EL MURCIÉLAGO -Reconciliación final -Año XIV. Nº 820

Berthe Morisot - Mujer arreglándose - c. 1875  (The Art Institute, Chicago)

 

Pintura

De acuerdo con la estética impresionista que Morisot defendió fervientemente, este cuadro captura la esencia de la vida moderna en términos resumidos y discretos. La pintura también se mueve discretamente en el ámbito del erotismo femenino explorado por Edgar Degas, Édouard Manet y Pierre-Auguste Renoir, pero rara vez abordado en ese momento por las mujeres artistas. Desarrollada con pinceladas suaves en tonos matizados de lavanda, rosa, azul, blanco y gris, la composición se asemeja a un poema de tono visual, orquestado con motivos perfumados y etéreos como el cabello rubio cepillado, sedas, borlas de polvo y pétalos de flores. La artista incluso firmó su nombre en el fondo del espejo, quizás para sugerir que la imagen en su pintura es tan efímera como un reflejo.

Música

Por último Adele, en su gran número final en Die Fledermaus (El murciélago) (estrenado El 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien), apostrofa el juego de roles, lo ejerce y al mismo tiempo hace sus reflexiones; como por arte de magia imita tres tipos de diferente naturaleza: una rústica inocente, una reina y una dama de París, cada una de ellas en un gesto musical y social distinto. Y en los paréntesis, entre las estrofas, se hace a sí misma las críticas más favorables para cada una de sus actuaciones.

ACTO III
Acaba la fiesta y los personajes acaban apareciendo uno tras otro en a prisión. Adele viene a que Frank, el director, la ayude a prepararse para ingresar en el teatro, pues no es artista, sino criada en casa de los Eisenstein. Frank se indigna pues en la fiesta le ha besado la mano, pero Adela le recuerda que en la boca también. Frank le pregunta si al menos tiene talento, lo que Adele le demuestra actuando como una ingenua aldeana, una reina y una dama parisina (Spiel ich die Unschuld vom Lande, natürlich im kurzen Gewande... - Haciendo el papel de ingenua aldeana, con faldita corta naturalmente...). Aparece entonces Einsenstein, a cumplir su condena, y descubre irritado a Alfred vestido con su batín. Entonces llega Rosalinde. Quiere divorciarse de un esposo que se entusiasma con tanta facilidad por las bellezas desconocidas. Eisenstein protesta. Pero Rosalinde saca el pequeño reloj del bolsillo. Ella era la condesa húngara. Gran escena, pero por suerte ambos esposos tienen algo que perdonarse mutuamente. Ello permite que todo termine bien, la venganza del murciélago ha dado ocasión a una entretenida comedia.

Johann Strauss II - Nº14. Spiel ich die Unschuld vom Lande... - Die Fledermaus

NAVIDAD - Rosa navideña -Año XIV. Nº 819

Juan Correa de Vivar - La Natividad - c. 1535  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

La Virgen y San José se inclinan hacia el Niño Jesús, desnudo y sobre un paño blanco en un sillar de piedra. Sobre ellos, siguiendo el texto del Nuevo Testamento, ángeles músicos alaban al recién nacido entonando “Gloria a Dios en las alturas y en la tierra paz a los hombres en quienes él se complace” y, al fondo de la composición, los pastores son anunciados del Nacimiento del Mesías, entrando en el establo por la derecha de la composición (Lucas 2, 8-20). Esta obra corresponde a la primera etapa de la actividad del artista en la que muestra una fuerte dependencia de Juan de Borgoña (h. 1470 - 1534), como se aprecia en las figuras y en la arquitectura, con una rica ornamentación renacentista. Correa mantiene en estas fechas un marcado sentido del dibujo, ligado al empleo local del color, en ese momento un tanto agrio y que, progresivamente irá dulcificando y aclarando. Desarrolla un sentido compositivo elemental, marcadamente geométrico, empleando arquitecturas clásicas, pero sin entender con claridad la perspectiva monofocal empleada.

Música

Es ist ein Ros‘ entsprungen (Está creciendo una rosa) es un villancico de Navidad y un himno Mariano de origen alemán. La melodía más conocida en la actualidad aparece en el libro de himnos titulado Speyer Hymnal (publicado en Colonia en 1599), con la armonización escrita por el compositor alemán Michael Praetorius en 1609.

Una rosa inmaculada está creciendo
saltando de una tierna raíz,
de la previsión de los antiguos videntes,
de la fruta prometida de José;
Su brote festivo despliega la luz
en medio del frío, frío invierno
Y en la medianoche oscura.
La rosa que estoy cantando
Como lo dijo Isaías
está saltando desde su dulce raíz
en María, purísima servidora
A través del gran amor y poder de Dios
El Niño bendito que ella nos dio
en una fría, fría noche de invierno.

Praetorius - Es Ist Ein Ros' Entsprungen

EL MURCIÉLAGO - El tic tac del corazón -Año XIV. Nº 818

Frederic Soulacroix - Flirteo - s. XIX-XX  (Colección privada)

 

Pintura

El hombre y la mujer retratados por Soulacroix visten con estilo de principios del siglo XIX ("Regency") La mujer se ha quitado su sombrero y se encuentra acostada en una hamaca.

Música

Durante la fiesta en Die Fledermaus (El murciélago) (estrenado El 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien) el tiempo objetivo se deja desviar de su curso por el tiempo subjetivo del pulso personal: cuando en dueto erótico los latidos del corazón de la falsa húngara se aceleran para alcanzar el tic-tac del relojito de Eisenstein, hasta que la enmascarada lo saca de la circulación haciéndolo desaparecer dentro de su escote. Aquí y en este momento la simpatía universal llega tan lejos que Eisenstein solamente busca y encuentra a la vengativa esposa oculta tras el antifaz, a la húngara amante y, en esa situación, ella misma pierde de vista por una breve eternidad, la intención de su acción punitiva.

ACTO II
Eisenstein ve a la condesa húngara, que no es otra que Rosalinde disfrazada, queda encantado y se dirige hacia ella, sacando su reloj. Rosalinda le sigue el juego y aparenta quedar maravillada; si consigue quitarle el reloj, ésa sería la prueba del delito. Eisenstein le pide que se quite la máscara, pero Rosalinda le dice que sólo lo hará al día siguiente. Eisenstein trata de engatusarla, Rosalinda se resiste (Dieser Anstand so manierlich, diese Taille fein und zierlich.../ Statt zu schmachten im Arreste, amüsiert er sich auf's Beste... - Esa apostura tan distinguida, ese talle fino y elegante.../ En lugar de consumirse en la cárcel, se divierte todo lo que puede...). Eisenstein hace sonar el reloj y el corazón de Rosalinda late con más fuerza. Ella le pregunta a Eisenstein si sus latidos irán acordes con el tic-tac de su reloj. Eisenstein le sugiere contarlos; él contará los tic-tac y Rosalinda sus latidos, hasta que ésta pide cambio. Eisenstein le da el reloj y cuentan. Gabriel intenta recuperar su reloj, pero Rosalinda no se lo permite.

