LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Sin palabras -Año IV. Nº 206

Daniel Maclise -The Origin of the Harp - c. 1842  (Manchester Art Gallety)

Pintura oval de una ninfa de mar, desnuda, metamorfoseándose en un arpa. Está de pie a la entrada de una gruta, con el agua hasta las rodillas, descansando su brazo derecho en una roca que sobresale verticalmente y se eleva un poco más alto que su cabeza, formando así, junto al brazo, el contorno de un arpa. Su pelo largo, que fluye con el agua, cae con sus rizos sobre este brazo hacia el mar, formando las cuerdas del arpa.

Vocalise, Op. 34, Nº 14 es una canción de Sergei Rajmáninov, publicada en 1912 como última de sus catorce canciones, Op. 34. Escrita para voz (soprano o tenor) con acompañamiento de piano, no contiene palabras, pero es cantada con cualquier una vocal (de elección de la cantante).Fue dedicada a la soprano Antonina Nezhdanova.

Tras el éxito de su Concierto nº 2, y plenamente recuperado de su crisis anímica y creativa, Rajmáninov anuncia en 1902 su casamiento con su prima Natalia Aleksándrovna Sátina. Debido a que la Iglesia Ortodoxa prohíbe los matrimonios entre primos, este enlace generaría muchos problemas. Afortunadamente para Rajmáninov, la intervención de una de sus tías y la celebración de la ceremonia en una capilla militar hicieron oficial su matrimonio. Eran sin duda los mejores tiempos para el artista. Comienza aquí su triple carrera, como compositor, pianista y director, que le llevaría a adquirir una fama sin precedentes. Fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y 1906, y realizó varias giras por todo el mundo como pianista. A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta nº 2, Rajmáninov escribiría obras maestras como su Segunda Sinfonía (1907), La isla de los muertos y sus Concierto para piano y orquesta nº 3 y nº 4 (1909), Las campanas (1913), y numerosas piezas para piano, entre las que se encuentra Vocalise.

Sergei Rachmaninov - Vocalise Op.34 No.14

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Obsesión. -Año IV. Nº 205

Valentin Serov - Retrato Ida Rubenstein - 1910  (Museo estatal ruso, San Petersburgo)

La carrera de Serov se extendió durante un largo periodo por lo que su estilo y temas variaron considerablemente, yendo de los retratos de la voluptuosa sociedad a estudios de niños realizados con gran sensibilidad. Completamente distinto de cualquiera de estos trabajos fue este famoso estudio de la bailarina, realizado en pintura al temple y carboncillo sobre lienzo, que pintó casi al final de su vida. El nombre de Ida Rubinstein se relaciona inevitablemente con la Belle Époque, aquel periodo de transformación económica y social, de belleza y de libertad creativa e intelectual anterior a la Gran Guerra.

El Bolero (en francés Boléro) es una obra musical creada por el compositor francés Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 28 de noviembre de ese mismo año. Ballet compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX.

Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva, en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa. Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM).

Maurice Ravel - Bolero (versión reducida)

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Ascetismo y austeridad -Año IV. Nº 204

Edgar Degas - Jóvenes espartanos - 1860  (National Gallery, Londres

Desconocemos el significado exacto de este cuadro, siendo la opinión que sería una alusión a la rigidez del sistema educativo de Esparta o a la eugenesia - asesinato de niños deformes o enfermizos - realizada habitualmente desde el monte Taygetus, monte que se aprecia al fondo de la escena, para preservar la fortaleza de la raza. Un grupo de niñas a la izquierda del lienzo se enfrenta dialécticamente con los niños de la derecha. Ambos grupos, en primer plano, dominan la composición, observándose en segundo plano otro nuevo grupo, esta vez de personas adultas que rodean al anciano filósofo Licurgo, el ideólogo del sistema pedagógico espartano. Los bellos cuerpos desnudos o semidesnudos del primer plano contrastan con los gruesos ropajes de las figuras que se colocan inmediatamente detrás de ellos. Respecto al color, resulta interesante el empleo de tonos muy armónicos, presididos por los amarillos y los ocres, añadiendo algunas tonalidades para contrastar como el negro, el azul o el blanco. Al recurrir a una iluminación de atardecer se intensifica el color amarillento dominante, creándose cierta sensación atmosférica.

Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Después de haber leído Salamboo de Gustave Flaubert, Satie tuvo la idea de crear piezas para piano inspiradas en los bailes de la antigüedad griega. Las piezas fueron publicadas por primera vez por su padre Alfred Satie, pero no conocieron una verdadera popularidad sino a partir de 1910, cuando la joven generación de compositores y de intérpretes franceses de la época descubrieron su música. La primera representación de las dos versiones orquestales de Debussy tuvo lugar en febrero de 1897 y las partituras fueron publicadas en 1898.

Satie eligió el término gymnopédies que designa una danza practicada por jóvenes bailarines desnudos de Esparta. El baile es mencionado sobre todo por Jenofonte en "Los helénicos", Platón en "Las Leyes" y por Plutarco en su "Tratado de la música". La temática griega antigua recorre toda la obra de Satie, desde las "Gnossiennes" hasta "La muerte de Sócrates". Según Jean-Joël Barbier, la palabra pudo ser elegida en alusión a las nociones de ascetismo y de austeridad que se refieren a todo lo que tiene relación con la civilización espartana, dos nociones cercanas a la estética de Satié.

Erik Satie - Gymnopédie No.1


Erik Satie - Gymnopédie No.1 (Orquesta)
>

LA BELLEZA DE LO ABSTRACTO - Languidez -Año IV. Nº 203

 

H. Tolousse Lautrec - Mujer sentada en un sofá -1897  (Neue Pinakothek, Munch)

Pintura

En esta intrigante pintura al óleo sobre cartón, que revela la habilidad de Lautrec para retratar el carácter, así como su habilidad como dibujante, capta la vulnerabilidad de una mujer no identificada, que fuera una vez hermosa y cuya experiencia en la vida ha endurecido sus rasgos. Una mandíbula marcada contrasta con su mirada lánguida, acentuada por unos maquillados ojos vacíos. Su desvinculación hacia el espectador crea una expresión mundana en su cara, añadiendo complejidad a esta eufemística representación. La habilidad de Lautrec en el eufemismo se ve reforzada por las líneas mínimas con las que sugiere la ropa y el sofá. El impresionante mosaico de pinceladas en blanco, azul y verde, y el deslumbrante rojo del peinado de la mujer, que enmarca la cara y asciende en un voluminoso y descuidado moño, contrasta con el vacío restante de la composición.

Música

El Adagio para cuerdas es una obra musical para orquesta de cuerdas, arreglada por el compositor Samuel Barber a partir de su primer Cuarteto de cuerdas. La obra fue estrenada en un programa de radio, dirigida por Arturo Toscanini, al frente de la Orquesta Sinfónica de la NBC, el 5 de noviembre de 1938, en Nueva York.

El Adagio para Cuerdas de Barber tiene su origen en el segundo movimiento de su Cuarteto de cuerdas nº 1, Opus 11, compuesto en 1936. En enero de 1938, Barber envió la pieza a Arturo Toscanini. El director devolvió la partitura sin comentarios, y Barber se molestó y evitó a este director. Posteriormente Toscanini hizo saber a Barber, a través de un amigo, que tenía previsto interpretar la obra y que la había devuelto por el simple hecho de que ya la había memorizado. También se informó que el director no volvió a tener la música hasta un día antes del estreno.

Samuel Barber - Adagio para cuerda