LA BOHEME – Esperanza y muerte -Año XVI. Nº 944

Edvard Munch - Muerte en la habitación del enfermo - 1893  (Galería Nacional, Oslo)

 

Pintura

La imagen muestra lo que podemos suponer que es la familia del artista reunida en torno a su hermana Sophie, que murió en 1877. Ella está sentada en una silla con su espalda vuelta hacia el espectador. A la derecha se encuentra una tía, Karen Bjølstad, que se trasladó con la familia para cuidar de los niños y de la casa después de que la madre muriera de tuberculosis en 1868. Al fondo se encuentra el padre, el doctor Christian Munch, con las manos en actitud de oración. En el centro de la imagen figura un hombre, probablemente Edvard Munch. La hermana menor Laura está sentada en primer plano con las manos en su regazo, mientras que la tercera hermana, Inger, permanece en pie mirando hacia nosotros. La figura masculina de la izquierda se identifica como Andreas, el hermano pequeño de Edvard. En esta pintura no se aprecia contacto físico entre las personas, salvo la mano que tía Karen ha puesto en la parte posterior de la silla en la que se sienta la enferma.

Música

Fue quizás el interés que en el siglo XIX se tenía por el fenómeno cultural de la bohemia lo que condujo a Giacomo Puccini y a su contemporáneo Ruggiero Leoncavallo a decidir componer sendas óperas sobre el tema de los artistas bohemios parisinos. Con independencia de cual fuera el origen de los respectivos proyectos, lo cierto es que en un encuentro entre ambos compositores, en 1893, Puccini mencionó de forma casual su proyecto. Esto indujo a ambos compositores a publicar en la prensa milanesa artículos en los que reclamaban, cada uno por su parte, la originalidad de la idea. La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, fue estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896.

ACTO IV
Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas, y Colline sale para empañar su abrigo (“Vecchia zimarra, sentí” - "Viejo abrigo, escucha") Solos, Rodolfo y Mimí, recuerdan sus tiempos felices (“Sono andati? – "¿Se han ido?") Y aunque todos tratan de ayudarla, ella expira en brazos de su amado.

Giacomo Puccini - Vecchia zimarra, sentí - La boheme


Giacomo Puccini - Sono andati? - La boheme

NAVIDAD – Hoy ha nacido Cristo -Año XVI. Nº 943

El Greco - La Sagrada Familia con Santa Ana y San Juanito - c. 1600  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Este cuadro del Greco nos muestra una María de cuerpo entero y sentada, centrando la composición. Es una joven de rostro ensimismado, cubierta por el característico manto azul; sostiene en su regazo al Niño mientras acoge bajo su brazo derecho a Santa Ana, tocada ésta con un velo blanco y rizado. La santa se inclina hacia el Niño, y a diferencia de otras versiones en las que aparece dormido, aquí éste le devuelve la mirada. La madre de la Virgen se dispone a envolver al pequeño con un paño blanco que sostiene con ambas manos. Al otro lado, emergiendo tímidamente tras la Virgen, San José observa la escena. El Greco lo ha representado como un hombre maduro, no anciano, un santo activo y vigoroso que viste chaleco verde sobre camisa blanca y capa ocre-amarillenta, una ropa propia de un trabajador artesano castellano de la España de finales del siglo XVI, que cuadraba bien con el filius fabri que algunos textos de la época proyectaron del santo. Delante de éste y próximo a la Virgen, el pequeño San Juan se convierte en un acompañante un tanto más desligado de la escena, y no sólo por dirigir su mirada a un punto inconcreto fuera del cuadro, también el tratamiento pictórico que le ha otorgado el artista le convierte en una figura desdibujada y de una escala reducida en relación con el resto de las figuras. Está desnudo, a pesar de que se insinúa la tradicional piel de camello a su espalda, y lleva consigo un cuenco de vidrio con fruta; el índice izquierdo próximo a la boca parece reclamar silencio. Todo el grupo está constreñido en un estrecho espacio culminado por celajes que se ciernen sobre las cabezas de los personajes.