Johann Strauss II - Nº9. Duetto. Dieser Anstand so manierlich... - Die Fledermaus

EL MURCIÉLAGO - Criadas y señoras -Año XIV. Nº 817

 

Jean-Auguste Dominique Ingres - Comtesse d'Haussonville - 1845  (Frick collection, Nueva York)

Pintura

Una modelo que no presentó dificultad a Ingres para captar su belleza fue la condesa de Haussonville, cuyo aspecto recatado esconde a una liberal declarada, escritora e intelectual de renombre. La suntuosidad de las texturas, como los pliegues del vestido de seda y el brillo de la cinta del pelo, es típica de la pintura del artista.

Música

La curva de tensión de los tres números de solo de Adele en Die Fledermaus (El murciélago) (estrenado El 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien) muestra hasta donde conduce la permutación de roles que da el sentido a la obra. Cada vez se aparta más del desgaste de la rutina y de la estrecha candidez. En el primer acto exterioriza el deseo irreal de libertad, de llegar convertirse en una gran señora. En el palacio de Orlofsky, como Olga, ya se ha metido en el papel de actriz del mundo que mira de reojo a dos destinatarios a la vez, tanto al estupefacto Eisenstein como al círculo de oyentes que se unen complacidos a su burla.

ACTO II
Eisenstein reconoce a Adele entre los invitados y viceversa. Falke los presenta y Eisenstein le pregunta si siempre ha sido la señorita Olga, pues tiene un parecido con su sirvienta. Adele se ofende y Orlofsky llama a los invitados para que vean la confusión que ha armado Eisenstein. Los invitados hacen notar lo grosero que fue "el Marqués" al confundirla con su sirvienta y Adela le pide más perspicacia al contemplarla, ya que su figura ni sus ademanes jamás los encontraría en una criada. Su equivocación sólo da cuenta de que no puede sacar a su sirvienta de su mente y la ve en todas partes (Mein Herr Marquis, ein Mann wie Sie sollt' besser das verstehen! – Querido señor marqués, ¡un hombre como vos debería tener más perspicacia!). Eisenstein se disculpa y Adela lo perdona sólo con la condición de no volverla a confundir con su sirvienta.

Johann Strauss II - Nº8. Cuplé. Mein Herr Marquis... - Die Fledermaus

EL MURCIÉLAGO - El encanto de lo indefinido -Año XIV. Nº 816

Jean Hélion - La tienda de los maniquíes - 1951 (Galerie Daniel Malingue, París)

 

Pintura

Hélion presenta, a las puertas de una tienda un tanto anticuada, un paraguas abandonado, una grieta en la acera y un montoncito de basura ante la entrada que señalan el camino a una incitante puerta abierta que conduce a una misteriosa obscuridad. No podemos ver lo que se vende en la tienda, pero a juzgar por el escaparate, se trata de un lugar en el que suceden cosas mágicas. Sobre el tradicional maniquí comercial sin cabeza de la izquierda cuelga una chaqueta amplia y nueva, mientras que la chaqueta de la derecha muestra como sienta cuando está rellena con un cuerpo masculino y está complementada con una camisa blanca y una pajarita.

Música

El personaje del ambiguo príncipe Orlofsky en Die Fledermaus (El murciélago) (estrenado El 5 de abril de 1874 en el Theater an der Wien) es en lo dramático un papel masculino interpretado por una mujer, en lo psicológico una mezcla de hombre corrido y púber, y en lo social un fanfarrón que hace alarde de dinero y lujo, pues busca con empeño corresponder a la imagen esplendorosa que el burgués se hace del libertino feudal. Su canción de entrada delata que su magnificencia es ficticia.

ACTO II
El burlado Falke, no ha olvidado el papelón y se presenta en la casa de Eisenstein dispuesto a cobrar su desquite. Allí se las arregla para conseguir que Adele, la sirvienta, y el propio Eisenstein acudan por separado a la fiesta que esa noche organiza el príncipe Orlofsky. Llega Eisenstein, bajo el disfraz de Marqués, quien está expectante por ver a las bellas jovencitas, y con poco interés saluda al príncipe. A Falke se le ocurre también hacer venir a Rosalinde, por lo que escribe una nota y se la da a un sirviente. Orlofsky invita a Eisenstein a beber y le informa de sus especiales características nacionales (Ich lade gern mir Gäste ein, man lebt bei mir recht fein... - Yo agasajo gustoso a mis invitados, conmigo se goza de la vida...)

Johann Strauss II - Nº7. Cuplé. Ich lade gern mir Gäste ein... - Die Fledermaus

EL MURCIÉLAGO - Una cuestión de venganza -Año XIV. Nº 815

Gustav Klimt - Interior del antiguo Burgtheater de Viena - 1888  (Museo de Viena)

 

Pintura

El auditorio del viejo Burg Teather iba a ser demolido por lo que en 1887 se encargó a Klimt y Franz Matsch la realización de uno lienzos en los que representase el interior del viejo coliseo teatral. Al ponerse manos a la obra tuvieron un arduo trabajo ya que en el contrato se especificaba que tenían que integrar en la composición a unos 250 personajes entre ellos los importantes de la Viena del momento. Klimt fue el encargado de pintar la sala y para ello realizó un buen número de bocetos y dibujos preparatorios, teniendo que acudir a su familia y amigos como modelos, aunque también recibió la visita de bellas mujeres de la ciudad que deseaban ser inmortalizadas en el cuadro. Entre las personas que retrató se encuentran Katherina Schratt -actriz habitual del teatro y amante del emperador Francisco José I-, el cirujano Theodor Billroth y el futuro alcalde Karl Lueger. El resultado es una obra de gran calidad, en la que se nos muestra el patio de butacas del teatro, rodeado de cuatro pisos de palcos en los que se situaba la alta nobleza imperial, ocupando el emperador y la corte uno de estos palcos. Una lámpara en el centro del techo y diversos focos distribuidos en la segunda fila de palcos arrojan una tenue iluminación a la escena, creando de manera perfecta la sensación atmosférica de un interior. Las figuras son extraordinarias, adecuadas a su nivel social, vestidas con sus mejores galas, presentadas en elegantes actitudes. La perspectiva conseguida por el maestro resulta destacable pero lo más original es el tratamiento de la escena ya que Klimt sitúa a los espectadores en el papel de actores, confundiendo la realidad con la apariencia.

