NAVIDAD – Exultate, Jubilate -Año II. Nº 105

Alberto Durero - Santa Ana, la Virgen y el niño - 1519  (Metropolitan Museum of Art, Nueva York)

La protagonista de la tabla es Santa Ana, que gozaba de una extensa devoción en Alemania. Su brillante vestido blanco a la moda nuremburguesa atrae la mirada del espectador y está plasmado con gran realismo. La madre apoya su mano en la hija, que está completamente absorta en la adoración de su hijo, conformando ambos una escena diferente, a otro nivel, en el que nos introduce la figura de Santa Ana, tradicional intercesora entre los fieles que le profesaban su devoción y la figura sagrada del hijo de Dios.

El motete Exultate, Jubilate, K.165, fue compuesto por Mozart cuando sólo tenía dieciséis años. Wolfgang y su padre, Leopold, habían viajado a Milán, en octubre 1772, para el estreno de la ópera Lucio Silla. El famoso castrato Venanzio Rauzzini había cantado el papel de Cecillo en la ópera "como un ángel", de acuerdo con Leopoldo. No se conoce por qué Mozart compuso Exsultate, Jubilate en ese momento, y por qué específicamente para Rauzzini y no para una soprano femenina. El virtuosismo de la pieza, sus florituras, y el estilo de coloratura nos dan una idea de la calidad de la voz Rauzzini. La obra, con texto en latín de origen desconocido, que se refiere a la Virgen y a su júbilo por el hecho de la Natividad, recibió su estreno el 17 de enero de 1773, en la Iglesia de San Antonio, de Milán.

En esta obra de Mozart se combina el estilo recitativo y aria de la 'ópera seria', con las tres partes en que se estructura la sinfonía italiana, cuyos movimientos tienen ritmo rápido, lento y rápido, respectivamente. El resultado es un concierto vocal en miniatura en tres movimientos. La obra se abre con un Allegro, seguido por un lento y lírico Andante, precedido por un recitativo. El movimiento final, Allegro Molto, es el brillante y famoso Aleluya, una de las piezas favoritas de las sopranos y los asistentes a conciertos en todo el mundo.

Wolfgang Amadeus Mozart- Aleluya - Exultate, Jubilate, K.165

DEPORTES - El partido de béisbol -Año II. Nº 100

Base Ball. Acuarela impresa por L. Prang & Co. - c. 1887 (Biblioteca del Congreso, Washington)

 

Pintura

El primer club organizado de béisbol fue formado en 1842 por un grupo de jóvenes en la ciudad de New York, encabezado por Alexander Cartwright, que llamó a su club New York Knickerbockers Base Ball Club. El estilo de juego de los Knickerbockers se extendió rápidamente durante la década de 1850, se fundaron clubes de béisbol por toda Nueva York adoptándose nuevas reglas. A finales de esa década, la popularidad del juego se había extendido más allá de la ciudad y empezó a conocerse como el juego de Nueva York. El New York Game se popularizó durante la guerra civil estadounidense, cuando los miles de soldados de la Unión, que venían de la ciudad de Nueva York, lo practicaban en los lugares por donde viajaban. Al finalizar la guerra en 1865, el juego se había convertido en la variedad más popular de béisbol en todo el país. Poco después, el nombre de New York Game desapareció y se llamó simplemente béisbol. En esta acuarela se muestra un lance del juego.

Música

Take Me Out to the Ball Game (Llévame al partido de béisbol) es una canción de Tin Pan Alley de 1908 con letra de Jack Norworth y música de Albert Von Tilzer, que se ha convertido en el himno no oficial del béisbol, aunque ninguno de sus autores había asistido nunca a un partido antes de escribir la canción (Norworth y Von Tilzer vieron finalmente su primer partido de la Major League, respectivamente, 32 y 20 años más tarde)

La letra fue escrita por la estrella del vodevil Jack Norworth quien, viajando un día en el metro, se inspiró en un cartel que decía "Béisbol hoy - Polo Grounds". En la canción, el novio de Katie (y más tarde de Nelly) la llama para invitarla a salir a ver un espectáculo. Ella acepta la cita, pero sólo si la lleva a un partido béisbol. La canción fue cantada por primera vez por Nora Bayes, por entonces esposa de Norworth, y popularizada por muchos otros artistas de vodevil. Se interpretó por vez primera en un estadio en 1934, en un juego celebrado en una high-school de Los Ángeles, y los investigadores creen que hizo su debut en un estadio de la Major League ese mismo año. La canción se canta tradicionalmente durante la séptima entrada de un partido de béisbol.

Albert von Tilzer - Take Me Out to The Ball Game

DEPORTES - El tenis -Año II. Nº 99

Phil Berry - Tennis Player Couple - c. 1950

 

Pintura

Esta ilustración debida a Berry representa a un hombre joven y a una mujer, identificada en la parte trasera como la actriz Piper Laurie, vestidos para jugar al tenis y sosteniendo raquetas, contra un fondo simple realizado en tonos pastel de color lavanda y rosa. Ella se inclina coquetamente contra el hombro del joven. La colocación de un rectángulo blanco a la derecha sugiere que pudo haber sido utilizado en una campaña publicitaria o una ilustración de una revista, con el rectángulo dejado abierto para el texto.

Música

Hochzeitsnacht im Paradies (Noche de boda en el Paraíso) es una opereta de Friedrich Schröder, para la cual Heinz Hentschke y Günther Schwenn escribieron los textos de las canciones, que se estrenó en Berlín en 1942.

Regine y Ulrich celebran su enlace matrimonial. Se presentan a la fiesta Dodo, una artista ex-amiga de Ulrich, que se resiste a ceder a su pretendido, y su representante Dajo; Veronika, una amiga de Regine, y su novio Poldi; y el tío de Regine, quien, a su vez, pretende a Dodo. Por descuido, Dajo deja olvidado el estuche de cigarrillos de Dodo en la habitación de los novios y lo encuentra Regine. Presa de los celos, no deja entrar a Ulrich al dormitorio, quien tiene que hospedarse en el Hotel Paradise. Ulrich, quien ha bebido en exceso para olvidar sus penas, entra por equivocación en la habitación de Veronika. Regine, quien arrepentida ha acudido al hotel en busca de Ulrich, entra en la habitación, encuentra a su novio y entrevé, bajo la cama, las piernas de Veronika, quien se ha escondido apresuradamente, confundiéndola con Dodo. Presa de un nuevo ataque de celos abandona la estancia, sin atender a las razones de Ulrich. Poldi cree que Veronika también le es infiel. Ulrich, en vista de que no va a poder disfrutar de su noche de bodas, decide emprender el viaje previsto a Venecia e invita a Veronika a acompañarle. Allí se presenta como un jugador de tenis y a Veronika la identifican, por error, con su mujer. Los invitados a la boda aparecen también en Venecia y, durante una fiesta de los Gondolieri, logran reconciliarse todas las parejas.