Música

Publicado en 1575, el motete Hodie Christus natus est es una de las primeras obras policorales de Giovanni Pierluigi da Palestrina, tipo de escritura musical que el compositor no cultivó demasiado. Esta técnica no es la más característica de su estilo pero en ella muestra una maestría semejante a la del resto de su producción.

Hoy ha nacido Cristo.
Hoy ha aparecido el salvador.
Hoy cantan los ángeles en la tierra
Y se alegran los arcángeles.
Hoy los justos dicen exultantes:
Gloria a Dios en las alturas.

Giovanni Pierluigi da Palestrina - Hodie Christus natus est

LA BOHEME – Desdicha y felicidad -Año XVI. Nº 942

Amadeo Modigliani - Autorretrato - 1919  (Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo)

 

Pintura

En esta pintura de Modigliani prevalecen los tonos de amarillo armonizándose con los marrones y cenizas azulados. La composición del auto retrato se ofrece con la presentación de la figura en tres cuartos de plano (no es frontal ni de perfil) El artista trabaja con líneas sinuosas, alargando la figura, de forma elegante, estableciendo contrapuntos de curvas, por ejemplo, entre el arco descrito por la inclinación de la cabeza y el correspondiente a la curva del brazo que reposa sobre la rodilla. La chaqueta envejecida y el pañuelo azulado en el cuello provocan un sentimiento de nostalgia y de fragilidad del artista. La falta de expresión en los ojos, de órbitas vacías, generan un clima melancólico y preanuncian un abandono de la vida, de la realidad. Este es su único autorretrato realizado en pintura.

Música

El libreto de La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, se basa en la novela “Scènes de la vie de bohème” de Henri Murger, una colección de viñetas que retratan jóvenes bohemios viviendo en el Barrio Latino de París en los años 1840. Como la obra teatral de 1849 de Murger y Théodore Barrière, el libreto de la ópera se centra en la relación entre Rodolfo y Mimì, acabando con su muerte. También como en la obra teatral, el libreto funde dos personajes de la novela, Mimì y Francine, en un solo personaje, el de Mimì.

ACTO IV
Nuevamente en la buhardilla Marcello y Rodolfo parecen trabajar (“In un coupé?”), aunque están principalmente lamentándose por la pérdida de sus respectivas amadas (“¡O Mimì!, ¡Tu più non torni!” – "¡Oh Mimí! ¡No regresarás!") De pronto entra en la buhardilla la afligida Mussette acompañando a Mimí, que está gravemente enferma.

Giacomo Puccini - In un coupé? - La boheme


Giacomo Puccini - ¡O Mimì!, ¡Tu più non torni!” – "¡Oh Mimí! ¡No regresarás! - La boheme

LA BOHEME – Amor y celos -Año XVI. Nº 941

Luigi Morgari - Escena de la ópera 'La Boheme' - s. XX  (Colección Cívica de Achille Bertarelli, Milán)

 

Pintura

Escenografía para la escena de Mimi y Rodolfo en la aduana de Enfer del acto III de la ópera La Boheme de Puccini.

Música

La viuda de Illica murió en 1957 y sus papeles fueron entregados al Museo de Parma. Entre ellos estaba el libreto completo de La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. Se descubrió entonces que los libretistas habían preparado un acto que Puccini decidió no usar en su composición. El "acto desaparecido" se encuentra en la línea temporal entre la escena en el café Momus y el Acto III y describe una fiesta al aire libre en las habitaciones de Musetta. Su protector ha rechazado pagar la renta debido a sus sentimientos celosos, y el mobiliario de Musetta es trasladado al patio para ser subastado la mañana siguiente. Los cuatro bohemios encuentran en esto una excusa para celebrar una fiesta y preparan vino y una orquesta. Musetta entrega a Mimì un bello traje para que lo luzca y la presenta a un vizconde. La pareja baila una cuadrilla en el patio, lo que provoca los celos de Rodolfo.