Música

El estreno de Die Fledermaus (El murciélago) tuvo lugar en un momento sumamente desfavorable. Una gran crisis económica sacudía a Austria, y pocos meses antes, el Viernes Negro, se había derrumbado la Bolsa de Viena y había arrastrado al abismo a varias fortunas aparentemente sólidas. El 5 de abril de 1874 reinaba en el Theater an der Wien un ambiente apocalíptico que ni siquiera El murciélago podía cambiar. Hubo sólo 17 representaciones, una cantidad casi ridícula para el célebre Johann Strauss y que parecía un peligroso fracaso. En los demás países en los que se representó en seguida El murciélago, la obra obtuvo el éxito rotundo que merece. Se convirtió en una de las obras más ejecutadas de ese género alegre y ligero que es tan difícil interpretar bien.

Lo que sucede en la historia es la turbulenta consecuencia de tres historias previas. Primera: Hace tiempo Eisenstein gastó una broma a su amigo Falke. Después de asistir juntos a un baile de máscaras, donde lo hizo beber hasta embriagarlo, lo dejo abandonado y dormido en el parque de la ciudad, ataviado con un grotesco disfraz de murciélago, siendo el hazmerreir de sus conciudadanos. Segundo: Eisenstein, quien ha maltratado a un funcionario, debe cumplir ocho días de arresto. Tercera: Rosalinde, la esposa de Eisenstein, había tenido un amante antes de casarse, el tenor Alfred, que reaparece ese día.

Johann Strauss II - Obertura - Die Fledermaus

SHOW BOAT – Prejuicios raciales -Año XIV. Nº 814

Anónimo - Mercado de esclavos - ca. - 1850-60  (Carnegie Museum of Art, Pittsburgh)

 

Pintura

Este cuadro fue pintado justo antes de la Guerra Civil, cuando la controversia sobre la esclavitud alcanzó su punto máximo. El artista expresa la visión antiesclavista, condenando el comercio de seres humanos como cruel e inmoral. Dos tragedias en ciernes están representadas aquí. En el centro, una mujer joven ha sido arrebatada del hombre que ama y vendida a un plantador disoluto; a la izquierda, dos comerciantes separan brutalmente a una madre y su hijo en un cuadro que evoca la Masacre bíblica de los inocentes. Esta representación de comerciantes y compradores como canallas violentos, depredadores e inmorales apoya la visión abolicionista de la trata de esclavos como degradante para todos.

Música

La segunda pareja protagonista en Show Boat la forman un hombre blanco y una mulata de nombre Julie La Verne, un personaje con carácter, que domina con su fuerte personalidad y su talento vocal. Sin embargo su romance fracasa, debido a la presión social que no permite las relaciones interraciales, y ella cae en la bebida. Para la joven Bill es el único hombre en el mundo, maravilloso, capaz de conmoverla y que la hace sentir como en casa. La canción “Bill” no formaba parte de la obra original. El novelista satírico P.G. Wodehouse escribió su letra. “Bill” no apareció en las primeras representaciones y fue incorporada en el segundo acto a partir del estreno de la reposición de la obra en 1927.

ACTO II
Gaylord abandona a Magnolia y ésta se ve obligada a buscar trabajo en el Trocadero, un club en donde trabaja la mulata Julie, que ha caído en la bebida después de haber sido abandonada por su novio Steve. En un ensayo canta una nueva canción ("Bill") Cuando Julie se entera de la situación de Magnolia, renuncia secretamente a su trabajo para que su amiga pueda ocuparlo, sin que llegue a saber nunca su sacrificio. Trascurren los años y Magnolia, que es ahora la estrella del espectáculo del “Cotton Blosson”, acaba reconciliándose con Gaylord.

Jerome Kern - Bill - Show boat

SHOW BOAT – La vida del tahúr -Año XIV. Nº 813

H.C. McBarron - The Great Mississippi Steamboat Race - 1870  (Colección Privada)

 

Pintura

McBarron representó un acontecimiento de mucho interés para los americanos. Durante varios días, miles de espectadores se agolpaban en cada puerto fluvial y miles más en los diques entre los puertos, tanto de noche como de día, mientras los barcos se abrían paso a lo largo de las 1200 millas de la travesía en el traicionero río Mississippi desde Nueva Orleans hasta St. Louis.

Música

Show Boat se entrenó en el Ziegfeld Theater de Nueva York, el 27 de diciembre de 1927. Fue un tremendo éxito debido a la profundidad de la historia de Ferber y la bella música de Jerome Kern. Hay dos parejas de amantes en la obra. Magnolia Hawkes es una bella joven que tiene una tranquila y feliz vida familiar, mientras Gaylord Ravenal es un romántico jugador en los garitos del río, quien abandona su libertad por el amor de Magnolia. Cuando ambos alcanzan el climax de su relación, Gaylord la abandona y a su joven hija y no regresa hasta que su mujer ha alcanzado la fama en los escenarios y su hija ha crecido.

Tras el espectáculo de la noche, en la cubierta del barco, Magnolia, la hija del capitán que quiere convertirse en actriz, y Ravenal, un atractivo y joven jugador, se confiesan mutuo amor ("You are Love") Tras ello Gaylord le pide a la joven que se case con él. Pasan seis años y Gaylord y Magnolia se han mudado a Chicago, donde viven precariamente gracias a las apuestas de Gaylord. Al principio son ricos y disfrutan de la vida ("Why Do I Love You?") Años más tarde tienen una hija y, atravesando diferentes rachas, acaban en la ruina.

Jerome Kern - You are Love - Show boat


Jerome Kern - Why Do I Love You? - Show boat

MARGARITA – Felicidad eterna -Año XIV. Nº 812

William-Adolphe Bouguereau - La Virgen de los ángeles - 1881  (Getty, Los Ángeles)

 

Pintura

Esta pintura de tamaño natural, una visión serena de un grupo de ángeles que interpretan una serenata a Jesús dormido en los brazos de una agraciada joven María, es una de las obras más importantes de Bouguereau en los Estados Unidos. Un reino de fantasía exuberante cobra vida con tres ángeles idealizados tocando instrumentos musicales, mientras que una luz celestial ilumina su serenata. Todas las figuras están pintadas con una perfecta belleza etérea. La técnica impecable del artista, sus elegantes composiciones y sus conmovedores retratos lo convirtieron en uno de los artistas franceses más populares de finales de 1800.