Friedrich Schröder - Ich spiel mit dir - Hochzeitsnacht im Paradies

MARGARITA – La curiosidad -Año II. Nº 98

James Tissot - Fausto y Margarita en el jardin - 1859  (Colección privada)

El joven pintor Tissot eligió extraer su tema en el Fausto de Goethe, publicado en 1808: En una de sus excursiones, Fausto conoce a Margarita (también llamada Gretchen). Se siente atraído por ella y con regalos de joyas y ayuda de su vecina Martha, el diablo lleva a Gretchen a los brazos de Fausto, quien la seduce y finalmente logra poseerla. La factura lisa, el dibujo minucioso recuerdan la manera de los primitivos alemanes y flamencos, así mismo como los detalles del decorado y de la arquitectura.

Faust, ópera en cinco actos compuesta por Goudnod, con libreto de J. Barbier y M. Carre adaptado de la primera parte de la obra homónima de Goethe, estrenada en París el 19 de marzo de 1859.

ACTO III
Margarita, sentada junto a una rueca, empieza a hilar, entonando una ingenua canción. Al observar una misteriosa cajita, dejada por Mefistófeles por cuenta de Fausto, su curiosidad le tienta y al abrirla queda maravillada de las riquezas que contiene. Obedeciendo al impulso de su vanidad, extrae las joyas del cofrecito y las coloca en sus manos, su cuello y sobre su dorada cabellera cantando una bella canción de dicha y asombro ante tanto brillo y esplendor (Ah! Je ris - ¡Ah! Yo me río)

Charles Goudnod - Ah! Je ris - Faust

DEPORTES - El partido de pelota -Año II. Nº 97

Francisco de Goya - El juego de pelota a pala - 1779  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Goya subrayaba en la factura de entrega del cartón a la Fábrica de Tapices de Santa Bárbara el número elevado de figuras que había incluido, las tres parejas de jugadores, cada uno ocupando su posición exacta en el juego, como delantero, central y zaguero, y a veinticinco figuras más, de hombres de todas las edades mirando el juego en grupos variados y en distintas actitudes. De origen francés, los juegos de pelota se extendieron por España, teniendo gran éxito sobre todo en el País Vasco, donde ya entonces cada pueblo tenía su frontón. El artista representó aquí un momento concreto del juego, cuando la pelota, en el suelo, ha alcanzado la chaza, lugar donde se detiene la pelota antes de que llegue a la raya señalada para ganar, y adonde señala interesado uno de los asistentes.

Música

La Bruja es una zarzuela grande en tres actos con texto original de Miguel Ramos Carrión y Vital Aza y música de Ruperto Chapí , estrenada el 10 de diciembre de 1887 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En el segundo acto, una página musical de plena viveza y colorido es la partida de pelota.

ACTO II
Han pasado los años. De Leonardo, hombre joven y fuerte, gran cazador, no se han vuelto a tener noticias en el pueblo. Le dieron por muerto, le lloraron y casi le han olvidado ya. Rosalía, hermanastra de Leonardo, y Tomillo, mozo pastor y bonachón, se casaron. Tienen tres hijos preciosos, y la abuela Magdalena, madrastra de Leonardo, es feliz con sus nietecillos. El marido de Rosalía ha prosperado, dejó de ser pastor y ahora es dueño de un molino. La suegra le quiere y él es feliz en su matrimonio. Se están celebrando las fiestas del pueblo, donde no faltan los célebres partidos de pelota entre navarros y vizcaínos.

Ruperto Chapí - No. 10 Coro de pelotaris - La bruja

DEPORTES – El balompié -Año II. Nº 96

Umberto Boccioni - Dinamismo de un jugador de fútbol- 1913  (Museo de Arte Moderno, Nueva York)

 

Pintura

En esta obra, un jugador de fútbol se desmaterializa en una atmósfera luminosa y parpadeante, apoyado en sus firmemente esculpidas piernas, en el centro. Aquí Boccioni ofreció una demostración de un principio que articuló en su texto de 1910 "Manifiesto técnico de la pintura futurista": "Para pintar una figura humana no debes pintarla, debes representar toda su atmósfera circundante... el movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos". Con pinceladas punteadas y colores caleidoscópicos, la pintura comunica la energía espiritual de un joven atleta.

Música

Don Manolito es un sainete en dos actos, y tres cuadros. El texto es de Luis Fernández de Sevilla y de Anselmo C. Carreño y la música de Pablo Sorozábal. Fue estrenado el 24 de abril de 1943 en el teatro Reina Victoria de Madrid. Es una historia de amor entre el hombre maduro Don Manolito y la joven Margot en un escenario de montaña y deporte. Margot está enamorada de Guillermo, un joven, guapo y atlético jugador de fútbol, que sólo piensa en el deporte y no siente por Margot más que una sincera amistad. Don Manolito se propone ayudar Margot en sus amores con Guillermo, pero poco a poco comienza a enamorarse de ella. Al final Guillermo se quedará con su deporte y Margot se casará con don Manolito.

Pues sí, una vez se narró un partido de fútbol maravillosamente cantado.
Pero le fue narrado a una mujer que esperaba que le cantaran otra cosa.

ACTO II, cuadro primero.
Guillermo va a visitar a Margot. En vez de dirigirle palabras de amor, Guillermo le cuenta a Margot, ilusionadamente, el partido que el «Maravillas» le ha ganado al «Centro». Guillermo acaba su relato del partido explicando cómo le dio un gran abrazo al portero del «Maravillas», su primo Paco, que es el mejor portero del mundo. Por su parte, Margot se lamenta de que sea a un portero de fútbol a quien Guillermo quiera darle un abrazo. Cuando Guillermo se marcha, Margot queda llorando.

Pablo Sorozábal - Qué partido te has perdido chiquilla - DON MANOLITO

DEPORTES – Concurso de tiro -Año II. Nº 95

Francisco de Goya - Carlos III cazador - h.1786  (El Prado, Madrid)

 

Pintura

Retrato del rey Carlos III, hijo de Felipe V y de Isabel de Farnesio, poco antes de su muerte, ocurrida en Madrid el 14 de diciembre de 1788. La composición sitúa al monarca vestido de cazador, luciendo las bandas de la orden de Carlos III, de San Jenaro y del Santo Espíritu, así como el Toisón de Oro, en las tierras de caza de los reyes, bien en los alrededores de El Escorial o entre el Palacio de El Pardo y la sierra madrileña. Acompañado de un perro, que duerme plácidamente a sus pies, sigue la tipología de los retratos de Velázquez del rey Felipe IV cazador, de su hermano el infante don Fernando y de su hijo, el príncipe Baltasar Carlos, que Goya había copiado al aguafuerte en 1778.