ACTO III
En la aduana de Enfer, los vendedores ambulantes pasan la barrera y entran en la ciudad. Entre ellos está Mimí, tosiendo violentamente. Intenta encontrar a Marcello, quien vive en una pequeña taberna cercana donde él pinta anuncios para el tabernero. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (“Mimì?! Speravo di trovarvi qui”) El pintor, a fin de arreglar la cosa, llama a Rodolfo, que también se encuentra en la taberna. Las cómicas expresiones de la querella de Marcello y Mussette contrastan vivamente con las melancólicas palabras de Mimí y Rodolfo, quienes sin fuerzas para romper el tierno lazo que los une, se reconcilian y deciden afrontar con triste resignación el porvenir que el destino les depare (“Dunque è proprio finita!”)

Giacomo Puccini - “Mimì?! Speravo di trovarvi qui” - La boheme


Giacomo Puccini - “Dunque è proprio finita!” - La boheme

LA BOHEME – Alegría de vivir -Año XVI. Nº 940

Alfred Pages - La vie de boheme - s. 1885  (Colección privada)

 

Pintura

Está considerada una de las obras maestras más destacadas de Pages. La vida bohemia es aquella vida despreocupada que busca la alegría de vivir, los placeres mundanos y las compañías agradables. Su modo de vida en la sociedad francesa y sobre todo en la ciudad de París, hacia mediados del siglo XIX, inspiró un movimiento cultural con obras literarias y teatrales. La gente bohemia vivía la noche, en los salones, en los cafés y en los bulevares de la ciudad de París. Rechazaban la búsqueda de la riqueza, viviendo únicamente para las artes, siguiendo las órdenes de las pasiones interiores, independientemente de si obtenían ingresos o no..

Música

Amor y celos, una despreocupada alegría de vivir y crudas decepciones, desdicha y felicidad, esperanza y muerte. En La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, el compositor, en colaboración con sus libretistas Giacosa e Illica, incide en las “pequeñas cosas” cotidianas, de una manera tierna, casi conmovedora, sin degenerar en ningún momento en un sentimentalismo exagerado.

ACTO II
En la terraza del Café Momo, los artistas se reúnen para celebrar la Nochebuena. Aparece la ligera Musseta, una ex amante de Marcelo, prendida del brazo de un rico e infeliz anciano llamado Alcindoro. Mussetta canta su famoso vals (“Quando m'en vò” - "Cuando voy") Todos salen llevando triunfalmente en hombros a la cantante, dejando al abandonado Alcindoro con el susto de ver crecida su cuenta.

Giacomo Puccini - Quando m'en vò - La boheme

LA BOHEME – Los pobres artistas -Año XVI. Nº 939

Jean Baptiste Camille Corot - La joven en su aseo personal – 1860-65  (Louvre, París)

 

Pintura

Además de su dedicación al género del paisaje, el artista también se interesó por la figura humana, por lo que parte de su obra privada se centró en realizar retratos de amigos y familiares. Aquí tenemos un retrato intimista de una joven en su tocador alisándose los cabellos. Las figuras de Corot son modelos profesionales o bien muchachas jóvenes que, visitando el taller, revelan la inclinación de una cabeza, una torsión, la arruga de una blusa. El artista se caracteriza por saber situar el lugar del ser humano en el mundo, colocado con suavidad, integrado en el medio y aportando al espectador de la obra la capacidad de identificarse con el sentimiento que expresan.

Música

Como en una película, las escenas, las imágenes y las impresiones se suceden velozmente. Cortes rápidos y una cadena de coincidencias determinan una historia que en realidad no es una historia en modo alguno. Puccini presenta más bien en La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, impresiones de la vida de un bohemio parisino. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica.

ACTO I
En la buhardilla de los bohemios, el poeta Rodolfo y el pintor Marcelo están quemando en la chimenea uno de los manuscritos de versos del primero, a fin de preservar la estancia del terrible frío de aquella noche invernal (“Questo mar rosso”) Rodolfo se queda solo y entra Mimí, una bella y enfermiza joven que vive en el piso contiguo, y pide luz para su vela, pues se ha apagado y no tiene cerillas. Son interrumpidos por las voces de los amigos, impacientes, que han venido a buscar a Rodolfo, pero mientras él sugiere quedarse en casa con Mimí, ella decide acompañarlo. Mientras se van, cantan su amor recién encontrado (“O soave fanciulla” - "¡Oh! Dulce muchacha").