Música

Là-Haut! (¡Allí arriba!) es una opereta en tres actos y 4 cuadros con libreto de Gustave Quinson, Yves Mirande, letras de Albert Willemetz, y música de Maurice Yvain. Se estrenó en París, en el teatro Bouffes Parisiens, el 31 de marzo de 1923, con Maurice Chevalier en el papel principal.

ACTO I
Al inicio de la obra nos encontramos en el cielo, un azul con inmensidad de nubes. Allí se presenta la corte celestial de los ángeles (entre ellos Margarita), cuya vida transcurre en una felicidad eterna bien guardada por San Pedro.

Maurice Yvain - Introducción y coro de ángeles - Là Haut

SHOW BOAT – Flor de algodón -Año XIV. Nº 811

Harold Harrington Betts - On the Levee at Natzhez - 1904  (Ogden Museum of Southern Art, Nueva Orleans)

 

Pintura

Pintura de la vida del río desde la cima del dique. Harrington representa personas cargando fardos en un barco de vapor. Natchez se encuentra en la orilla izquierda del río Misisipi, que lo separa de Luisiana. Fue fundada por el gobernador español Manuel Gayoso.

Música

Show Boat fue el primer musical de Broadway en tratar seriamente el tema de un matrimonio interracial, como aparece en la novela de Edna Ferber, en el cual se basa, e incluye un personaje mestizo que se hace pasar por blanco. La obra ha sido objeto de frecuentes controversias por el uso de la palabra “niggers” (“negros”) en las letras (de hecho es la primera palabra que se pronuncia en el coro inicial), y también por el retrato de la gente de color sirviendo como trabajadores y sirvientes. En producciones posteriores la palabra “niggers” fue sustituida por “colored folk” (“gentes de color”) y “darkies” (“oscuros”)

ACTO I
El "Cotton Blossom", un barco espectáculo que viaja rio arriba y abajo por el Mississippi alrededor del año 1890, ha llegado a Natchez. Los estibadores están trabajando duro en sus tareas mientras una alegre concurrencia llega para dar la bienvenida a los artistas ("Cotton Blossom")

Jerome Kern - Cotton Blossom - Show boat

SHAKESPEARE EN MÚSICA – Montescos y Capuletos -Año XIV. Nº 810

Frederic Leighton - Reconciliación de Montescos y Capuletos - 1854  (Agnes Scott College, Atlanta)

 

Pintura

Además de por sus grandes dimensiones, esta pintura de Leighton llama la atención por la lúgubre y obscura ambientación de la escena, a excepción de las figuras pintadas de vivos colores y de los ropajes de Julieta y su madre, que yace en actitud de duelo sobre el cuerpo de su hija.

Música

Romeo y Julieta, op. 64, es un ballet de Sergéi Prokófiev basado en la obra homónima de William Shakespeare. La obra fue encargada por el teatro Kirov de Leningrado en 1934, pero cuando Prokófiev propuso el tema de Romeo y Julieta, el teatro lo rechazó. Posteriormente, el compositor firmó un contrato con el Teatro Bolshói para representar el ballet, pero tampoco tendría fortuna. Prokófiev trabajó durante 1936 para extraer del ballet dos suites para orquesta sinfónica en siete movimientos, así como una trascripción para piano. En 1946 escribió una tercera suite. El ballet no se estrenó hasta 1938 en Brno, donde fue muy bien acogido.

Es una de las obras más apreciadas del compositor, en base a la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales: el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones; el delicado y abundante tema de Julieta. Se dio la circunstancia de que una vez el compositor terminó la partitura, en el verano de 1935, los bailarines declararon el ballet como imposible de bailar, sobre todo a causa de la complejidad rítmica y de pasajes que juzgaban inaudibles.

Sergéi Prokófiev - Montescos y Capuletos, Danza de los caballeros - Romeo y Julieta

ÁNIMAS – Marcha fúnebre -Año XIV. Nº 809

Lois White - Funeral March - 1936  (Auckland Art Gallery, Nueva Zelanda)

 

Pintura

El dolor expresado en este trabajo se inspiró en la muerte del amigo cercano y tutor de White en Elam, Winifred Simpson. Fue la primera de las pinturas de la artista en ser incluida en una colección pública y se considera un emblema de la fascinación por el simbolismo de la pintura modernista de Nueva Zelanda.

Música

Götterdämmerung (El ocaso de los dioses) es una ópera en tres actos y un prólogo con música y libreto en alemán de Richard Wagner, la cuarta y última de las óperas que componen el ciclo de Der Ring des Nibelungen (El anillo del nibelungo). Fue estrenada en el marco del primer Festival de Bayreuth, el 17 de agosto de 1876, como parte de la primera producción completa del ciclo y forma parte del Canon de Bayreuth.

Sigfrido fallece mientras cae la noche, pues cada vez que desaparece Sigfrido desaparece la luz del sol. A una indicación de Gunther sus guerreros levantan el cuerpo de Sigfrido y lo llevan afuera, lentamente, en solemne cortejo por las rocosas alturas. El cadáver es transportado en un solemne cortejo fúnebre. En ese momento se escucha la música popularmente conocida como la «Marcha fúnebre de Sigfrido».

Richard Wagner - Marcha fúnebre - El ocaso de los dioses

SIEMPRE NOS QUEDARÁ PARÍS – La vida parisina -Año XIV. Nº 808

Jean Béraud - Escena parisina - ca. 1885  (The Met, Nueva York)

 

Pintura

Esta pintura muestra una vista de una esquina de una calle parisina en un día gris de invierno. Una escena típica parisina, como eran comúnmente las pinturas más sencillas de Beraud, que evoca la actividad bulliciosa en el fondo y un intercambio de miradas en primer plano. Una mujer elegantemente vestida de negro, observa un quiosco cartel, cuyos tonos anaranjados contrastan con los tonos plateados de la pintura. A su derecha, otro hombre, que en ese momento parece estar haciendo la misma actividad, mira en su dirección. A ellos se une otro hombre que se asoma desde detrás del quiosco para admirar la elegancia de la mujer. Esta mujer es la única que figura en la pintura, mientras los hombres llenan el fondo con el movimiento y la conversación. La representación de Beraud de esta escena de calle es tan precisa que su ubicación en París puede ser identificada como una vista del bulevar de Italia, desde la esquina de rue Laffitte.

Música

La Vie parisienne (La vida parisina) es una opéra bouffe en cinco actos -luego reducidos a cuatro- con música de Jacques Offenbach y libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Se estrenó en el théâtre du Palais-Royal el 31 de octubre de 1866 en cinco actos, luego reducidos a cuatro actos el 25 de septiembre de 1873 en el théâtre des Variétés.