Música

El estreno de Ins Centrum!, vals op. 387 (¡En la diana!) tuvo lugar en el transcurso de un concierto que celebró la Wiener Männergesang-Verein (Asociación coral masculina vienesa), bajo la dirección de Eduard Kremser, el 22 de julio de 1880, en los Schützenhalle (salones de tiro) en el Prater. Probablemente antes de trasladarse a Schönau, en Viena o en Bad Vöslau, Johann Strauss II completó este vals para el primer concurso de tiro Federal austriaco, que se iba a celebrar en el Prater de Viena entre el 18 y 25 julio.

Toda la composición encuentra a Strauss en el mejor de los espíritus, y la obra, sin duda, ocupa un lugar entre sus valses más exuberantes, con una sorprendente introducción. ¿Y el título de la pieza? ¿Qué mejor para un concurso de tiro que “en la diana”?. En la apertura un redoble de tambor y un 'tiro' de percusión introducen un solo para cítara, un suave pasaje que presagia la melodía del vals principal. Otro inesperado redoble de tambor y 'disparos' conducen a una melodía, en tiempo de marcha, antes de un redoble de tambor final, 'disparos' y la fanfarria que retoma el espléndido espíritu de la apertura del vals. Las sorpresas no paran ahí, incluso se pide una contribución vocal de los miembros de la orquesta: "Eins! Zwei! Drei! (Schuss). Centrum! Hurra!" (Uno! Dos! Tres! (Bala). Diana! Hurra!) ¡Realmente, un vals que tiene de todo!

Johann Strauss II - Ins Zentrum! Vals op. 387

ÁNIMAS – El cementerio -Año II. Nº 94

Caspar David Friedrich - Entrada al cementerio - 1825  (Staatliche Kunstsammlungen, Dresde)

Es probable que se trate del cuadro conmemorativo de un niño fallecido, cuyos padres aparecen a la entrada del cementerio. La puerta está inspirada en la del cementerio de la Trinidad de Dresde. En la parte superior de la puerta se encuentran las "arma Christi", es decir, la corona de espinas y las lanzas, con la esponja, que se refieren a su martirio en la Cruz, durante el cual le fue ofrecido la esponja empapada en vinagre para calmar su sed. Por tanto, aluden a la muerte de Cristo. En el centro de la puerta y en la parte inferior, esbozados tan sólo, unos ángeles portan la corona del martirio. A este lado, en un primer término sombrío, representativo de la vida terrena, se detienen los padres, que observan tímidamente el otro lado de la puerta, es decir, el más allá, donde reposan las almas, en cuyo fondo, sobre los abetos - símbolos de los creyentes - se destaca la luz celestial. Es la puerta de la salvación.

El niño judío es una zarzuela en dos actos, con texto original de Enrique García Álvarez y Antonio Paso y música de Pablo Luna, estrenada el 5 de febrero de 1918 en el Teatro Apolo de Madrid.

El mundo de la copla se refleja en el segundo acto, en el gracioso dúo cómico de Samuel y Jenaro “Arza y olé…Soy un rayito de luna… Sementerio, sementerio”, imitación de una canción que las hermanas Catafalco popularizaron en el Chancleter, toda una parodia de lo andaluz interpretado por malas cupletistas. El crítico del diario La Época escribió “al demonio se le ocurre poner los cuplés de unos cadáveres y la danza macabra, que son groseros, impíos y de un gusto deplorable”.

Pablo Luna - Soy un rayito de luna - El nino judio

MITOLOGÍA - Valquirias -Año II. Nº 93

Edward Robert Hughes - La vigilia de la Valquiria - s. XX

Siguiendo la reinterpretación romántica de los viejos mitos realizada por Richard Wagner, Hughes representa a la terrible diosa nórdica de la guerra en una etérea pintura de cuento de hadas: descalza, vestida con una túnica sobre el hombro, y suavemente iluminada desde arriba. Subraya sus aspectos marciales: el casco en la parte interior de su brazo y la espada sostenida por el ricasso (la sección roma inmediatamente después de la cruz de la empuñadura) Del guerrero muerto en la batalla, del lobo o el cuervo carroñero, no hay rastro.

Die Walküre (La valquiria) es la segunda de las cuatro óperas o tetralogía del ciclo titulado El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen) de Richard Wagner y la que se representa más asiduamente, incluso separada del ciclo completo. Fue estrenada en el Hoftheater de Múnich (Teatro de la Corte, hoy Teatro Nacional de Múnich) el 26 de junio de 1870. La famosa introducción al tercer y último acto, describiendo a las guerreras semidiosas en sus corceles, se conoce como «Cabalgata de las valquirias».

Wagner se inspiró en la mitología nórdica al escribir esta obra, específicamente en la Volsunga. En la versión simplificada del compositor, las valquirias son las hijas del dios Wotan y la madre tierra, la diosa Erda, concebidas como doncellas guerreras para defender el Olimpo germánico, el Walhalla, del acecho los Nibelungos y recoger las almas de los héroes muertos en batalla para llevarlos a su descanso eterno en el Walhalla. La valquiria preferida de Wotan es Brunilda (Brünnhilde), que representa su verdadera voluntad por sobre los designios de su esposa Fricka (diosa del matrimonio). Será Brunilda quien desobedecerá a su padre y desatará la tragedia resultante en El ocaso de los dioses (Götterdämmerung)

Richard Wagner - Hojotoho - La valquiria

MITOLOGÍA - La bella Galatea -Año II. Nº 92

Jean-Léon Gérôme – Final de sesión - 1886  (Colección privada)

 

Pintura

La fascinación de Gérôme por el gesto del escultor, por su dominio de la materia y su capacidad para darle forma le orientan hacia el mito de Pigmalión infundiendo vida a Galatea. Se representó a sí mismo en escultor, jugando, en esta obra con la redundancia de la presencia del modelo en carne y hueso y de la estatua, que se está elaborando. Sus representaciones mezclaron estrechamente las referencias al mito de la Antigüedad con la realidad contingente del taller.

Música

La bella Galathee (La Bella Galatea) es una opereta en dos actos de Franz von Suppé con un libreto alemán del propio compositor y de ‘Poli Henrion’ (seudónimo de L. Kohl von Kohlenegg) La primera representación tuvo lugar en el Meysels-Theater de Berlín, el 30 de junio de 1863.

El escultor Pigmalión está perdidamente enamorado de su estatua de Galatea. Por lo tanto no quiere vender la estatua a un mecenas de las artes, Midas, y reza a Venus, la diosa del amor, para que le de vida a la estatua. Su deseo es concedido, Galatea cobra vida y canta su felicidad “Wunderbar ein Mensch zu sein” (¡Qué maravilla ser humana!) Sin embargo, Galatea resulta ser una criatura muy independiente. Es infiel a Pigmalión con su criado Ganímedes (porque es mucho más agradable para ella que Pigmalión) y no rechaza Midas, quien le ofrece joyas. Cuando Pigmalión sorprende a Galatea en una situación comprometida implora a Venus para que la convierta de nuevo en piedra. Las joyas ofrecidas por Midas también se convierten en piedra, y, finalmente, Pigmalión le vende la estatua.