Giacomo Puccini - Questo Mar Rosso - La boheme


Giacomo Puccini - O soave fanciulla - La boheme

BERLÍN – Al baile -Año XVI. Nº 938

Eduard Gaertner - Vista de la Ópera y del Unter den Linden, Berlín - 1845  (Museo Thyssen, Madrid)

 

Pintura

Ésta es una de las vistas más hermosas de Berlín que Gaertner realizó en la segunda etapa de su carrera artística. Muestra el centro de gravedad de la vida espiritual y social de la capital -el teatro de la Ópera (hoy Staatsoper)- bañado por la cálida luz de un atardecer de finales de verano. El teatro atrae la mirada del espectador por su imponente columnata situada en el centro de la composición. El edificio de la Ópera, diseñado por el arquitecto Georg Wenzelhaus von Knobelsdorff, fue construido entre 1741 y 1743, con la idea de que marcase el comienzo del «Forum Fridericianum», monumental complejo proyectado por Federico el Grande, rey de Prusia, para que pudiera verse desde su palacio (obra de Andreas Schlüter). La Ópera es el único edificio que se erigió según este proyecto. A la izquierda se alza la estatua del general Von Blücher, realizada por el escultor berlinés Christian Daniel Rauch en 1826, y que originalmente estuvo colocada en el Prinzessinenpalais. Detrás de la Ópera se levanta un edificio rígidamente cúbico, que es el palacio berlinés del príncipe Enrique, futuro emperador Guillermo I, construido por Carl Ferdinand Langhans entre 1834 y 1837. Aquí es donde empieza el bulevar Unter den Linden, con sus cuatro hileras de tilos (en alemán «Linden») que dan su nombre a la avenida; ésta termina en Pariser Platz, ante la Puerta de Brandemburgo. A ambos lados de este espléndido bulevar se levantaban las casas más hermosas de la ciudad, los cafés y los comercios más lujosos. Los edificios que se ven a la derecha del cuadro son, en primer lugar, el palacio del príncipe Enrique, construido por Johann Boumann, hoy sede de la Universidad Humboldt; por detrás de éste se vislumbra la silueta de la antigua Academia de Bellas Artes.

Música

Drei alte Schachteln (Tres viejas carcamales), es una ópera cómica, en un prólogo y tres actos, de Walter Kollo. El libreto lo escribió Herman Haller. Rideamus, alias de Fritz Oliven, aportó las letras. El estreno tuvo lugar el 6 de octubre de 1917, en el Theater am Nollendorfplatz en Berlín. En esta típica opereta berlinesa destacan las marchas, alegres valses y frescos couplets. El más conocido de ellos “Unter‘n Linden die alten Bäume blühn” (“Bajo los tilos crecen los viejos árboles”)

ACTO I
Han pasado diez años. Klaus Kersting ha hecho carrera en el ejército, regresando de la guerra como capitán. Con él está su amigo Cornelius, que sigue siendo lo que era al principio de la guerra: Sargento. Juntos visitan el apartamento de las dos hermanas Charlotte y Ursula Krüger en Potsdam. En su casa vive también la cocinera Auguste. Ésta prometió matrimonio a Cornelius antes de la guerra. Extrañamente Klaus se sorprende de que su Charlotte ya no sea tan joven y tan fresca como cuando se vieron por última vez. Y lo mismo le ocurre a Cornelius cuando ve a su prometida. A las dos hermanas y a su ayuda doméstica no se les pasa por alto lo que sucede en la mente de los hombres. No obstante reciben una invitación para asistir al baile del regimiento y, aunque son "tres viejas carcamales”, deciden ir… (“Drei alte Schachteln, die gehen zum Ball” – “Tres viejas carcamales que van al baile”)