Se trata del primer gran trabajo de Offenbach dedicado a plasmar la vida parisina contemporánea, contrastando con su anterior período más fantástico y mitológico. Al final del Acto I, el millonario brasileño Matadores, que todos los años cruza el océano para despilfarrar su dinero y energías en la vida nocturna de París, salta del tren como un desaforado. Su obsesivo himno a París se precipita sin aliento, como si fuera a acabársele el aire para cantar acerca del amor, la danza y la bebida.

Jacques Offenbach - A Paris, nous arrivons en masse - La vie parisienne

SIEMPRE NOS QUEDARÁ PARÍS – La nuit -Año XIV. Nº 807

Louis Anquetin - Avenue de Clichy - 1887  (Wadsworth Atheneum, Hartford)

 

Pintura

Anquetin representa aquí la intersección de la avenida de Clichy y de la avenida de St. Ouen, situada cerca de su casa en París. El artista transforma esta esquina de calle ordinaria en un entorno misterioso a través del uso del color - zonas azules dominantes delimitadas con líneas de contorno de color oro y negro - para sugerir la caída del atardecer y el resplandor de las lámparas de gas.

Música

Die Dubarry es una opereta en nueve cuadros, con música de Karl Millöcker sobre un texto de F. Zell y Richard Genée, estrenada el 31 de octubre de 1879 en el Theater an der Wien de Viena.

Al rey francés Luis XV se le asocian los nombres de dos damas, que tuvieron más influencia en el monarca que sus propios ministros: Pompadour y Dubarry. Marie Jeanne Beçu, la condesa Dubarry, canta a las noches de París “Die Nacht von Paris”.

Karl Millöcker - Die Nacht von Paris - Die Dubarry

SIEMPRE NOS QUEDARÁ PARÍS – Vida frívola -Año XIV. Nº 806

Camille Pissarro - Boulevard Montmartre por la noche - c. 1897  (National Gallery, Londres)

 

Pintura

La noche ha caído sobre el boulevard que Pissarro había mostrado al atardecer, por la mañana invernal o con tiempo gris, conformando una serie de inigualable belleza. Las lámparas de gas se han encendido y las luces de los comercios crean bellos reflejos amarillos en la acera y en el pavimento, desapareciendo buena parte de los viandantes mientras que los carruajes estacionados encienden sus luces. Los edificios se envuelven en una sombra malva típica del Impresionismo, creando un atractivo juego de contrastes con el amarillo de las lámparas. La pincelada empleada por el pintor es rápida, sin apenas preocuparse por el dibujo, apareciendo abundantes manchas.

Música

Eva es una opereta en tres actos de Franz Lehár. El libreto fue escrito por Alfred Maria Willner y Robert Bodanzky. Su estreno tuvo lugar el 24 de noviembre 1911, en el Theater an der Wien de Viena.

Eva, la hija adoptiva de Bernard Larousse, el capataz de una fábrica de vidrio en Bruselas, está celebrando su vigésimo cumpleaños. Ella se siente inmediatamente atraída por Octave Flaubert, hijo gallardo del dueño de la fábrica, que ha llegado para hacerse cargo de la gestión de los negocios de su padre. Hasta el momento un ocioso y libertino snob, recuerda la vida frívola de París “Um zwölfe in der Nacht” (“A las doce de la noche”) cantando a los espíritus de Montmatre. Octave trata de seducir a Eva, y como resultado se encuentra en oposición a Larousse y a los trabajadores de la fábrica, que están ansiosos por defender el honor de Eva. Ésta, dándose cuenta de las verdaderas intenciones de Octave, huye a París, con disgusto, pero, después de haber saboreado la vida del demi-monde, encuentra finalmente refugio en los brazos del enamorado Octave.

Franz Lehar - Um zwölfe in der Nacht - Eva


Franz Lehar - París renace ahora - Eva

SIEMPRE NOS QUEDARÁ PARÍS – Desde arriba -Año XIV. Nº 805

 

Claude Monet - Boulevard des Capucines en Paris - 1873 (Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas-City)

Pintura

Hoy en día, observamos esta célebre pintura de Monet como una representación convincente de un bullicioso bulevar de París, como podría verse desde la altura, a través del aire húmedo y frío del invierno. Típicamente impresionistas son las sombras azules y negras, pinceladas individuales utilizadas para representar a los peatones cuyas formas están desdibujadas por el movimiento. Los toques de color rosa, en el centro a la derecha en la pintura, son difíciles de identificar, pero son probablemente globos.

Las vistas urbanas tienen especial atractivo para los impresionistas, sobre todo los atardeceres de días lluviosos o encapotados como éste que muestra Monet. Su interés se centra en ofrecernos el ambiente del Boulevard des Capucines tomado directamente del natural, con sus carruajes, sus árboles y los parisinos paseando, todo envuelto en una atmósfera fría e invernal. Las tristes luces crean sombras coloreadas en tonos malvas, como observamos en los techos de los carruajes o los tejados de los edificios. La pincelada empleada es suelta, con pequeñas comas que no detallan pero ofrecen sensaciones, impresiones de la ciudad en un momento determinado del día.

Música

Le chanteur de México (El cantor de México), opereta en dos actos y veinte cuadros de Francis López, con libreto de Félix Gandéra y Raymond Vincy, fue estrenada en el Théâtre du Châtelet de París, el 15 de diciembre de 1951.

La acción se inicia en San Juan de Luz, en 1912. Prosigue en París y finaliza en México, claro está. Mise en scène, espectacular para aquellos años, de Mauricie Lehmann. Francis López compuso una de sus mejores partituras, en la que las arias se integran bien en la atmósfera de la acción; las canciones estuvieron rápidamente en boca de todos: “México”, “Rossignol”, “Acapulco”, “Il est un coin de Francia”, “Maïtechu”, “Quant on voit Paris d'en haut” (“Cuando vemos París desde arriba”), “Quant de deux amis est”.

Francis Lorenzo - “Quant on voit Paris d'en haut” - El cantor de México

SIEMPRE NOS QUEDARÁ PARÍS – El único paraíso -Año XIV. Nº 804

Pierre Bonnard - Mañana en París - 1911  (Hermitage, San Petersburgo)

 

Pintura

En este cuadro es muy interesante la abundancia de los personajes. Si los del fondo están únicamente esbozados, frente al detallismo de los del primer plano, no es sólo porque estén menos iluminados, sino porque a efectos de lo que pretendía Bonnard son más ilusorios. Al pintor siempre le interesó la forma humana, interés potenciado por sus incursiones en el diseño de marionetas y fotografías.