Franz von Suppé - Wunderbar ein Mensch zu sein - Die schöne Galathee

MITOLOGÍA - Orfeo y Eurídice -Año II. Nº 91

Camille Corot - Orfeo guiando a Eurídice desde los infiernos - 1861  (Museum Fine Arts, Boston)

 

En este cuadro, el legendario músico Orfeo - quien sedujo a los dioses griegos para que le permitieran recuperar a su amada esposa, que había sido mordida fatalmente por una serpiente - la conduce tiernamente desde el inframundo. En la antigüedad se creía que los difuntos seguían existiendo como espíritus, vistos aquí reunidos en pequeños grupos bajo los delicados árboles. Corot, un gran amante de la música, ha impregnado esta obra con un sentido de lirismo melancólico que insinúa el trágico final de la historia: Orfeo pierde a Eurídice para siempre cuando se vuelve para mirarla antes de llegar al mundo de los vivos. El sentido de la realidad filtrada es realzado por el uso extraordinariamente sutil del color. El artista utiliza un acorde tonal melancólico, modulando cuidadosamente una gama estrecha de grises, de verdes y azules.

Orfeo ed Eurídice (Orfeo y Euridice) es el nombre de una ópera en tres actos del compositor alemán Christoph Willibald von Gluck, con libreto de Raniero de Calzabigi, que data de 1762 y está basada en el mito de Orfeo. Pertenece al género de azione teatrale (acción teatral), que implica que la ópera se basa en un tema de la mitología y utiliza danzas y coros. La pieza se estrenó en Viena en 1762. En España, se estrenó en 1780, en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona, cantada en italiano.

ACTO III
A la salida del Hades, Eurídice está encantada de volver a la tierra, pero Orfeo, recordando la condición impuesta, sólo le permite ir de la mano y se niega a mirarla, sin explicarle nada. Ella no entiende su acción y se lo reprocha, pero él tiene que sufrir en silencio. Eurídice considera que esto es una señal de que ya no la ama, y se niega a continuar, concluyendo que la muerte sería preferible. Orfeo no puede aguantar más, se da vuelta y mira a Eurídice y ella muere de nuevo. Orfeo canta su dolor en la famosa aria "Che faro senza Euridice?" / "J'ai perdu lun Eurídice" ("¿Qué haré sin Eurídice?" / "He perdido a mi Euridice").

Christoph Willibald Gluck - "Che faro senza Euridice?" / "J'ai perdu lun Eurídice" - Orfeo ed Euridice

MITOLOGÍA - La bella Helena -Año II. Nº 90

Angelica Kauffmann - Venus induce a Helena que se enamore de Paris - 1790  (Hermitage, San Petersburgo)

 

Pintura

La diosa Afrodita (su equivalente romano es Venus) había prometido al príncipe troyano Paris el amor de Helena como premio por haber decidido a su favor en el concurso de belleza que la había enfrentado a Hera y Atenea. Afrodita provocó que Helena se enamorase de Paris, escena representada por Kauffmann, y los amantes huyeron juntos de Esparta con el tesoro de Helena mientras Menelao se encontraba aún en Creta.

Música

La belle Hélène (La bella Helena) es una opereta en tres actos, con música de Jacques Offenbach y libreto en francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Fue estrenada en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864, con Hortense Schneider y José Dupuis en los papeles principales. La opereta parodia la historia de la fuga de Helena, la reina de Esparta, con Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, lo que desencadenó la Guerra de Troya.

ACTO II
Después de parodiar la vida de la corte griega, haciendo aparecer al honesto Calcante, sumo sacerdote de Júpiter, como un jugador tramposo, el autor presenta a Paris, tratando de encontrase con Helena durante la noche. Aunque ella sabe que es su destino ('Amours divins’), en apariencia se le resiste, y él debe utilizar la estrategia. Sale, pero vuelve cuando se ha quedado dormida. Se acerca a su cabecera y le dice que lo que ahora va a ocurrir es sólo un sueño, y ella acepta todos los riesgos de este juego. Menelao, rey de Esparta y esposo de Helena, regresa inesperadamente y encuentra a los dos abrazados. Helena, sale al paso exclamando: 'la fatalité, la fatalité'. Y reprocha a su marido que todo es culpa suya: un buen marido sabe cuándo ha de aparecer y cuando se debe mantener alejado. Paris intenta disuadirle, en vano, de no montar un escándalo. Cuando todos los reyes griegos se unen a la fiesta, reprenden a Paris y le invitan a que regrese de donde vino. Sale París, prometiendo volver a terminar el trabajo.

Jacques Offenbach - No.2 Amours divins - La Belle Hélène

MITOLOGÍA - El triunfo de Baco -Año II. Nº 89

Diego Velázquez - El triunfo de Baco - 1629  (El Prado, Madrid)

Ésta es una obra fronteriza, que inaugura una temática que estará presente hasta los últimos años de la carrera de Velázquez, y al mismo tiempo mantiene numerosas deudas con su pasado. El personaje principal es Baco, que dio al pintor la oportunidad de representar uno de sus primeros desnudos masculinos, y domina la composición con la luminosidad de su cuerpo y sus vestiduras. A la izquierda un sátiro desnudo levanta una fina copa de cristal y nos sitúa en el mundo de los seres y las historias fabulosos, mientras que a la derecha se agolpan un mendigo y cuatro hombres de capas pardas, rostros curtidos y expresión achispada, que constituyen un contrapunto cotidiano, verídico y realista. Ante ellos se interpone la figura de un joven que se encuentra de rodillas y está siendo coronado por el dios.

La alegre Bachus-Polka op. 38, escrita por Johann Strauss II, fue escuchada por primera vez en un evento titulado 'Festival en los Salones de Baco’, celebrado en las Sträussel-Säle del teatro Josefstädter, el 2 de febrero de 1847.

Mientras Baco (Dioniso en la mitología griega), Dios clásico del vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis, inspiró a Johann Strauss padre en sólo dos composiciones – el Champagner-Galoppe (Op. 8) y el Champagner-Walzer (Op. 14) – su hijo mayor tomó este tema como inspiración de varias de sus danzas. La edición impresa de esta polca pide que los miembros de la orquesta canten alabanzas al 'monarca de la vid': "Bachus, Bachus tra la la la" y "Der Bachus hoch I" (¡Viva Baco!)

Johann Strauss II - Bachus Polka op. 38

ESPAÑA – El exotismo de lo español -Año II. Nº 88

Edgar Degas – Danza española - c. 1885 (Ackland Museum, Chapel Hill)

 

Escultura

Esta escultura de bronce de Degas pertenece a una serie de esculturas de bailarinas y caballos, que muestran la búsqueda incansable del artista en el logro de la espontaneidad del gesto, que paradójicamente, nada tienen de espontáneo ya que como el mismo escribió: "Ningún arte es tan poco espontáneo como el mío (...) Hay que repetir diez, cien veces el mismo tema. Nada en el arte debe parecer casual, ni siquiera el movimiento".