Walter Kollo - Drei alte Schachtlein, die gehen zum Ball - Drei alte Schachteln


Walter Kollo - Solang noch untern Linden - Drei alte Schachteln

BERLÍN – El aire berlinés -Año XVI. Nº 937

Ernst Ludwig Kirchner - Puerta de Brandenburgo en Berlin - 1915  (Colección privada)

 

Pintura

Ésta es una primera pintura creada por Kirchner de la Puerta de Brandenburgo de Berlín, más pequeña que la fechada en 1929. En amarillo y verde, con una pincelada en forma de abanico característica de su estilo en ese momento, la Puerta se presenta, vista desde la Pariser Platz / Unter den Linden, bajo pesadas nubes, como una barrera hermética a través de la cual avanza peligrosamente a una columna de vehículos rojos y blancos, que pueden ser interpretados como vehículos blindados.

Música

Frau Luna (Sra. Luna) es una "opereta fantástico burlesca" del compositor Paul Lincke, con libreto de Heinrich Bolten-Baeckers, estrenada el 1 de Mayo de 1899 en el Berliner Apollo-Theater.

El Príncipe Sternenschnuppe ama a la señora Luna pero ella realmente sólo se interesa por Steppke. Theophil reconoce en la señora Pusebach una aventura nocturna en la Tierra. Pannecke, con la que ella está comprometida realmente, coquetea con las mujeres de Venus. Théophile ama a Stella y proporciona a los viajeros la esfera móvil del príncipe, debido a que el globo ha estallado. Después de una cierta agitación, todo el mundo encuentra a su pareja y los habitantes de la Tierra regresan con el convencimiento de que la Luna no es diferente del ático de su casa (“Das macht die Berliner Luft, Luft, Luft” - “Esto hace el aire de Berlín”) El sueño de volar de Fritz Steppke se hace realidad cuando su novia Marie le proporciona un trabajo con el primer capitán de un dirigible, el Conde Zeppelin.

Paul Lincke - Das macht die Berliner Luft, Luft, Luft - Frau Luna

MARGARITA – Por los anchos campos -Año XVI. Nº 936

Fritz Syberg - El amor por la tarde - 1889-91  (Museo Nacional de Estocolmo)

 

Pintura

Este cuadro de Syberg representa a una pareja que se corteja junto al camino tras un día de trabajo. Apartados del grupo, sus brazos se encuentran en una actitud defensiva pero, no obstante, expresan empatía. La carretera de detrás sugiere el camino implícito del matrimonio mientras que las nubes simbolizan la agitación y los distintos caracteres del amor. El sendero de la izquierda constituye tanto la vía de huida como de acceso del hombre: tanto el camino de vuelta a casa como el camino que por el que regresará para mantener un intercambio similar.

Música

Wo die Lerche singt (El canto de la alondra), opereta en tres actos compuesta por Franz Lehar, con libreto de A. Willner y de Heinz Reichert, se estrenó en el Teatro Real de Budapest, el 1 de febrero de 1918.

Un grupo de pintores ha disfrutado de sus vacaciones de verano en el campo y están a punto de regresar a Budapest. Sólo Sándor se queda atrás. Se ha enamorado de la aldeana Margit, a quien su abuelo llama cariñosamente “Margitka”. Para Sándor es un ruiseñor y ha comenzado a pintarla, pero no sabe que Margit está esperando el regreso de su prometido Pista, que está ocupado en la siega junto con otros jóvenes de la aldea.

Franz Lehar - Durch die weiten Felder - Wo die Lerche singt

BERLÍN – Los tres centavos -Año XVI. Nº 935

Jackson Pollock -Hombre con cuchillo - c.1938-40  (Tate Gallery, Londres)

 

Pintura

Pollock estaba empezando a encontrar su propio estilo individual cuando hizo este trabajo. La imagen sorprendentemente violenta de tres figuras entrelazadas se derivó de una obra perdida del pintor mexicano José Clemente Orozco que muestra la lucha fraterna entre Caín y Abel. La exploración de Pollock del tema puede reflejar su interés en los mitos arquetípicos explorados en el psicoanálisis junguiano. El tema también puede referirse a la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, que envolvió a Europa mientras Estados Unidos observaba con horror.