Música

Là-Haut! (¡Hasta allí!) es una opereta en tres actos y 4 cuadros con libreto de Gustave Quinson, Yves Mirande, letras de Albert Willemetz, y música de Maurice Yvain. Se estrenó en París, en el teatro Bouffes Parisiens, el 31 de marzo de 1923, con Maurice Chevalier en el papel principal.

ACTO I - En el cielo, un azul con inmensidad de nubes
El joven Chanterelle asiste a un acontecimiento feliz. Para celebrar sus esponsales, invita a familiares y amigos a un suculento almuerzo en su villa de Auteuil. Saint-Pierre, el futuro papá, se duerme y sueña con “Là-Haut”, es decir, con el paraíso. “Hasta allí” llega Evariste Chanterelle y se presenta a la corte celestial. El recién llegado encuentra bien monótona la estancia en la felicidad eterna. ¿De hecho, el verdadero, el único paraíso no es París? ("Le premier Paradis, c'est Paris")

Maurice Yvain - Le premier Paradis, c'est Paris - Là Haut

ESPAÑA – Tenue aire hispano -Año XIV. Nº 803

Fritz Bamberger - Playa de Estepona con la vista del Peñón de Gibraltar - 1855  (Thyssen, Málaga)

 

Pintura

El cuadro, realizado por Bamberger en Múnich después de su segundo viaje a España, presenta una combinación de vistas de la costa meridional española desde la playa de Estepona, en la provincia de Málaga, hasta el muy distante Campo de Gibraltar, dominado por la roca de la colonia británica. No se trata de una perspectiva con precisiones topográficas, sino de una recreación de efecto monumental, por la amplitud y virtual profundidad de la vista del extremo oeste de la costa mediterránea española. Representa una especie de epítome de esa vasta geografía, que incluye paisaje de montaña, dunas, marisma, playas y acantilados, y en cuyo horizonte se recorta con nitidez el Peñón de Gibraltar.

Música

Josef Hellmesberger hijo, responsable de los conciertos de abono y de la dirección administrativa de la Filarmónica de Viena entre 1901 y 1903, escribió Valse espagnole.

Realmente la pieza tiene un aire hispano porque se escuchan castañuelas y pandereta, pero también incluye un solo de Glockenspiel (campanillas) que, a decir verdad, no es muy español.

Josef Hellmesberger hijo - Valse espagnole

ESPAÑA – Feria -Año XIV. Nº 802

David Roberts - La Torre del Oro - 1834-38  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Durante su viaje por España entre 1832 y 1833, Roberts quedó especialmente fascinado por Andalucía y pasó una larga temporada en Sevilla. El fastuoso pasado árabe de la ciudad y su carácter cosmopolita y exótico fueron objeto de especial atención por parte de numerosos escritores y artistas extranjeros que reflejaron sus monumentos y el pintoresquismo de sus gentes. En este cuadro vemos la luz del amanecer en un paisaje propio del romanticismo en el que se observa la Torre del Oro, una torre albarrana situada en el margen izquierdo del río Guadalquivir, en la ciudad de Sevilla.

Música

Rapsodia espagnole es una obra orquestal escrita por Maurice Ravel entre 1907 y 1908. Se estrenó en el Teatro de Chatelet del 15 de marzo de 1908. Si bien la obra atrajo sólo limitada respuesta popular, fue sin embargo muy apreciada por el compositor Manuel de Falla.

La obra se estructura en torno a la orquestación de la “Habanera”, una pieza para piano compuesta en 1887. Es la primera obra sinfónica en varios movimientos de este compositor y en ella se pone de manifiesto la madurez alcanzada en el arte de la orquestación. Ravel despliega en su obra la vivacidad, el ritmo y el colorido de la música española. Las dos piezas centrales en ritmo de danzas, malagueña y habanera, de carácter folklórico, fueron compuestas originalmente para dos pianos. La última pieza, Feria, también es de carácter español. Una verdadera fiesta en la cual trasluce su interés por España, sin caer en nacionalismo alguno.

Maurice Ravel - IV. Feria - Rapsodia española

ESPAÑA – La mañana del día de fiesta -Año XIV. Nº 801

Robert Henri - Paisaje español - 1902  (Colección privada)

 

Pintura

La diversidad de la población española cautivó Henri. Cada pintura captura el espíritu único del individuo a través de pinceladas fuertes y paletas de colores realistas. La cultura y las tradiciones de la Península Ibérica le afectaron profundamente como lo demuestran sus obras que deben mucho a los grandes maestros de la pintura española, sobre todo Velázquez y Goya.

Música

Debussy compuso Images pour orchestre entre 1905 y 1912. El compositor, en una carta a su editor Durand en septiembre de 1905, le indicó su intención de que este conjunto de imágenes para dos pianos fuera una secuela de la primera serie compuesta para piano solo. Sin embargo, en otra carta a Durand en marzo de 1906, Debussy le escribió que había pensado en lanzar la obra para orquesta en lugar de para dos pianos. Consta de tres secciones: I. Gigues (1909–1912), II. Ibéria (1905–1908) y III. Rondes de printemps (1905–1909).

“Iberia” es la más popular de las tres “Imágenes para orquesta” y forma, a su vez, un tríptico: i. “Par les rues et par les chemins” ("Por las calles y caminos"), ii. “Les parfums de la nuit” ("La fragancia de la noche") y iii. “Le matin d'un jour de fête” ("La mañana del día de la fiesta") La música está inspirada en impresiones de España. Debussy dejó escrito en una carta: “No te puedes imaginar la naturalidad de la transición entre "Parfums de la nuit" y "Le Matin d'un jour de fête”. No parece estar escrita.”

Claude Debussy - II. Ibéria - Images pour orchestre

ESPAÑA – En aire de danza -Año XIV. Nº 800

Carlos de Haes - La canal de Mancorbo en los Picos de Europa - 1876  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

El paraje que representa el cuadro se localiza concretamente en las laderas bajas del macizo de Andara, en la zona oriental de los Picos de Europa, correspondiente a la comarca de Liébana, sobre el pueblo de Argüébanes, en Cantabria. Encajando los elementos orográficos del paisaje en una clara estructura de líneas diagonales, Haes destaca el gran pico rocoso que se yergue al fondo de la canal en el centro de la composición, flanqueado por las laderas de dos montes en primer término, proyectando una gran sombra sobre el de la izquierda y fuertemente iluminado el del lado contrario. El artista construye este soberbio paisaje a base de zonas de luz que van sugiriendo los diferentes planos que marcan su profundidad espacial, conduciendo la mirada del espectador desde el arroyuelo del primer término hasta la imponente cumbre escarpada del pico principal, que emerge majestuosa ante un cielo rasgado de nubes. En la franja en sombra del plano más próximo coloca a un pastor al cuidado de su vacada para dar la dimensión humana del paisaje, subrayando así la grandiosidad de la montaña y la supremacía de la naturaleza sobre el hombre.