Música

Josef Lanner y Johann Strauss padre, quien tocó el violín en el quinteto de Lanner y más tarde en su orquesta hasta 1825, tomaron las danzas tradicionales alemanas y las pusieron de moda transformándolas en el vals, la danza vienesa por excelencia. Ellos también se interesaron y continuaron con las galopadas, una clase de danza muy apreciada por las generaciones anteriores. A este último grupo pertenece el Spanischer Galopp, que además es otro ejemplo del interés de los compositores austriacos por los aires españoles.

En 1841, una revista de las artes vienesa describía a Lanner y a sus atractivas nuevas composiciones de la siguiente forma: “Lanner es el non plus ultra de la música pasada y presente. Lejos de tener una técnica violinística mecánica, él es capaz de transmitir con exactitud sus sentimientos. La habilidad de hablar al corazón y apelar a sus emociones es uno de sus más grandes logros. Es sin duda el mas preeminente de los compositores de valses. Lanner es el Mozart de la música de danza.”

Josef Lanner - Spanischer Galopp

ESPAÑA – Las Américas -Año II. Nº 87

 

Anónimo - Blasco Núñez Vela, I Primer Virrey del Perú - S. XVI (Museo nacional de arte, Perú)

Pintura

Blasco Núñez Vela y Villalba (1495-1546) fue un militar y político español, Capitán General de la Armada de las Indias. En 1537, fue el primero que capitaneó la Flota de Indias que cruzó el Océano Atlántico llevando los cargamentos de oro y plata al rey Carlos I de España evitando las amenazas de los corsarios y en 1543 fue el primero que envió hacia España, por demanda de los comerciantes de Sevilla, la navegación de convoyes protegida por buques de guerra, sustituyendo por primera vez en Hispanoamérica los navíos sueltos. Fue nombrado primer Virrey del Perú en 1543, con la tarea de hacer cumplir las Leyes Nuevas redactadas para poner fin a los abusos cometidos con los indios por parte de los encomenderos.

Música

La Périchole es una ópera bufa en tres actos, compuesta por Jacques Offenbach, sobre un libreto en francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la novela Le Carrosse du Saint-Sacrement de Prosper Mérimée. La opereta fue estrenada en una versión en dos actos el 6 de octubre de 1868, en el Théâtre des Variétés de París. La Périchole es una adaptación francesa del apodo que se le daba a Micaela Villegas (1748–1819), más conocida como La Perricholi, popular actriz y amante de Manuel de Amat y Juniet, Virrey de Perú entre 1761 y 1776.

La historia habla de dos pobres cantantes callejeros peruanos que no tienen dinero para adquirir la licencia para casarse, y el virrey, Don Andrés de Ribeira, que desea convertir a la Périchole en su amante. En su entrada a escena, al comienzo del acto I, cantan a dúo el romance del conquistador español y la joven india, pero no tienen demasiado éxito a la hora de la recaudación.

Jacques Offenbach - Le conquérant dit à la jeune indienne - La Perichole

ESPAÑA – Toreros -Año II. Nº 86

Manet - Un matador - 1866-67  (The Met, Nueva York)

 

Pintura

El matador es el ilustre Cayetano Sanz y Pozas (1821-1890), a quien Manet vio en acción durante un viaje a España en 1865, su única visita, a pesar de una larga fascinación por el arte español del siglo XVII. Este lienzo, el primero de los cuadros de figuras de cuerpo entero que el artista completó tras estudiar las obras de Velázquez en Madrid, fue realizado a su regreso a Francia. A diferencia de sus anteriores representaciones de toreros, Cayetano Sanz lleva un capote rojo. La figura del torero saludando se sitúa sobre un fondo neutro, que elimina cualquier referencia espacial - como ya había hecho en el Pífano -. Las armonías entre las tonalidades grises y negras son habituales en este tipo de figuras, al igual que la pincelada rápida, que aparenta detallar el traje de luces, pero cuando el espectador se acerca contempla la soltura del trazo. Para animar la composición utiliza tonalidades más claras, como el rosa o el rojo, que contrastan con el marrón, gris o negro.

Música

Carmen, compuesta y estrenada en París en 1875, es sin duda la ópera más conocida de Bizet. La obra está basada en una novela de 1846 del mismo título escrita por Prosper Mérimée. Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito de Carmen. Tres meses después de estrenarse la ópera, y coincidiendo con una grave depresión fruto al parecer del fracaso de la misma, el compositor moría a la temprana edad de 36 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio.

La suite número uno de Carmen, extraída después de la muerte del compositor, contiene arreglos orquestales de algunos de los pasajes más famosos de la ópera. Entre ellos se incluye la marcha del torero. En el transcurso del segundo acto el torero Escamillo, quien va camino de Granada y pasa por la taberna a donde acude Carmen, inicia las coplas "Toréador, en garde" a las cuales se unen todos los que están en la misma.

Georges Bizet - Los Toreros, Suite No.1 - Carmen

ESPAÑA – Al ritmo de las castañuelas -Año II. Nº 85

Juan Aldaz y Sancho - María Cristina de Habsburgo-Lorena - c.1885  (Ministerio de economía, Madrid)

 

Joaquín Sorolla - Retrato de la Reina María Cristina - 1929  (Museo Sorolla, Madrid)

Pintura

Este retrato de Aldaz y Sancho muestra a la reina María Cristina de Habsburgo-Lorena luciendo un vestido de noche, con una ornamentada pieza de paño en la zona del estómago. La punta de esta pieza arranca en la punta de su blusa corpiño mientras que la falda parece tener paneles entrecruzados. María Cristina acostumbraba a llevar apretados corsets.
En el retrato de Sorolla, la reina María Cristina, de cuerpo entero y de frente. Viste traje blanco y manto azul oscuro bordado en plata, que medio cubre uno de los sillones. Alhajada con diadema, pendientes, collar, broche y pulseras. Su brazo izquierdo enguantado de blanco, el derecho desnudo. Junto al hombro dos condecoraciones, una de la Orden española de María Luisa. Al fondo, dos sillones dorados, tapizados en terciopelo rojo oscuro, como el repostero del muro, y bordados en oro.

Música

La Spanischer Marsch op. 433 fue compuesta durante el verano de 1888, posiblemente con motivo de haber sido invitado Johann Strauss a realizar una serie de conciertos en España. Este proyecto, sin embargo, nunca llegó a buen puerto. El compositor, que nunca realizó voluntariamente viajes largos a menos que le prometieran recompensas artísticas y financieras importantes, prefirió evitar el viaje largo y tedioso y en su lugar envió una dedicatoria musical a Madrid. Como gran receptor que era de medallas, condecoraciones y distinciones a cambio de sus obras, Johann sin duda esperaba una recompensa de ese tipo en esta ocasión. La orden de María Cristina, de hecho, no se creó hasta dos años después, en 1890, sin embargo, en el momento de su muerte en 1899, Johann había acumulado tres condecoraciones españolas, una de las cuales, la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica, la obtuvo como resultado de la dedicatoria antes mencionada.