Música

Die Dreigroschenoper (La ópera de los tres centavos) es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht. Fue adaptada de La ópera del mendigo de John Gay, ópera-balada inglesa del siglo XVIII, y es una crítica marxista del mundo capitalista. Se estrenó el 31 de agosto de 1928 en Berlín, en el Theater am Schiffbauerdamm con Lotte Lenya.

Prólogo
Una cantante callejera entretiene al público con la balada (Bänkelsang), titulada "Die Moritat von Mackie Messer" ("Balada de Mac el Navaja") Al acabar la canción, un hombre bien vestido sale del público y entra en escena. Es Macheath, alias "Mac el Navaja".

Kurt Weill - Overtüre und Moritat über Macki Messer - Die Dreigroschenoper

BERLÍN – Bajo los tilos -Año XVI. Nº 934

Max Slevogt - Unter den Linden - 1913  (Museo Estatal de Hesse, Darmstadt)

 

Pintura

Slevogt fue uno de los principales exponentes del impresionismo alemán y, desde 1901, miembro de la Secesión. Pintó escenas de la vida urbana como esta vista de “Unter den Linden” (que en alemán significa "bajo los tilos"), el principal bulevar berlinés, antiguo corazón de la ciudad, que une la Puerta de Brandemburgo con el Schlossbrücke (Puente del Palacio)

Música

Wie einst im Mai (Como entonces en mayo), es una opereta con música de Walter Kollo. El libreto fue escrito por Rudolf Bernauer y Rudolph Schanzer. La obra fue estrenada el 4 de octubre de 1913, en el Berliner Theater, en Berlín.

Cuadro 8: Fritz y Ottilie han fallecido ya. El director Radansky está rodando la película “Como entonces en mayo”, que trata sobre la historia del magnate del automóvil Fritz Jüterbog. El papel de Fritz está encarnado por su nieto Fred. En una pausa del rodaje éste se encuentra con la figurante Tilla Müller, queda prendado por su belleza, y propone al director que, por su enorme parecido, haga el papel de Ottilie La magia del cine hace que Fritz (Fred) y Ottilie (Tilla) terminen finalmente casados (“Unter Linden” – “Bajo los tilos”)

Walter Kollo - Untern Linden - Wie einst in Mai

ÁNIMAS – Pasacalles por un difunto -Año XVI. Nº 933

George Cruikshank -The last scene in the life of sir John Falstaff - 1858

 

Pintura

Esta ilustración pertenece a una serie debida a Cruikshank sobre la figura de John Falstaff, personaje de ficción creado por William Shakespeare. El dramaturgo inglés le da a su personaje una muerte propia del ambiente en que se movía y de la vida que hacía. Porque no muere gloriosamente en una batalla, no es asesinado por un traidor, no se suicida, aunque se dice que murió de amor. Shakespeare le da muerte con una enfermedad venérea, es decir, una muerte muy poco gloriosa.

Música

William Walton había escrito nueve bandas sonoras de películas en el momento en el que colaboró con Laurence Olivier en Enrique V, la primera de tres obras de Shakespeare que se adaptaron para el cine (las otras fueron Hamlet y Ricardo III). Compuesta entre 1943 y 1944 y revisada ese año, la película fue un enorme éxito y la partitura de Walton fue nominada para un Premio de la Academia.

La partitura retrata sutilmente el contraste entre los tiempos difíciles de Enrique V y de relativa calma de la temprana época isabelina. Las escenas iniciales en el Globe Theatre de Shakespeare contienen sugerentes, pero no imitativos, ecos de la música del teatro isabelino. En algunas partes de canto llano se utiliza para crear atmósfera, pero en general el estilo es en buena parte del siglo XX. Un hermoso Pasacalles acompaña a la muerte de Falstaff, y mistress Quickly canta una canción triste de despedida al anciano caballero.

