenzo Bellini - “Meco all'altar... Me protegge, mi difende” - Norma

DONDE FLORECEN LOS TULIPANES – Un problema de “campanillas” -Año XV. Nº 847

Jan van der Heyden - Entrada sudeste de la ciudad de Veere - ca. 1665  (Royal collection, Londres)

 

Pintura

Veere era una pequeña ciudad amurallada en Zelanda, en el estrecho entre Walcheren y Noord Beveland. Este cuadro de van der Heyden no es una vista topográfica de Veere: la Groote Kerk es totalmente exacta, al igual que el efecto general de las fortificaciones de ladrillo y puentes levadizos; sin embargo, el palacio situado a la derecha y el terreno elevado que conduce desde el mismo hacia lo que parece ser un acueducto romano son totalmente imaginarios. El artista utilizó monumentos de ciudades situadas a cierta distancia de su Amsterdam natal, Colonia, Düsseldorf y Veere, más libremente que los propios del lugar. Hay elementos pintorescos en esta vista de la ciudad: un mendigo, algo de vegetación que crece en los viejos ladrillos, pero el efecto general es de pulcritud, orden, seguridad y prosperidad. Esta es una versión real de esas ciudades ideales de tablero de ajedrez pintadas por los artistas del Renacimiento italiano. Tener una carretera tan ancha y pavimentada con ladrillos fuera de las puertas de una ciudad parecería especialmente notable y habría de compararse con las vistas contemporáneas de Roma.

Música

Il Paese dei campanelli (El país de las campanillas) es una opereta es tres actos, con libreto de Carlo Lombardo y música de Virgilio Ranzato, que se estrenó en el Teatro Lírico de Milán, el 23 de noviembre de 1923.

En un lugar de la costa holandesa hay un pueblo que recibe ese nombre porque todas las casas tienen una torre con campanillas y, según la leyenda, estas suenan siempre que en esa casa se comete una infidelidad (“Nella notte misteriosa”) Llega un buque escuela británico averiado y, a pesar de la amenazante leyenda, sus oficiales tienen amoríos con las esposas, bastante accesibles, de los lugareños. Suenan las campanillas. Llega un barco de cupletistas (las mujeres de los oficiales disfrazadas) que siguen inmediatamente a los maridos nativos. Y suenan las campanillas (“Luna tu”)

Virgilio Ranzato - “Nella notte misteriosa” - Il Paese dei campanelli


Virgilio Ranzato - “Luna tu” - Il Paese dei campanelli