Fue dedicada a la reina regente de España, María Cristina Deseada Enriqueta Felicidad Raniera de Habsburgo-Lorena (1858-1929), anteriormente la archiduquesa austriaca Marie Christine, hija del Archiduque Carlos Fernando y la archiduquesa Isabel de Austria. Nacida en Gross Seelowitz, Austria, Marie Christine se casó con Alfonso XII, pretendiente al trono de España, en 1879, a quien conoció en la Corte de Viena mientras estaba en el exilio. Con Alfonso tuvo dos hijas y un hijo, el futuro Alfonso XIII. Tras la muerte de su marido, justo antes de su 28º cumpleaños, María Cristina actuó como regente (1885-1902) hasta que Alfonso XIII alcanzó la mayoría de edad. Su regencia estuvo marcada por un gobierno sabio, desinteresado y tolerante, en contraste con los turbulentos años anteriores, y después de renunciar la regencia, María Cristina dedicó su vida al trabajo social y caritativo. También fue defensora incansable de la música vienesa en España donde Johann Strauss disfrutó un considerable seguimiento.

Johann Strauss II - Spanischer Marsch op. 433

ESPAÑA – El orgullo patrio -Año II. Nº 84

Joan Miró - Bailarina española - 1928  (Centro de Arte "Reina Sofía", Madrid)

Este cuadro es una de las varias piezas llevadas a cabo por Miró con el mismo título y en el mismo año, en las que por primera vez incorpora objetos. Esta composición se concibe como un divertido y sutil acertijo en el que el espectador debe «adivinar» la figura evocada sobre el plano. Con ello, Miró comienza a interesarse por el objeto en sí, lo que desembocará en la creación de sus famosas esculturas surrealistas, muchas veces ensamblajes de objets trouvés, datadas en los inicios de la década de los treinta.

El niño judío es una zarzuela en dos actos, con texto original de Enrique García Álvarez y Antonio Paso y música de Pablo Luna, estrenada el 5 de febrero de 1918 en el Teatro Apolo de Madrid.

Cuenta Angel Sagardía que teniendo Luna terminada la obra, salvo la “Canción española” pensó en sumergirse en El Escorial a ver si la inspiración llegaba y “al poco rato de emprender el viaje en tren, imaginó un ritmo original que, con melodía de carácter folklórico patrio, sería no un número ligero de zarzuela, sino una romanza de genuina raigambre nacional. Se le ocurrió también la melodía y, nada más llegar al hotel, de un tirón compuso la canción que lograría celebridad, de la que actualmente aun disfruta”. Desde su estreno la obra se ha mantenido discretamente en el repertorio, destacando principalmente la referida canción “De España vengo, soy española” convertida en grito musical de patriotismo.

Pablo Luna - Canción española - El niño judio

RETRATOS DE MUJER - Simpatía -Año II. Nº 83

Ferdinand von Reznicek – Alt Wien - 1908

 

Pintura

En esta ilustración se observa a una pareja romántica que consigue bailar junta en la vieja Viena, a pesar del obstáculo que supone el miriñaque que porta la mujer. Reznicek muestra en sus dibujos casi exclusivamente mujeres elegantes vistiendo ropa fina y con gestos elegantes, a menudo también muy melindrosos. Estas mujeres de mirada tierna, juguetonas y coquetas, contrastan con los hombres que las acompañan, bastante mayores, pero obviamente adinerados, ya sean amantes o maridos engañados. Mujeres con fantásticos vestidos de baile, fragantes, parejas de baile y la coqueta del carnaval: motivos y temas que el artista entendió con inimitable facilidad.

Música

El estreno de Sympathie, Polka-Mazur op. 73, había sido anunciado para el primer concierto de la temporada de invierno en el Salon del Volksgarten en octubre de 1859. Josef Strauss, sin embargo, ya había interpretado la obra una semana antes, el 23 de octubre, a modo de ensayo, con ocasión del concierto final celebrado en el Casino Ungers en Hernals.

Fue muy importante para Josef que la obra se presentara perfectamente. Su extremo cuidado trajo sus frutos, como así atestigua la noticia publicada en el periódico teatral Der Zwischenakt que calificó a la Sympathie Polka como “una de las piezas más hermosas jamás compuestas por Strauss.” Con su reservada, simple y ligeramente elegiaca elegancia, esta Polka-Mazurca ha fascinado a las audiencias desde entonces. Pertenece a una de esas composiciones de las que Johann Strauss dijo más tarde: “Estas melodías capturaron cada fibra del corazón y del alma de Josef.”

Josef Strauss - Sympathie, Polka-Mazur op. 73

RETRATOS DE MUJER - La indiscreta -Año II. Nº 82

Arthur Hopkins -Comparing programmes - 1882

 

Pintura

Esta ilustración de Hopkins, que representa a dos muchachas comparando sus carnés de baile, apareció en el número de Navidad de la revista 'Graphic', en diciembre de 1882. Los carnés eran objetos aparentemente inocuos, pero su contenido, los nombres de las parejas de baile, se disputaba con discreción y también con ferocidad. No era baladí contar en el carné de baile con los varones de mayor relumbrón y las jovencitas más favorecidas. Nombres que se coleccionaban como cromos o sellos de alto valor emocional (económico también) y que, al finalizar la temporada de baile, se lucían como las más estimadas condecoraciones.

Música

El estreno de Die Schwätzerin. Polka Mazur, op. 144, compuesta por Josef Strauss, cuyo título se puede traducir como La indiscreta, tuvo lugar el 17 de junio de 1863 en un concierto celebrado en el célebre establecimiento Sperl de Leopoldstadt, en los alrededores de Viena.

Entre las composiciones a las que Josef dio títulos descriptivos de la personalidad femenina, esta divertida e ingeniosamente aguda polka mazurca ocupa un lugar especial. Pero, ¿a quién pudo referirse con ella? La portada de la primera edición de la partitura muestra a una joven con un loro, a quien amonesta severamente con el dedo. ¿Es el pájaro entonces el indiscreto, el que posiblemente aireó un secreto de familia? En la orquesta es, en cualquier caso, el oboe el que se hace escuchar insistentemente desde el comienzo de la obra y el que, también en la conclusión, se reserva la última palabra…

Josef Strauss - Die Schwätzerin, Polka Mazurka op. 144

RETRATOS DE MUJER - La emancipada -Año II. Nº 81

Charles Williams - Mrs. Mary Anne Clarke - 1809  (Royal collection, Londres)

 

Pintura

Esta ilustración es una representación de cuerpo entero de Mary Anne Clarke, amante del príncipe Frederick, Duque de York, segundo hijo de Jorge III, rey del Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda entre 1760 y 1820, de pie ante la puerta abierta, con un manguito grande en la mano derecha, y la izquierda levantada sujetando el velo.

