MITOLOGÍA - Valquirias -Año II. Nº 93

Edward Robert Hughes - La vigilia de la Valquiria - s. XX

Siguiendo la reinterpretación romántica de los viejos mitos realizada por Richard Wagner, Hughes representa a la terrible diosa nórdica de la guerra en una etérea pintura de cuento de hadas: descalza, vestida con una túnica sobre el hombro, y suavemente iluminada desde arriba. Subraya sus aspectos marciales: el casco en la parte interior de su brazo y la espada sostenida por el ricasso (la sección roma inmediatamente después de la cruz de la empuñadura) Del guerrero muerto en la batalla, del lobo o el cuervo carroñero, no hay rastro.

Die Walküre (La valquiria) es la segunda de las cuatro óperas o tetralogía del ciclo titulado El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen) de Richard Wagner y la que se representa más asiduamente, incluso separada del ciclo completo. Fue estrenada en el Hoftheater de Múnich (Teatro de la Corte, hoy Teatro Nacional de Múnich) el 26 de junio de 1870. La famosa introducción al tercer y último acto, describiendo a las guerreras semidiosas en sus corceles, se conoce como «Cabalgata de las valquirias».

Wagner se inspiró en la mitología nórdica al escribir esta obra, específicamente en la Volsunga. En la versión simplificada del compositor, las valquirias son las hijas del dios Wotan y la madre tierra, la diosa Erda, concebidas como doncellas guerreras para defender el Olimpo germánico, el Walhalla, del acecho los Nibelungos y recoger las almas de los héroes muertos en batalla para llevarlos a su descanso eterno en el Walhalla. La valquiria preferida de Wotan es Brunilda (Brünnhilde), que representa su verdadera voluntad por sobre los designios de su esposa Fricka (diosa del matrimonio). Será Brunilda quien desobedecerá a su padre y desatará la tragedia resultante en El ocaso de los dioses (Götterdämmerung)

Richard Wagner - Hojotoho - La valquiria

MITOLOGÍA - La bella Galatea -Año II. Nº 92

Jean-Léon Gérôme – Final de sesión - 1886  (Colección privada)

 

Pintura

La fascinación de Gérôme por el gesto del escultor, por su dominio de la materia y su capacidad para darle forma le orientan hacia el mito de Pigmalión infundiendo vida a Galatea. Se representó a sí mismo en escultor, jugando, en esta obra con la redundancia de la presencia del modelo en carne y hueso y de la estatua, que se está elaborando. Sus representaciones mezclaron estrechamente las referencias al mito de la Antigüedad con la realidad contingente del taller.

Música

La bella Galathee (La Bella Galatea) es una opereta en dos actos de Franz von Suppé con un libreto alemán del propio compositor y de ‘Poli Henrion’ (seudónimo de L. Kohl von Kohlenegg) La primera representación tuvo lugar en el Meysels-Theater de Berlín, el 30 de junio de 1863.

El escultor Pigmalión está perdidamente enamorado de su estatua de Galatea. Por lo tanto no quiere vender la estatua a un mecenas de las artes, Midas, y reza a Venus, la diosa del amor, para que le de vida a la estatua. Su deseo es concedido, Galatea cobra vida y canta su felicidad “Wunderbar ein Mensch zu sein” (¡Qué maravilla ser humana!) Sin embargo, Galatea resulta ser una criatura muy independiente. Es infiel a Pigmalión con su criado Ganímedes (porque es mucho más agradable para ella que Pigmalión) y no rechaza Midas, quien le ofrece joyas. Cuando Pigmalión sorprende a Galatea en una situación comprometida implora a Venus para que la convierta de nuevo en piedra. Las joyas ofrecidas por Midas también se convierten en piedra, y, finalmente, Pigmalión le vende la estatua.

Franz von Suppé - Wunderbar ein Mensch zu sein - Die schöne Galathee

MITOLOGÍA - Orfeo y Eurídice -Año II. Nº 91

Camille Corot - Orfeo guiando a Eurídice desde los infiernos - 1861  (Museum Fine Arts, Boston)

 

En este cuadro, el legendario músico Orfeo - quien sedujo a los dioses griegos para que le permitieran recuperar a su amada esposa, que había sido mordida fatalmente por una serpiente - la conduce tiernamente desde el inframundo. En la antigüedad se creía que los difuntos seguían existiendo como espíritus, vistos aquí reunidos en pequeños grupos bajo los delicados árboles. Corot, un gran amante de la música, ha impregnado esta obra con un sentido de lirismo melancólico que insinúa el trágico final de la historia: Orfeo pierde a Eurídice para siempre cuando se vuelve para mirarla antes de llegar al mundo de los vivos. El sentido de la realidad filtrada es realzado por el uso extraordinariamente sutil del color. El artista utiliza un acorde tonal melancólico, modulando cuidadosamente una gama estrecha de grises, de verdes y azules.

Orfeo ed Eurídice (Orfeo y Euridice) es el nombre de una ópera en tres actos del compositor alemán Christoph Willibald von Gluck, con libreto de Raniero de Calzabigi, que data de 1762 y está basada en el mito de Orfeo. Pertenece al género de azione teatrale (acción teatral), que implica que la ópera se basa en un tema de la mitología y utiliza danzas y coros. La pieza se estrenó en Viena en 1762. En España, se estrenó en 1780, en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona, cantada en italiano.