Música

Capricho Español, Op. 34, es una obra orquestal compuesta durante el verano de 1887 por Nikolai Rimsky-Korsakov, basada en melodías españolas, y estrenada meses más tarde en la entonces San Petersburgo, bajo la dirección del compositor. La inspiración de la obra residía en la música que descubrió, en parte, en sus viajes. Entre 1862 y 1865 el compositor había viajado mucho por el mundo debido a su cargo de oficial de la marina rusa. En España pasó varios días en Cádiz.

Un testimonio escrito por el propio Rimski-Kórsakov nos anticipa el carácter de la partitura: "Quise que brillara con deslumbrante color orquestal..." "Los temas españoles, en aire de danza, me proporcionaron un precioso material para la realización de multiformes efectos orquestales". La obra consta de cinco movimientos: Alborada, un baile festivo que celebra la salida del sol; Variazioni (Variaciones); Alborada; Scena e canto gitano (Escena y canto gitano); y Fandango asturiano. La pieza finaliza con una reaparición, más enérgica que nunca, del tema de la Alborada.

Rimsky-Korsakov - Capricho español, op. 34

ESPAÑA – Pintoresquismo musical -Año XIV. Nº 799

John Singer Sargent - Paisaje español - 1879-80  (Metropolitan Museum of Art, New York)

 

Pintura

Sargent deseaba sumergirse en el ambiente y el paisaje de lugares lejanos, en busca de temas pintorescos. Sin embargo, renunció a los convencionalismos de la pintura de género, prescindiendo de lo narrativo en aras de los efectos estéticos y el refinamiento pictórico. Sus estudios no formales y pinturas de paisajes muestran una familiaridad con el impresionismo. Las experiencias de Sargent en España le convirtieron en un ardiente hispanista y Velázquez, El Greco y Goya encabezaron su Panteón de maestros antiguos dignos de veneración.

Música

Rhapsodie espagnole (Rapsodia española), S.254, R.90, es una composición para piano solo compuesta por Franz Liszt en 1863. La pieza se inspira en la música tradicional española, que el compositor escuchara durante la gira que realizó por España y Portugal en 1845. Ferruccio Busoni arregló la pieza para piano y orquesta en 1894.

Incluye variaciones libres sobre La Folia y la Jota Aragonesa. La obra muy bien puede inscribirse en lo que algunos críticos han llamado “Obras sobre temas nacionales” y otros “pintoresquismo musical”, es decir, esa corriente de la música culta inscrita en el romanticismo nacionalista que utiliza aires y melodías propias de la tradición popular española, y especialmente andaluza.

Franz Liszt - Folías de España y Jota aragonesa - Rapsodia española

CANCIONES - Atardecer sobre el mar escandinavo -Año XIV. Nº 798

Nikolái Roerich - Solveig canta en la cabaña - 1912  (Museo Roerich, Moscú)

 

Pintura

El talento polifacético y versátil de Roerich se reveló también en sus trabajos para los espectáculos teatrales tales como «Peer Gynt». Este decorado, que representa la cabaña de Solveig en el bosque, fue diseñado para una producción de la obra de Ibsen.

Música

Escrita en 1875, y estrenada como música incidental de la obra escénica de Henrik Ibsen, el 24 de febrero de 1876, la partitura de Peer Gynt consta de veintiséis movimientos. Más tarde, en 1888 y 1891, Edvard Grieg extrajo varios movimientos, hasta dejar los ocho definitivos, divididos en dos grupos: Suite nº 1, Op. 46, y Suite nº 2, Op. 55.

La conmovedora “Canción de Solveig” corresponde al número 19 de la música incidental original y luego se repite, con distinta letra, en el 23. Concebida para voz de soprano, ésta es nuevamente sustituida en la suite por los violines, perdiendo gran parte de su encanto. La cuerda domina casi por completo este número, expuesto con una mansedumbre brumosa, evocadora de un atardecer tranquilo sobre el mar escandinavo. En ella Solveig expresa su fe en que su amado Peer, en esos momentos al otro lado del mundo, regresará a buscarla, aunque pase el invierno, desaparezca la primavera, y con el fin del verano termine el año. Y si acaso él ha muerto, seguirá esperándole allí, hasta el momento en que puedan reunirse para siempre.

Edvard Grieg - Canción de Solveig - Peer Gynt op. 23


Edvard Grieg - IV. Canción de Solveig - Peer Gynt Suite No. 2, op. 55

CANCIONES - Sol de poniente -Año XIV. Nº 797

Vincent van Gogh - Campo de trigo con cuervos - 1890  (Museo Van Gogh)

 

Pintura

En primer plano contemplamos el punto de unión de los tres caminos que parten hacia diferentes direcciones; entre ellos, limitados con una línea verde que corresponde con las hierbas y la maleza, hallamos los campos de trigo en todo su esplendor, iluminados por la luz nocturna que tanto atrajo a van Gogh durante toda su vida. Casi la mitad superior de la tela está ocupada por un cielo oscuro, excepto dos manchas arremolinadas que se aclaran ligeramente. Los cuervos revoletean por el trigal, obtenidos con trazos negros que acentúan su esquematismo. La factura rápida y empastada ocupa toda la superficie del lienzo, poniendo de manifiesto todo su más extremo sentimiento. El propio Vincent admitió que quería expresar tristeza y una extremada soledad cuando realizó este trabajo, pero al mismo tiempo quería mostrar lo que él consideraba «sano y fortificante del campo».

Música

Beau Soir (Hermoso atardecer) es una canción francesa escrita por Claude Debussy. Se trata de una musicalización de un poema de Paul Bourget. Debussy tenía entre veinte o veintiún años, cuando escribió esta canción (ca.1883), y su música está marcada por la estética de la época.

Cuando al sol poniente los ríos se vuelven de color rosa
y un tibio escalofrío recorre los campos de trigo,
el consejo de ser feliz parece brotar de las cosas
y subir hacia el corazón turbado.
Un consejo de disfrutar el encanto de estar en el mundo,
mientras que se es joven y el atardecer es hermoso,
porque nosotros nos iremos como se va esta onda,
ella al mar, nosotros a la tumba.