Música

Este encantador homenaje fue la antepenúltima obra de Josef Strauss y no llegó a editarse hasta después de su repentina muerte en julio de 1870. En el estreno de Die Emancipierte, Polka Mazur, op. 282, el 17 de febrero de 1870 en los "Blumensälen de la Gartenbaugesellschaft" (Sociedad de Jardineros), su querida esposa Carolina estaba entre el público. Ella sabía que la obra le estaba dedicada.

El debut de la violinista Marie Grüner como directora de la bien conocida orquesta Ludwig Morelli en 1860 fue tratada en numerosos artículos de prensa como un ejemplo de emancipación de la mujer, y los debates se reavivaron según las mujeres iban obteniendo puesto tras puesto en los negocios y las artes. Y, en consecuencia, la primera estudiante universitaria y, en mayor medida, la primera mujer que alcanzó un doctorado fueron objeto de grandes titulares. El propio Josef no deseaba nada mejor a su esposa que su liberación de los asuntos domésticos y la consecución de un empleo que la proporcionara independencia.

Josef Strauss - Die Emanzipierte, Polka Mazurka op. 282

RETRATOS DE MUJER - La coqueta -Año II. Nº 80

Giovanni Boldini - Última mirada en el espejo - s. XIX  (Enrico Gallerie, Milan)

 

Pintura

Desde muy pronto Boldini manifiesta un interés, que no abandonará jamás, por los salones elegantes de la aristocracia y de la burguesía A mitad de los años 1870 pintó una serie de cuadros de género al gusto dieciochesco, muy de moda en la época. En palabras de Berenson “era un artista ultra "chic", en su forma muy particular, especialmente cuando retrataba larguiruchas señoras de la alta sociedad internacional que aparecen pintadas como debajo de un vidrio traslúcido. Experto de ese modo y de la literatura francesa que lo ha representado, interpretaba muy bien a la más alta elegancia femenina en esa época en que estaban incluso demasiado revestidas por los artífices de los sastres y de las modistas, figurativamente plasmadas en poses ambiguas situadas entre las de los salones y del teatro. Pero esos retratos tienen un fuerte poder de encanto: revelan espontáneas y seguras cualidades de pintor...”

Música

El estreno de Die Kokette, Polca francesa op. 70, pudo haber tenido lugar durante el carnaval de 1859, pero no hay indicios sobre la ocasión para la cual fue compuesta la obra. El título se encuentra por primera vez en el anuncio que apareció el 27 de febrero de 1859 en varios periódicos vieneses.

Esta caprichosa polca pertenece, sin lugar a dudas, a aquellas obras de Josef Strauss en las que el compositor esbozara características de la mujer, hacia lo cual también apunta la portada de la primera edición en la que se representa una figura femenina en atuendo llamativo y con un espejo en la mano. La línea melódica, vivaz y dinámica, corresponde exactamente a esta imagen. Según se desprende de los reportajes sobre el baile al que se refiere el anuncio, las parejas se dejaron llevar por la música y “ensayaron con los pies” la polca con energía y entusiasmo.

Josef Strauss - Die Kokette, op. 70

INSECTOS - Luciérnagas -Año II. Nº 79

Balthasar van der ast - Naturaleza muerta de frutas con conchas y un tulipán - 1620  (Mauritshuis, La Haya)

 

Pintura

Este colorido bodegón es la pintura conocida más antigua de Van der Ast, uno de los primeros especialistas en naturalezas muertas. Un valioso plato de porcelana china contiene membrillos, granadas, albaricoques y uvas. Algunas conchas exóticas y un tulipán se presentan en la mesa. El artista eligió un punto de vista alto para hacer que miremos hacia abajo, sobre la mesa, y podamos ver cada objeto con claridad. Esta composición era habitual para las naturalezas muertas desde el comienzo del siglo diecisiete.

Música

Además de los dones musicales, el joven Johann Strauss también heredó de su padre el amor por el espectáculo. Así, el 28 de julio de 1850, en el Casino Zögernitz sito en el suburbio vienés de Öber-Döbling, organizó un ‘Gran Festival Público Vienés’, brillante, “con magnífico baile e impactantes iluminaciones y fuegos artificiales”. Fue la ocasión en que presentó en público su nuevo vals op. 82, en estilo Ländler, titulado Johannis-Käferln, (luciérnagas) escrito especialmente para la ocasión.

En la breve introducción de la obra, Strauss retrata musicalmente la estelar aparición de las luces fosforescentes, entre verdes y blancas, que caracterizan a las hembras de las luciérnagas (Lampyris noctiluca), insectos ampliamente extendidos por Europa y Siberia, que continúan siendo una vista nocturna familiar en los jardines y los parajes campestres de los alrededores de la ciudad de Viena.

Johann Strauss II - Johannis-Käferln, Walzer op. 82

INSECTOS - La mosca -Año II. Nº 78

Balthasar van der ast - Flores en un jarrón con conchas e insectos - c. 1630  (National Gallery, Londres)

 

Pintura

En este cuadro Van der Ast ha representado un arreglo de flores comunes - iris, tulipanes, rosas, claveles, dragonarias y una fritillaria - en un pequeño jarrón de barro. Los insectos (una mariposa, una araña, un grillo de monte y una avispa) se arrastran o revolotean alrededor de las flores. En el estante en el que se encuentra el jarrón hay tres conchas; a principios del siglo XVII, los caparazones exóticos eran muy apreciados por los coleccionistas holandeses. La composición está cuidadosamente equilibrada en forma y color.

Música

Orphée aux Enfers (Orfeo en los Infiernos) es una ópera bufa (una forma de opereta) compuesta por Jacques Offenbach. El texto fue escrito por Ludovic Halévy y posteriormente revisado por Héctor Jonathan Crémieux. La obra, estrenada el 21 de octubre de 1858 en el Théâtre des Bouffes-Parisien, se considera la primera opereta clásica de larga duración. Offenbach utiliza por primera vez la mitología griega como telón de fondo para una de sus bufonadas. La opereta es una irreverente parodia y una sátira mordaz de Gluck y su ópera Orfeo ed Euridice y culmina con un galop infernal, subido de tono, que conmocionó a la audiencia en el estreno.

ACTO II, Escena I - Un lugar en el Hades.
Eurídice se encuentra encerrada por Plutón, y se queja de que su vida es muy aburrida. Su carcelero, un borracho estúpido de nombre de John Styx, tampoco ayuda, en especial con su hábito de repetir, a la menor provocación, que fue rey de los Beocios hasta su muerte y que si no hubiera muerto, seguiría siéndolo. Júpiter aparece donde Plutón ocultó a Eurídice y se desliza a través del ojo de la cerradura tras convertirse en una hermosa mosca de alas doradas. Conoce a Eurídice y juntos cantan un dueto de amor, aunque su parte se reduce únicamente a zumbidos ("Bel à l'insecte dorée aile") Más tarde se revela a ella y se compromete a ayudarla, porque la quiere para sí mismo.