William Walton - Passacaglia, Death of Falstaff - Henry V

LA ROSA DEL AZAFRÁN – La jota -Año XVI. Nº 932

Joaquín Sorolla - Aragón - 1914  (Hispanic Society of America, Nueva York)

 

Joaquín Sorolla - La Jota - 1914  (Museo Sorolla, Madrid)

 

Pintura

En 1911, la Hispanic Society of América encomendó a Sorolla un encargo muy especial: La decoración de una gran estancia rectangular, con una serie de catorce paneles de gran formato pintados al óleo, que ilustraran las distintas regiones de España, captando su peculiar carácter a través de sus paisajes y sus gentes. En este panel aparecen representadas un grupo de personas bailando la Jota y vestidas con el traje típico de Ansó.
En la Jota, Sorolla representa un grupo estático de figuras. Uno de los grupos, el de la izquierda, está mirando al espectador. Otras figuras bailando, al centro y lado derecho. Detrás, los troncos de unos árboles y manchas pardo-amarillentas.

Música

La crítica de la época advirtió, desde el primer momento, la calidad de La rosa del azafrán, zarzuela en dos actos y seis cuadros, con texto original de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y música de Jacinto Guerrero, se estrenó el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid. El comentario firmado por el compositor Julio Gómez en El Liberal: “La partitura de La rosa del azafrán, para nuestro gusto, es la mejor que hasta ahora ha producido Guerrero. La Mancha es por aproximación su patria chica; los ritmos de la gallarda seguidilla son connaturales en su lenguaje musical, y ellos informan y dan aroma constantemente a la obra. La construcción melódica tiene fluidez y cuadratura; esto, que parece tan fácil, ¡qué difícil es! La palabra está dicha siempre con naturalidad y elegancia, y la frase musical tiene exacta correspondencia ideal y prosódica con la literaria. Hay varios momentos de frase apasionada y dramática, resueltos con verdadera maestría de compositor teatral. Y los números de carácter decorativo, coros y danzas populares tienen muy notable vigor y brillante colorido. Las voces están hábilmente trazadas y consigue llegar con ellas al máximo efecto.”

La celebración por las próximas bodas de Juan Pedro y Sagrario comienza con una alegre Jota (“Bisturí, Bisturí se quería casar”) Sin embargo Juan Pedro siente remordimientos de que se unieran por un ardid, por lo que decide confesar su pesar. Sagrario ya lo sabía, y sus sentimientos hacia él ya no podían cambiar. La obra culmina con un final feliz para todos: los amantes juntos, Don Generoso se recupera de su locura, y el viudo Carracuca se casa con Catalina. Moniquito, por el contrario, ve deshechas sus esperanzas con Catalina.

Jacinto Guerrero - No.12 Jota castellana - La Rosa del Azafrán

LA ROSA DEL AZAFRÁN – Las espigadoras -Año XVI. Nº 931

Jean-François Millet - Las espigadoras – 1857  (Museo D'Orsay, París)

 

Pintura

El pintor representa a tres cosechadoras, en el primer plano, espalda cuadrada, mirada fija hacia el suelo. Combina de este modo tres fases del repetitivo y agotador movimiento que impone esta dura tarea: agacharse, recoger, levantarse. Su austeridad se opone a la abundancia de la cosecha en lo lejano: almiares, gavillas, carro y la muchedumbre de los segadores que se ajetrean. Este abundante y luminoso festejo parece cuanto más alejado que el cambio de escala es repentino. La rasante luz del sol poniente marca los volúmenes del primer plano y proporciona a las cosechadoras un aspecto escultural. Subraya con vivacidad sus manos, nucas, hombros y espalda y aviva los colores de su ropa. Después, lentamente, Millet matiza lo lejano, para producir una atmósfera dorada y polvorienta, intensificando la impresión bucólica del fondo. El personaje a caballo, aislado en la derecha es seguramente un capataz. Encargado de vigilar las labores en la finca, también procura que las cosechadoras cumplan con las reglas ligadas con su actividad. Su presencia añade una distancia social, recordando la existencia de los propietarios de quienes es la emanación.