ACTO III
A la salida del Hades, Eurídice está encantada de volver a la tierra, pero Orfeo, recordando la condición impuesta, sólo le permite ir de la mano y se niega a mirarla, sin explicarle nada. Ella no entiende su acción y se lo reprocha, pero él tiene que sufrir en silencio. Eurídice considera que esto es una señal de que ya no la ama, y se niega a continuar, concluyendo que la muerte sería preferible. Orfeo no puede aguantar más, se da vuelta y mira a Eurídice y ella muere de nuevo. Orfeo canta su dolor en la famosa aria "Che faro senza Euridice?" / "J'ai perdu lun Eurídice" ("¿Qué haré sin Eurídice?" / "He perdido a mi Euridice").

Christoph Willibald Gluck - "Che faro senza Euridice?" / "J'ai perdu lun Eurídice" - Orfeo ed Euridice

MITOLOGÍA - La bella Helena -Año II. Nº 90

Angelica Kauffmann - Venus induce a Helena que se enamore de Paris - 1790  (Hermitage, San Petersburgo)

 

Pintura

La diosa Afrodita (su equivalente romano es Venus) había prometido al príncipe troyano Paris el amor de Helena como premio por haber decidido a su favor en el concurso de belleza que la había enfrentado a Hera y Atenea. Afrodita provocó que Helena se enamorase de Paris, escena representada por Kauffmann, y los amantes huyeron juntos de Esparta con el tesoro de Helena mientras Menelao se encontraba aún en Creta.

Música

La belle Hélène (La bella Helena) es una opereta en tres actos, con música de Jacques Offenbach y libreto en francés de Henri Meilhac y Ludovic Halévy. Fue estrenada en el Théâtre des Variétés de París, el 17 de diciembre de 1864, con Hortense Schneider y José Dupuis en los papeles principales. La opereta parodia la historia de la fuga de Helena, la reina de Esparta, con Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, lo que desencadenó la Guerra de Troya.

ACTO II
Después de parodiar la vida de la corte griega, haciendo aparecer al honesto Calcante, sumo sacerdote de Júpiter, como un jugador tramposo, el autor presenta a Paris, tratando de encontrase con Helena durante la noche. Aunque ella sabe que es su destino ('Amours divins’), en apariencia se le resiste, y él debe utilizar la estrategia. Sale, pero vuelve cuando se ha quedado dormida. Se acerca a su cabecera y le dice que lo que ahora va a ocurrir es sólo un sueño, y ella acepta todos los riesgos de este juego. Menelao, rey de Esparta y esposo de Helena, regresa inesperadamente y encuentra a los dos abrazados. Helena, sale al paso exclamando: 'la fatalité, la fatalité'. Y reprocha a su marido que todo es culpa suya: un buen marido sabe cuándo ha de aparecer y cuando se debe mantener alejado. Paris intenta disuadirle, en vano, de no montar un escándalo. Cuando todos los reyes griegos se unen a la fiesta, reprenden a Paris y le invitan a que regrese de donde vino. Sale París, prometiendo volver a terminar el trabajo.

Jacques Offenbach - No.2 Amours divins - La Belle Hélène

MITOLOGÍA - El triunfo de Baco -Año II. Nº 89

Diego Velázquez - El triunfo de Baco - 1629  (El Prado, Madrid)

Ésta es una obra fronteriza, que inaugura una temática que estará presente hasta los últimos años de la carrera de Velázquez, y al mismo tiempo mantiene numerosas deudas con su pasado. El personaje principal es Baco, que dio al pintor la oportunidad de representar uno de sus primeros desnudos masculinos, y domina la composición con la luminosidad de su cuerpo y sus vestiduras. A la izquierda un sátiro desnudo levanta una fina copa de cristal y nos sitúa en el mundo de los seres y las historias fabulosos, mientras que a la derecha se agolpan un mendigo y cuatro hombres de capas pardas, rostros curtidos y expresión achispada, que constituyen un contrapunto cotidiano, verídico y realista. Ante ellos se interpone la figura de un joven que se encuentra de rodillas y está siendo coronado por el dios.

La alegre Bachus-Polka op. 38, escrita por Johann Strauss II, fue escuchada por primera vez en un evento titulado 'Festival en los Salones de Baco’, celebrado en las Sträussel-Säle del teatro Josefstädter, el 2 de febrero de 1847.

Mientras Baco (Dioniso en la mitología griega), Dios clásico del vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis, inspiró a Johann Strauss padre en sólo dos composiciones – el Champagner-Galoppe (Op. 8) y el Champagner-Walzer (Op. 14) – su hijo mayor tomó este tema como inspiración de varias de sus danzas. La edición impresa de esta polca pide que los miembros de la orquesta canten alabanzas al 'monarca de la vid': "Bachus, Bachus tra la la la" y "Der Bachus hoch I" (¡Viva Baco!)

Johann Strauss II - Bachus Polka op. 38