Jacques Offenbach - Dúo de las moscas - Orphée aux Enfers

INSECTOS - La libélula -Año II. Nº 77

Alberto Durero - Sagrada Familia con la libélula - ca. 1495 (Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt)

Pintura

El nombre de la estampa ha creado ciertas dificultades a causa del insecto que la denomina: se la ha llamado la Sagrada Familia del Insecto, puesto que Dios Padre también aparece en la misma; o la Virgen de la Mantis Religiosa, lo que sería más chocante en el análisis, puesto que las mantis son insectos poco frecuentes en Alemania. Si fuera una mantis, podría explicarse en el viaje de Durero a Italia, donde sí son abundantes. Si fue así, no sería extraño que el pintor tomara un boceto del insecto como hizo de otros animales que le sorprendieron y que luego incluyó en otros cuadros. Aquí ha ordenado la composición de una manera estricta, alrededor de un eje axial formado por el cuerpo erguido de María, la caída de los pliegues de su vestido, y la aparición de Dios en el cielo. Además, la Virgen aparece en un delicado paisaje de amplio horizonte, en el mismo estilo de las madonas de Leonardo da Vinci, quien también era aficionado a incluir animales primitivos y formaciones geológicas a los pies de sus figuras sagradas.

Música

El estreno de la polca mazurca Die Libelle op. 204 tuvo lugar el 21 de octubre de 1866 en el Volksgarten vienés. Al día siguiente el periódico Neue Fremden-Blatt informó que “la pasada tarde, en los Salones del Volksgarten, Josef Strauss cosechó un gran aplauso con su nueva polca mazurca Die Libelle. La deliciosa polca tuvo que ser interpretada cuatro veces consecutivas”.

Die Libelle (la libélula), que reproduce el zumbido del batir de las alas de este acrobático insecto saltando sobre la superficie de ríos y lagos, es una brillante evidencia de la cercanía de Josef Strauss con la naturaleza. Durante su estancia en Trumau junto al Triesting en la Baja Austria como joven arquitecto y en sus paseos a través de los magníficos parajes cercanos a su casa, bien pudiera haber observado el gracioso juego de las libélulas, proporcionándole inspiración para su poema musical. Pueden esgrimirse dos razones para que ‘Pepi’ escribiera su impresión en 1866. Por esa época se estaba representando un ballet de Friedrich von Flotow, encantador pero con música poco significativa, en el pequeño Harmonie-Theater del pueblo. El ballet fue objeto de una entusiasta discusión. Pero sobre todo, los tristes acontecimientos del verano, particularmente la derrota del Ejército del Norte en Königgrätz, Bohemia, en la guerra contra el Reino de Prusia, dio al músico suficiente tiempo libre para reanudar con creciente intensidad sus viajes por las áreas circundantes para recoger nuevas impresiones.

Josef Strauss - Die Libelle, Polka op. 204

INSECTOS – La tarántula -Año II. Nº 76

Caspar David Friedrich - Mujer con tela de araña entre árboles desnudos - 1803  (Kunsthalle, Hamburgo)

 

Pintura

Esta estampa de Friedrich se conoce también como "Melancolía", pues se considera que su contenido es simbólico: la muerte, la transitoriedad del ser humano se plasma en los árboles secos y las flores, destinadas a morir tras su explosión de color y vida; la tela de araña simboliza la fragilidad del arte y su belleza. En este contexto se inserta la melancolía de la reflexión humana, encarnada en la joven sentada.

Música

La Tempranica es una zarzuela en un acto de Gerónimo Giménez con libreto de Julián Romea, estrenada el 19 de septiembre de 1900 en el Teatro de la Zarzuela. Es conocida por su zapateado La tarántula é un bicho mu malo, escrito originalmente para ser interpretado por una tiple cómica.

El argumento se basa en el amor imposible de una gitanilla por un “señorito” andaluz, vivido en el ambiente típico de Granada, que da pretexto para una extraordinaria partitura en la que se incluyen números o cuadros propios del género chico, como el zapateado. La acción transcurre a finales del S. XIX, en las cercanías de la sierra de Granada. El protagonista, Don Luis, llega al cortijo después de una partida de caza, rodeado de sus amigos. Grabié, un chiquillo que vive en una herrería próxima, hermano de María, llamada la Tempranica, pasa cerca canturreando: “La tarántula é un bicho mú malo/ No se mata con piera ni palo/ Que juye y se mete por tós los rincones/ Y son mú malinas sus picazones.”

Gerónimo Giménez - La tarántula - LA TEMPRANICA

INSECTOS – El moscardón -Año II. Nº 75

Ivan Bilibin - Vuelo del moscardón - 1905

 

Pintura

Esta imagen de Bilibin, que ilustra el texto clásico de Pushkin, aúna el realismo y el simbolismo iconográfico, el decorativismo y los colores cálidos, orientalismo y esplendor gráfico, la tradición rusa y el Art Nouveau. Concretamente se refiere a la parte del poema: “Bien, ahora, mi moscardón, ve, / ve con la nave hacia el mar, / baja en secreto, / llega hasta una grieta a poca distancia. / Buena suerte, Gvidón, vuela, / ¡sólo no te quedes mucho!” Arriba, sobre la isla, se observa al moscardón.

Música

La Leyenda del Zar Saltan es una ópera en cuatro actos y un prólogo escrita por Nikolai Rimsky-Korsakov. El libreto de Vladimir Belsky está basado en el poema del mismo título de Aleksandr Pushkin. La ópera fue compuesta entre 1899 y 1900, para coincidir con el centenario del nacimiento de Pushkin, y fue estrenada en 1900 en Moscú, Rusia. El título completo tanto de la ópera como del poema es La leyenda del Zar Santan, de su hijo, el poderoso y renombrado Príncipe Gvidon Saltanovich y de la bella Princesa Cisne.

El vuelo del moscardón es un interludio orquestal que cierra la escena primera del acto tercero de la ópera. En el puerto de Buyan, un buque mercante ha partido y el Príncipe Gvidon lamenta la separación de su padre. El Cisne encuentra una manera de ayudarle transformándole en insecto a fin de que pueda volar sobre el mar, colarse como polizón en el barco de Saltan, y poder visitarle de incógnito en Tmutarakan. Aunque en la ópera el Cisne canta durante la primera parte del vuelo, se omite la parte vocal para hacer posible su interpretación como pieza orquestal de concierto.

Nikolai Rimsky-Korsakov - III. El vuelo del moscardón - La leyenda de Zar Saltan, Op. 57