Música

Una pieza de teatro con semejante conflicto central hubiera sido considerada fuera de lugar en otros países europeos alrededor de 1930, no así en España, atrasada históricamente. La opresiva sociedad de clases de España, que obstaculiza la vida de todos, es tomada muy en serio para poder ridiculizarla eficazmente. Es combatida, sobre todo la rígida vertical social que parte del predominio masculino, cuando dos mujeres de distinto nivel toman en común la iniciativa para compensar la desigualdad social. La rosa del azafrán, zarzuela en dos actos y seis cuadros, con texto original de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y música de Jacinto Guerrero, se estrenó el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid.

Las espigadoras empiezan su canto (Coro de las espigadoras: “Acudid, muchachas”) y Catalina entona “Esta mañana muy tempranito” tras la faena por la cosecha. Todos se enteran que Don Generoso había encontrado a su hijo Juan Pedro, lo que cambiaba su status totalmente.

Jacinto Guerrero - No.11 Coro de espigadoras - La Rosa del Azafrán

LA ROSA DEL AZAFRÁN – Diferencias insalvables -Año XVI. Nº 930

Vincent Van Gogh - Bodegón con una canasta de azafrán - 1887  (Museo Van Gogh, Amsterdam)

 

Pintura

Naturaleza muerta debida a Van Gogh que representa una canasta con bulbos de azafrán. El artista estaba convencido de que el dibujo era la base, la raíz de todo, creía con firmeza que, para ser un gran pintor, uno tenía que aprender a dibujar antes de añadir color. A lo largo de los años llegó a dominar claramente el dibujo y empezó a usar más color.

Música

La rosa del azafrán es una zarzuela en dos actos y seis cuadros, con texto original de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw y música de Jacinto Guerrero, que se estrenó el 14 de marzo de 1930 en el Teatro Calderón de Madrid. El tema es clásico: el amor entre dos personajes de diferentes clases sociales. El nombre de la zarzuela se debe al azafrán (crocus sativus) que es una planta con raíz bulbosa, de flores moradas y estigmas rojos que se usa para condimentar y para teñir de amarillo, también posee algunas propiedades medicinales. Se hace referencia en el libreto a que el amor es tan frágil como esta flor peregrina otoñal, "que brota al salir el sol y muere al caer la tarde".

Reaparece Juan Pedro, quien no había olvidado a Sagrario, ni ella a él, pero la diferencia por el status era tan obvia, que no permitía el amor entre ellos (Romanza de Sagrario “No me duele que se vaya”) Juan Pedro le pide ayuda a Custodia, quien al ver que ambos sufrían injustamente, halla la solución: Juan Pedro se haría pasar por el hijo de Don Generoso, y al mismo tiempo esto podría ayudar a Don Generoso a recuperar la cordura.

Jacinto Guerrero - No.10 Romanza de Sagrario - La Rosa del Azafrán

LA ROSA DEL AZAFRÁN – La caza del viudo -Año XVI. Nº 929

Benjamín Palencia - Carros o Camino de la Mancha - 1940  (Museo de Albacete)

 

Pintura

Palencia representa un camino por el que circulan en sentido contrario dos galeras tiradas por mulos de carga. A ambos lados del camino los postes de la luz que existían en la época. Alrededor paisaje de suaves ondulaciones.

LA ROSA DEL AZAFRÁN – Manchega, flor y gala de la llanura -Año XVI. Nº 928

Guercino - Paisaje con segadores - c. 1635  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Obra que pertenece a la etapa de madurez del artista, comparable a los mejores dibujos de paisaje del artista y fechable en los años centrales de la década de 1630. La faceta de Guercino como dibujante se relaciona estrechamente con el estilo y la técnica de Ludovico y Annibale Carracci, en apuntes rápidos a pluma, a veces con aguadas transparentes que acentúan la sensación atmosférica y luminosa de sus dibujos.