Claude Debussy - Beau Soir

CANCIONES - La canción del arpista -Año XIV. Nº 796

John William Godward - La ausencia hace que en el corazón crezca el cariño - 1912  (Colección privada)

 

Pintura

A mediados de 1911, Godward se traslada «precipitadamente» a Roma, acompañado de «su modelo italiana». El artista se siente fascinado por la magnificencia clásica de Roma y Nápoles. La gran mayoría de sus obras presentan a mujeres con un vestido clásico, que contrasta con los elementos del paisaje o arquitectónicos. Los títulos reflejan la fuente de inspiración de Godward: la civilización clásica, sobre todo la de la Antigua Roma (de nuevo un tema que le une artísticamente con Alma-Tadema), aunque la antigua Grecia a veces cuenta, proporcionando así lazos artísticos, aunque de forma más limitada, con Leighton. Se dice que muchos de los nombres de los cuadros, se corresponden con una larga lista de nombres greco latinos que poseía el artista y que los ponía un tanto al azar.

Música

Pyotr Ilyich Tchaikovsky compuso una serie de Seis canciones para voz y piano, op. 6, a finales de 1869. La última de estas canciones es la melancólica "Sólo el que conoce la nostalgia". Se basa en el poema de Lev Mei "La canción del arpista", que, a su vez, traduce el poema de Goethe “El aprendizaje de Wilhelm Meister”. Dedicada a Alina Khvostova, la canción fue estrenada en Moscú en 1870.

¡Sólo el que conoce la nostalgia
sabe lo que sufro!
Solo y separado
de toda la alegría,
veo el firmamento
en esa dirección.
¡Oh! quien me quiere y me conoce
está muy lejos.
Estoy mareado, me queman
mis entrañas.
¡Sólo el que conoce la nostalgia
sabe lo que sufro!

Pyotr Ilyich Tchaikovsky - Sólo el que conoce la nostalgia - Seis canciones para voz y piano, op. 6


Pyotr Ilyich Tchaikovsky - Sólo el que conoce la nostalgia (orquestal) - Seis canciones para voz y piano, op. 6

CANCIONES - Monodia cortesana medieval -Año XIV. Nº 795

Anónimo - Alfonso X, el Sabio. Libro des Juegas - 1283  (Biblioteca del monasterio de San Lorenzo de El Escorial)

 

Pintura

El Libro de los juegos o Libro del ajedrez, dados y tablas es un manuscrito iluminado de finales del siglo XIII encargado por el rey Alfonso X de Castilla entre 1251 y 1283. El libro consta de 98 páginas, con 150 ilustraciones en color, y es uno de los manuscritos más importantes para la investigación de los juegos de mesa. En esta ilustración aparece Alfonso X el Sabio con sus colaboradores del escritorio real. Alfonso X y su corte.

Música

Alfonso X reunió, en el siglo XIII, una colección de más de 400 cantigas, la primera de las cuales es un Prólogo en el que teoriza sobre la actividad de trovar. Este "Prologo das Cantigas de Santa María ementando as cousas que á mester eno trobar" apoyaría explícitamente la idea de la autoría personal del monarca. No obstante, la cuestión de la autoría no está resuelta aún, pero con el tiempo y las investigaciones va creciendo la idea de una participación directa del rey.

Para ello hacen falta, dice, dos requisitos: “entendimento” (conocimiento del asunto) y “raçon” (saber decirlo, o sea, tener práctica en versificación, rima, música, etc.) La melodía discurre en una métrica de cinco tiempos no contemplada por los teóricos de la época, pero habitual en los territorios musulmanes y cristianos de la Edad Media e incluso posteriormente. Más de la cuarta parte de estas cantigas sigue esta métrica.

Alfonso X - Prólogo das Cantigas de Santa María

UNA NOCHE EN LA ÓPERA – Tierna despedida -Año XIV. Nº 794

Johann Peter Lyser - Cosi fan tutte - 1840

 

Pintura

En esta ilustración de la ópera Cosi fan tutte de Wolfgang Amadeus Mozart, Lyser representa el momento en que las hermanas Fiordiligi y Dorabella están siendo observadas en su habitación, desde la puerta, por Don Alfonso, Ferrando y Guglielmo.

Música

La primera representación de la ópera de Mozart Cosi fan tutte ossia La scuola degli amanti (Así hacen todas o La escuela de los amantes) tuvo lugar en el Burgtheater de Viena el 26 de enero de 1790.

ACTO I - Escena 1: Un café
Alfonso llega y anuncia las malas noticias: los oficiales han sido llamados a la guerra. Ferrando y Guglielmo llegan, con el corazón roto, y se despiden de sus novias Dorabella y Fiordiligi. Conforme el barco se aleja hacia alta mar, Alfonso y las dos hermanas les desean un buen viaje (trío: Soave sia il vento—"Que el viento sea suave")

Wolfgang Amadeus Mozart - Soave sia il vento - Così fan tutte, ópera, K. 588

DOS MEJOR QUE UNO – Sucesos en la embajada -Año XIV. Nº 793

James Tissot - La recepción - 1883-85  (Albright-Knox Art Gallery, Buffalo)

 

Pintura

En esta pintura, vemos a una mujer en una fiesta, del brazo de un hombre. A su izquierda, podemos ver a un hombre con gafas que la observa, mientras que, a la derecha, otro murmura. No hay duda de que a Tissot le fascinaban los vestidos pomposos. Curiosamente se repite el mismo tipo de ropa en varias de sus pinturas, siempre con una técnica envidiable y una obsesiva atención al detalle. Un catálogo para una exposición en 1886 describía el vestido rosado de la figura central como "… una maravilla del arte de la costura, con su multitud de pequeños volantes, su cinto negro, su marco rosado, y el color rosa de su abanico de plumas de avestruz ha sido cuidadosamente estudiado y adaptado." La narrativa visual que se despliega por toda la composición sugiere que esta joven tiene como objetivo mejorar su propia posición, apareciendo con un estilo elegante y vital en los salones de baile y ambientes frecuentados por la clase alta francesa.

Música

Die Lustige Witwe (La viuda alegre) es una opereta en dos actos con música del compositor austro-húngaro Franz Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia “L'attaché d'ambassade” (1861) de Henri Meilhac, relativa a una rica viuda, y el intento de sus paisanos por mantener su dinero en el principado encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 28 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género.

Danilo se siente muy incómodo cuando se entera de la presencia de Hanna en el baile de la Embajada y se hace evidente que los dos estuvieron enamorados cuando él era un joven soldado y que su relación se interrumpió por la prohibición de su tío. El viejo amor revive pero Danilo jura que no se casará con la ahora viuda Hanna por su fortuna, mientras ella promete no casarse mientras él no le diga que la ama. Al final de la obra, en el dueto a ritmo de vals “Lippen schweigen” (“Labios cerrados”), Danilo confiesa su amor cuando ella le hace saber que al casarse perderá su herencia pues está estipulado que pasará a manos de su nuevo marido.

Franz Lehar - “Lippen schweigen” - Die lustige Witwe